Propose une comparaison, par la juxtaposition par paires, des oeuvres de ces deux grandes figures, hollandaise et italienne, de la peinture baroque. Elle met en lumière leur mutuelle révolution esthétique au plan plastique à travers leur conquête du clair-obscur et des jeux saisissants de lumière qui permettent de faire passer une nouvelle sensation et un nouveau sentiment de la réalité.

Présentation des arts de l'islam.

Menteur magnifique, Turner l'est dans la moindre de ses oeuvres, lui qui, à l'opposé de toute pratique documentaire, a développé un véritable art de la fiction. Cette vision personnelle et exaltée du monde, qui a fait de Turner (1775-1851) le champion du paysage romantique, Pierre Wat en analyse les composantes en revisitant la figure du peintre et de son oeuvre en six chapitres et autant de portraits : Turner voyageur, Turner professeur, Turner-Regulus, donnant, à travers un tableau ébloui, forme et sens à la figure de l'artiste romantique, Turner le duelliste, qui invente l'art spectaculaire de dominer les autres par la vitesse et la lumière, Turner historien pessimiste, qui fait de tout paysage le cénotaphe de l'histoire. Ce sont tous ces personnages - qui ne font qu'un - qui ont contribué à façonner un mythe dont, aujourd'hui encore, on se dispute l'héritage, que l'on se revendique moderne ou, aussi bien, classique.-

Cette biographie met en valeur la dimension intérieure de l'artiste. L'auteur fait sienne l'obsession de Monet : le paysage, et révèle un personnage anxieux, sensible, tourmenté.

Cet essai éclaire l'art d'A. Calder (1898-1976), sculpteur américain créateur des mobiles et des stabiles. Sa première période parisienne se caractérise par une sculpture au fil de fer, au réalisme aigu. Il rencontre ensuite Mondrian et s'oriente vers l'art abstrait, non figuratif. Au début des années 1930, il entame un cycle organique.

Biographie de Leon Battista Alberti (1404-1472), érudit florentin, architecte et théoricien de la Renaissance, qui suit le cours de sa production artistique et littéraire. Donne une vision des diverses facettes du personnage à travers ses écrits, ses oeuvres, ses fonctions et les relations qu'il entretint avec ses commanditaires.

Où l'artiste peint-il ? Que peint-il ? Comment peint-il ? La réponse à ces trois questions détermine la position singulière de Monet au sein de l'impressionnisme, puis de l'art de la fin du XIXe siècle. Adepte du plein air, l'artiste fait littéralement voler en éclats la notion académique d'atelier. Les sujets s'effacent derrière une quête de la lumière pour donner jour à de véritables séries au même motif : cathédrales, meules, peupliers, saisis à différentes heures du jour et de l'année afin de mieux capter les modifications des formes par l'action des ajouts atmosphériques. L'évolution de sa technique, incessante, parce que fonction également de la même quête, est analysée, exemples à l'appui, dans une troisième partie.

Une interprétation de l'oeuvre et de la pensée de Marcel Duchamp, où ce sont les conditions de la création artistique qui sont valorisées : processus, comportement, témoignage.

Etude consacrée au peintre italien du XVe siècle qui a oeuvré en pleine reconquête des leçons de l'Antiquité et à l'époque de la définition de la grande peinture d'histoire.

L'oeuvre de Jacques Villeglé est retracée. Né en 1926 à Quimper il se consacre à partir de 1949 à la collecte d'affiches lacérées qui le place dans le courant du nouveau réalisme. Dès 1969, il élabore des écritures socio-politiques avec un alphabet recueilli dans les graffiti tracés sur les murs. Exposition consacrée à l'artiste au Centre Pompidou en septembre 2008.

Etude de la personnalité artistique de Pierre Bonnard (1867-1947) et du sens de son invention chromatique. L'auteur s'interroge notamment sur le sentiment de l'intimité du corps qu'exalte son oeuvre et sur sa longévité créatrice. Publié à l'occasion de l'exposition au Musée d'art moderne de la Ville de Paris du 25 janvier au 30 avril 2006.

Introduction à l'art italien des XIVe et XVe siècles insistant sur la diversité des cultures et des traditions locales, parallèlement au modèle toscan. Il montre ces images italiennes du trecento et du quattrocento dans lesquelles apparaît une nouvelle figuration du monde et de l'homme.

L'ensemble de l'oeuvre de Paul (1882-1957) et d'André Véra (1881-1971), constitué de peintures, illustrations, tapisseries, céramiques, dessins d'aménagement de jardins, est évoqué à travers le fonds de leur donation à la ville de Saint-Germain-en-Laye et des prêts venus d'autres musées. Les deux frères personnifient l'art décoratif français de l'entre-deux-guerres.

