Avec Les Parapluies de Cherbourg, le réalisateur Jacques Demy importe en France un genre très américain  : la comédie musicale. Lauréat de La Palme d'Or en 1964, distribué jusqu'au Japon, le film fera date.Les Parapluies est une révolution artistique. Tout y est intégralement «en chanté», grâce à la musique virtuose de Michel Legrand, collaborateur fétiche de Demy. Comme pour Les Demoiselles de Rochefort, ce film est aussi un festival de couleurs éblouissantes… Décor, vêtements, tout y est chatoyant. Mais Les Parapluies est surtout une tragédie sur l'amour, ses désillusions et sur l'existence, pâle copie des rêves de jeunesse. Parue à l'occasion des 60 ans du film et de l'inscription au programme de l'agrégation interne de lettres modernes de 2024, cette étude intéressera les agrégatifs, mais aussi tout spectateur amateur de Jacques Demy.

Albert Dupontel filme-t-il à coups de marteau  ? Soit pour l'en louer, soit pour l'en blâmer, la critique retient volontiers l'aspect punk de son cinéma, le situant à mi-chemin entre les pages anarchisto-provos d'Hara-Kiri et l'univers débridé des Monthy Python. Albert Dupontel, à l'instar de Nietzsche qui entendait philosopher à coups de marteau, détruirait ainsi les idoles de l'époque, son conformisme, ses institutions. En surface, Albert Dupontel démonterait à coups de pelle le siècle des vanités. En profondeur, son marteau sert autrement son époque. Il n'entend pas la détruire, mais l'ausculter. Son outil, à l'instar de celui de Nietzche, est bien plutôt celui du médecin qui s'efforce d'évaluer à l'aide de sa caméra un monde complètement marteau afin de rendre aux hommes leur agilité perdue. Tout le cinéma d'Albert Dupontel consiste en cette quête, qui délivre son fond moral et politique  : comment donner du sens à l'existence d'individus qui un jour ont été projetés dans ce monde sans jamais y avoir consenti  ? Sa filmographie est une manière de nous guérir de cette blessure intime d'où il vient  : la mélancolie.

Dans la lignée du livre précédent de Marion Poirson-Dechonne, Le Mystère Starewitch, ce second opus, Ladislas Starewitch. Le magicien des marionnettes, s'attache à comprendre l'originalité de ce réalisateur. Il s'interroge sur l'adéquation entre signe et sens, contenu et expression, en questionnant sa pratique de la ciné-marionnette. Ses choix esthétiques n'indiquent-ils pas que ses films, loin d'une animation destinée aux enfants, abordent le côté sombre et mortifère des marionnettes, en lien avec l'au-delà, comme le montrent certaines études anthropologiques ?L'intérêt de cet ouvrage réside dans l'analyse de cette dimension de Ladislas Starewitch, certes abordée à diverses reprises sur le plan technique, mais beaucoup moins dans sa relation avec l'univers de la mort ou du rêve. Poétique et poïétique, son œuvre, d'une singulière modernité, semble avoir ouvert la voie à Tim Burton ou Terry Gilliam, qui se réclament d'elle.  

 La Seconde Guerre mondiale fut autant une guerre militaire qu'une guerre d'images – une guerre de communication, dirait-on aujourd'hui. Dès 1942, de grands réalisateurs hollywoodiens comme John Ford, John Huston et William Wyler s'engageaient dans l'armée et devenaient des cinéastes-militaires reconnus pour leurs films documentaires. À côté des films de guerre hollywoodiens, les documentaires produits par l'Armée ont montré la réalité des combats, sublimé l'étrange beauté des champs de bataille et raconté la guerre comme une grande aventure nationale.Les documentaires de guerre réalisés par Ford, Huston et Wyler ont défini les formes d'apparition cinématographique de la nation et du peuple américains, avec ce que cela implique pour l'historiographie, l'esthétique et la politique. Gilles Deleuze faisait l'hypothèse que l'invisible de la Seconde Guerre mondiale marquait la transition du classicisme à la modernité cinématographique ; or les images de la guerre tournées pendant les combats constituent aussi une matrice thématique et formelle pour le cinéma moderne.

