A travers l'étude de partitions, de traités, de correspondances de musiciens et de textes littéraires, l'auteur examine comment le romantisme a pu progressivement qualifer des objets musicaux. Le romantisme est abordé comme un mot polémique témoignant d'une nouvelle façon d'entendre la musique.

Faust a été l'un des sujets que les musiciens romantiques ont le plus fréquemment mis en musique : musiques de scène, opéras, lieder et nombreuses partitions dramatiques non scéniques. A travers une analyse des différents traitements du mythe, d'avant Goethe au XXe siècle, l'auteur s'interroge sur la pérennité du pacte faustien et ses implications à notre époque.

Version remaniée d'une thèse de doctorat sur la fascination et répulsion mutuelles entre le surréalisme et la musique. Démontre, malgré les préventions de Breton contre la musique, l'importance de la musique dans le travail surréaliste d'expérimentation et de révision absolue des valeurs et révèle ainsi l'existence d'une composante musicale du surréalisme.

Plus discrète que l'histoire, ignorée par les prix Nobel, la musique est, elle aussi, un témoin de l'histoire lorsqu'une idéologie obscure lui impose de saluer l'utopie comme si elle était devenue réalité ou lorsque, s'opposant à cette domination, elle devient le lieu d'une émigration intérieure et, parfois même, de la protestation.(Frans C. Lemaire)

Histoire de la musique ancienne et classique en Russie : ses origines païennes et religieuses au Moyen Age, sa place dans les célébrations et les institutions des autorités tsaristes, ses grandes figures, ses grands courants, son ouverture sur les autres cultures, etc.

Biographie du compositeur allemand dont l'oeuvre, développée à Vienne, la ville sainte de la musique, est marquée de la qualification classique de romantisme tardif et aborde tous les genres à l'exception de l'opéra. ©Electre 2018

Le sauvetage du patrimoine musical baroque de l'Amérique latine grâce à un programme de coopération culturelle sans égal dans les relations Nord-Sud.

Si, en 2004, la pratique chorale est devenue un sujet d'actualité grâce au film Les Choristes, elle est aussi un sujet d'histoire. L'objet de ce livre est de donner aux amateurs, aux praticiens, choristes et chefs de chœur, une histoire de leur art du début du XIXe siècle jusqu'à une période récente, et de l'insérer dans une histoire sociale et politique.La Révolution ayant mis un coup d'arrêt à l'exercice des maîtrises religieuses, pour répondre au besoin de chant en chœur à l'église ou en concert, de très nombreux canaux d'apprentissage se sont développés aux XIXe et XXe siècles.Les sociétés chorales ont touché une part importante de la population française entre 1850 et 1950, principalement dans les villes et les bourgs, et à des niveaux esthétiques et dans des contextes sociaux diversifiés. Sous la IIIe République, tout petit Français qui passait le certificat d'études était supposé chanter en « chœur à l'unisson » des chansons populaires et l'hymne national, tandis que le mouvement des Orphéons initiait à la musique une frange considérable de la population masculine qui n'avait pas accès aux filières classiques.Bernadette Lespinard passe ainsi en revue les enjeux politiques portés par la musique chorale, le renouveau religieux qu'elle accompagne, la place de cette pratique dans l'Instruction publique, la part de ce répertoire dans la programmation des concerts et enfin le rôle que joue l'art choral dans la culture, les loisirs et l'idéologie au XXe siècle.L'ouvrage se termine par une galerie de portraits...