Etude sur la présence de la magie et de la sorcellerie dans l'art italien de la Renaissance, ayant pour point de départ la mise au jour d'un décor peint réalisé vers 1585 au plafond de la chambre du cardinal de Médicis, qui représente des figures féminines regroupant les attributs des planètes et des muses ainsi que les signes du zodiaque. L'exemple du palais Schifanoia alimente cette réflexion.

Pour découvrir le patrimoine artistique religieux florentin de la fin du Moyen Age et de la Renaissance : architecture, mosaïques, sculptures, peintures, vitraux, orfèvrerie, monuments funéraires... Présente l'histoire de la construction, du décor et les oeuvres majeures de chaque lieu : le Baptistère San Giovanni, Santa Maria del Fiore, San Lorenzo, Orsanmichele, Santa Croce, etc.

Cet ouvrage envisage de façon systématique la production graphique d'Erro depuis ses débuts en 1946, en abordant tour à tour les dessins-collages et les dessins sur papier et toile comme les dessins préparatoires des grandes compositions (dont les peintures pour l'abbaye de Montmajour), jusque dans les années 1990.

Peintre des objets du quotidien, de la nature morte et des paysages austères, G. Morandi est reconnaissable à ses tonalités presque fades de gris bleutés et d'ocre, et à la stylisation géométrique et abstraite vers laquelle tendent ses formes. La pureté et la simplicité qui se dégagent de ses oeuvres sont explicitées par le peintre lui-même au cours d'entretiens donnés à E. Roditi.

Série d'études sur les "phares" de la peinture en Europe, de l'époque des Lumières à l'impressionnisme.

Montre l'univers esthétique, symbolique et culturel du corps, modèle de l'univers jusqu'à l'avènement de l'âge technologique.

Une des plus célèbres performances du XXe siècle, où un homme survit sept jours avec un animal sauvage.

Art contemporain, la figuration narrative renoue avec la temporalité, l'histoire et les histoires, conjugue la peinture au présent. Il s'agit de réintroduire la narration dans la peinture pour en finir avec l'art pour l'art. La figuration narrative est aussi un réalisme de seconde main qui travaille l'image déjà faite, popularisée par la photographie, le cinéma, la télévision, les médias, etc.

Douze femmes artistes qui se sont illustrées dans la photographie sont présentées : A. Austen, G. Arndt, V. Oldoini, H. Cullwick, A. Brigman, C. Cahun, J.M. Cameron, C. Hawarden, H. Höch, T. Modotti, L. Riefenstahl, Madame Yevonde. Leurs clichés marquent l'émancipation des femmes et la prise de possession de leur corps par l'image.

G. Durozoi, critique d'art contemporain, questionne l'art d'Andy Warhol et se demande si son oeuvre n'est pas le reflet d'un affadissement de l'art et de la culture qui se caractérise aujourd'hui par l'étouffement de l'imaginaire, le refus de la complexité, la fascination pour l'immédiateté, etc. Cette réflexion accompagne l'exposition présentée au Grand Palais en 2009.

Rétrospective sur l'art des années 1960, année après année : nouveau réalisme, expressionnisme abstrait, pop art, op art, cinétisme, minimalisme, Arte Povera italien, art conceptuel, hyperréalisme, land art, art corporel, etc. Tous ces mouvements assurent le passage d'un art moderne à un art contemporain qui abandonne les supports classiques et cherche à redéfinir l'art.

Les années 1970 ont sonné le glas de l'âge de la typographie traditionnelle qui. en dépit de nombreux perfectionnements. n'avait pas changé fondamentalement depuis l'invention de Gutenberg, il y a cinq cents ans. Avec les dernières avancées technologiques, tes systèmes PostScript et Open Type ont inauguré l'ère numérique et t'avènement de concepteurs aux schémas mentaux abstraits. Le rôle du designer est différent et il n'en est parfois pas conscient. Son statut touche une dimension tout autre. C'est peu dire que l'ère du numérique a transformé le monde de la typographie : les vingt-cinq dernières années ont été témoins d'avancées surprenantes dans ce domaine. D'où le besoin de mesurer l'impact de cette révolution sur la typographie et ta manière dont les designers contemporains exploitent les polices du passé et du futur pour satisfaire aux besoins du présent. Après un rappel de la classification des polices, cet ouvrage présente la biographie des jeunes créateurs de types de caractères (formation, liste des polices à leur actif, leur destination), et décrit 47 des caractères les plus importants créés ces vingt-cinq dernières années, en les reliant à leur exploitation graphique.