Faire un film, c'est jeter un sort. C'est ainsi que le cinéaste américain Kenneth Anger (né en 1927) conçoit son travail. Ses courts-métrages expérimentaux et visionnaires ont laissé leur empreinte sur le cinéma contemporain. Pourtant, ses créations peinent encore à être connues du grand public. Le style Anger c'est d'abord une expérience onirique et hypnotique. Ébranler la perception, filmer le rêve et côtoyer l'ésotérisme sont là ses obsessions. Mais c'est aussi et surtout ses mécanismes visuels dignes d'un illusionniste que différents cinéastes se réapproprient. Parmi eux, David Lynch. De quelle façon le cycle de courts-métrages de la « lanterne magique » du premier a influencé le Twin Peaks: The Return (2017) du second ? Comment leur terrain esthétique commun met au jour la possibilité d'un cinéma incantatoire ? Entretenir un potentiel d'envoûtement exige de développer tout un éventail d'expérimentations esthétiques. Si Kenneth Anger en a impulsé, David Lynch s'en est imprégné. Faire une série c'est peut-être aussi jeter un sort

L'auteur explore la tension existant au cinéma entre deux modes d'approche des tragédies historiques : l'une grave, sérieuse et l'autre humoristique. Il répond à une double interrogation : comment concilier plaisir comique et poids dramatique du passé ? A quels rôles mémoriels obéissent ces films qui balancent entre volonté de délassement et souci de rappeler certaines tragédies du siècle écoulé ?

Quelles sont les relations que le film noir américain des années 1940 entretient avec les codes de la tragédie ? Cet essai s'intéresse à une série de films construite autour de la convention narrative et des archétypes suivants : la chute programmée d'un antihéros dont la trajectoire est marquée par une relation adultère avec une femme fatale le menant au crime.

Le cinéma comique italien des années 1970 possède un réalisme singulier qui s'explique par la violence politique de cette époque. Cette monographie passe en revue les réalisations des cinéastes tels que Dino Risi, Ettore Scola et Luigi Zampa pour interroger les relations entre comédie et société à travers le prisme du septième art. ©Electre 2017

Les recherches engagées par les artistes dans le champ des arts plastiques au cours des premières décennies du 20e siècle participent à de nouvelles déterminations de l'art. Les pratiques de l'image fixe et animée font circuler différentes pratiques artistiques du dessin, de la peinture et de la gravure, les activités du modelage, de l'assemblage et du décor.

Genre historique par essence, le western spaghetti tisse de nombreux liens avec le passé.Certes, il est influencé par les grandes étapes de la construction nord-américaine  : conquête de l'Ouest, guerre de Sécession et Révolution mexicaine.Mais contrairement à son père américain (J-M Sabatier affirma que le western italien était le seul genre parricide du cinéma), le western all'italiana s'abreuve à d'autres sources  : l'Antiquité et le Moyen-Âge (regarder des westerns spaghettis, c'est admirer les exploits de Django ou l'Homme sans Nom, mêlés à ceux d'Ulysse, Œdipe ou des chevaliers) mais aussi la Seconde Guerre mondiale, l'épopée napoléonienne, le meurtre de JFK, les œuvres de Shakespeare ou les romans d'aventures du XIXe siècle.Cet aspect constitue l'incommensurable originalité du western spaghetti.

Monographie consacrée au célèbre dessin animé, qui a également pour particularité d'être le premier long-métrage d'animation sonore et en couleur. L'auteur évoque sa genèse, les diverses influences qui guidèrent Walt Disney et son équipe, son succès à travers le monde, etc. Electre 2014

L'évolution du contrôle cinématographique en France, du début du XXe siècle à nos jours, est retracée, pour parvenir à la question de ce qui préside à la classification des films et aux restrictions susceptibles d'être apportées à leur exploitation : sexe, violence, religion ou encore cotation des films. Electre 2015