Orfeo, de Luigi Rossi, est le premier opéra joué en France, sur la demande de Mazarin. L'ouvrage suit la représentation étape par étape, de la construction d'un théâtre dans le Palais-Royal, à la découverte de cette réalisation scénique en France.

sur l'oeuvre de Pierre Henry,la symphonie romantique et la musique à programme.La première édition de cet ouvrage a reçu en 1995 le Prix du Syndicatfrançais de la Critique de cinémaDeuxième édition revue et augmentée

Une étude des liens qui unissent le peuple irlandais et sa musique à partir de l'histoire de la tradition musicale de l'Irlande. Electre 2015

Plus de vingt ans séparent la marche sur Rome (1922) de la chute de Mussolini (1943), au cours desquels les instances politiques et culturelles de l'Italie sont refondées. Dans le domaine musical, les conséquences du fascisme s'avèrent décisives  : ambivalent à l'égard de la modernité européenne, désireux d'exalter la nation et ses mythes, le régime suscite d'abord l'intérêt de compositeurs en quête d'unité et de récit national. Aviateurs et tyrans de la Rome antique hantent alors les scènes d'opéra, tandis que musiques de film et chansons se font l'écho des conquêtes coloniales.Ni les musiques savantes ni les genres populaires ne sont étrangers au fascisme  : sans imposer de canons esthétiques, le régime accompagne la réforme des conservatoires et subventionne des événements majeurs tels la Biennale de Venise ou le Mai musical florentin. Si l'attitude des musiciens est dominée par une profonde ambiguïté liée aux contraintes imposées par l'État, pour la jeune génération, néanmoins, celle de Dallapiccola et de Petrassi, l'adoption des lois antisémites constitue une rupture existentielle dont des œuvres telles que Le Prisonnier portent trace.Entre analyse de trajectoires individuelles, mise en perspective de genres musicaux, focus sur des œuvres emblématiques, le présent ouvrage évoque une nation fascinée puis déchirée par le totalitarisme mussolinien.      Titulaire d'un doctorat en musicologie, Charlotte Ginot-Slacik est actuellement professeur au Conservatoire national supérieur de Musique et de Danse de Lyon, et collabore régulièrement avec l'Orchestre national du Capitole de Toulouse, l'Opéra de Lyon, la Philharmonie de Paris… Après un double cursus de doctorat en Musicologie à Saint-Étienne et à Crémone,  Michela Niccolai a effectué deux post-doctorats à l'Université de Pavie et à l'Université de Montréal. Elle enseigne à l'Université Paris 4 et à Paris 3 et est membre associé au laboratoire IHRIM (Lyon2) et au LaM (ULB).   Bourse d'écriture 2016 de la...

Carmen de Bizet, España de Chabrier, Iberia de Debussy, le Boléro de Ravel : l'Espagne inspire la France, qui entretient avec elle une relation ancestrale oscillant entre attraction et rejet.Pendant un siècle (1820-1914), l'Espagne divertit le public français avec l'« espagnolade » (un exotisme à bon marché) ; elle représente aussi, au fil des échanges, une source d'inspiration et de renouvellement en profondeur du langage musical. Au tournant du XXe siècle, les compositeurs français confrontés au modèle wagnérien y trouvent l'échappée belle propice à l'expression d'une musique moderne française, qui contribue en retour à la création d'une musique moderne espagnole. Sous le ciel parisien, des émigrés, Albéniz ou Falla, œuvrent pour sortir la musique espagnole de ses clichés, tandis qu'un Viñes met son piano au service de Ravel, Debussy ou Satie. C'est ce double mouvement d'appropriation, qui permet de sortir du pittoresque sans renier les racines musicales et culturelles, que retrace ici Marie Christine Vila à partir d'une documentation inédite.

Composée de Schönberg, Webern et Berg, cette école fut le foyer au cours de la seconde moitié du XIXe siècle d'une véritable révolution dans le langage musical occidental. L'auteur retrace ici une période charnière de l'histoire de la musique, dans une ville culturellement très riche. (Livres Hebdo)

Une synthèse historique et esthétique du "Guide de la musique au Moyen Age". Propose un parcours théorique et technique de dix siècles de musique : questions de styles et de composition, panorama des oeuvres significatives, philosophie de la tradition musicale. Etude comparative de la musique et des autres arts, notamment la littérature, et analyse de son rôle au sein de la société. (Livres Hebdo)