La vie et l'oeuvre de l'acteur et metteur en scène allemand émigré aux Etats-Unis. S'attache avant tout à revaloriser la carrière du cinéaste. L'acteur, grâce à la Grande illusion, est passé à la postérité, mais le cinéaste est moins connu. Pourtant, Boulevard du crépuscule s'avère être aujourd'hui un chef-d'oeuvre du cinéma mondial. ©Electre 2022

Eraserhead, Elephant Man, Blue Velvet, Sailor et Lula, le film et la série Twin Peaks, Lost Highway, Une histoire vraie, Mulholland Drive, Inland Empire : David Lynch a marqué de son génie le panorama contemporain de la création cinématographique et télévisuelle. Pendant longtemps, toutefois, son oeuvre a suscité sinon le scandale, du moins la perplexité. Maintenant devenu artiste consacré par le public et la critique, le réalisateur n'a pas pour autant renoncé au désir du renouvellement et de l'expérimentation, continuant de placer la définition des cinémas - du cinéma - au centre de son projet créatif. Par une étude thématique et formelle ainsi qu'une " mise en situation " culturelle, esthétique et philosophique de l'oeuvre, cet essai entend baliser l'écart au chemin coutumier qui caractérise la pratique de l'auteur.

Pauline Carton n'est pas seulement la bonne péremptoire à l'accent parisien et au chignon pointu qui fait un peu partie de notre patrimoine. Elle fut la lauréate du prix Fémina de poésie en 1903 et l'amie fidèle de Guitry dont elle commenta minutieusement ses films. C'est aussi une habile caricaturiste suisse et une mémorialiste précieuse des débuts du cinéma et du monde du théâtre dans Les Théâtre de Carton et Histoires de Cinéma. Elle intéressa beaucoup Lugné-Poe mais aussi Marcel L'Herbier, Cocteau, Clouzot, Gance, Pabst et surtout Guitry qui l'utilisa dans 24 films. Elle travailla aussi pour Marc Allégret, Autant-Lara, Bernard, Baroncelli, Cavalcanti, Decoin, Delluc, Diamant-Berger, Lindtberg, Rim et Verneuil. Pour Guissart, elle chanta ses célèbres Palétuviers. Elle interpréta aussi des rôles sévères voire cruels et dramatiques. Elle joua, au cinéma, de 1907 à 1970, et ses 220 films témoignent des problèmes sérieux de son époque : la guerre de 1914, l'affairisme de l'époque Stavisky, les bruits de bottes précédant la seconde guerre mondiale, le débarquement, la guerre froide et la fin du colonialisme.

Des enseignants-chercheurs spécialistes du cinéma exposent leur vision de l'analyse du film, sur le mode de la démarche empirique ou de la réflexion théorique. Des exemples d'analyse sont fournis, dans l'optique d'aider les étudiants des filières "arts du spectacle" et les candidats à divers concours de l'enseignement.

Cette approche sémio-cognitive du film animalier étudie le rapport image-science et montre le caractère hybride d'un genre appartenant tantôt au film de science, de recherche ou d'enseignement, au documentaire, à la fiction... tantôt à plusieurs de ces catégories.

Etudie l'oeuvre d'Abel Ferrara, réalisateur notamment de Bad lieutenant, The king of New York, The addiction et Snake eyes : situation par rapport à l'histoire du cinéma, en particulier italo-américain (Scorsese, Coppola...), thématiques (lutte entre le profane et le sacré, l'être individuel...), influence de Nietzsche et de Kierkegaard...

La marginalité de Dennis Hopper et le rapport qu'il entretient avec la norme sont ici clairement décrits et définis dans le souci de mettre en évidence les apports de la contre-culture au cinéma américain. L'ouvrage explore les figures collectives présentes dans le cinéma de Hopper avant de rendre compte de son traitement des classes et des groupes, et de leurs liens respectifs.

Etude esthético-narrative du jeu d'aventure multimédia. Etablissement des règles qui président à l'activité de l'imaginaire humain en appréhendant l'émergence du sens dans le jeu multimédia qu'il s'agisse des jeux d'aventure, d'action, d'arcade... 41 jeux s'étalant sur la période de 1998 à 2006 sont examinés.