Le manuscrit Bauyn, une collection clé pour la musique du XVIIe siècle, notamment pour le clavecin, témoigne de l'influence de différentes écoles de composition sur l'écriture et l'interprétation des grands clavecinistes du milieu de ce siècle. Cet enregistrement inclut des oeuvres de Chambonnières et de Louis Couperin, dont la diversité des styles a mené Le Gallois (1680) à écrire que "l'un touchoit le coeur & l'autre touchoit l'oreille". Il contient également des pièces d'autres compositeurs contemporains tels que Hardel et d'Anglebert. Le clavecin Denis de 1658 est le protagoniste extraordinaire de cet enregistrement, dans lequel Giulia Nuti explore les capacités expressives de l'un des premiers clavecins à deux claviers conservés, témoignant de la façon dont le raffinement instrumental permet des choix d'interprétation. L'approche est la même que celle du premier album solo de l'artiste, consacré à la musique française pour clavecin du XVIIIe siècle, Les Sauvages, enregistré sur le clavecin Taskin de 1788, récompensé notamment d'un Diapason d'Or. La voix du clavecin Denis nous ouvre l'accès au monde sonore auquel ces pièces appartiennent et dans lequel elles doivent être comprises. (Electre)

A l'époque baroque, le duetto da camera, généralement conçu pour deux voix égales et continuo, était une forme importante de musique de chambre vocale, dont d'innombrables exemples se trouvent dans les oeuvres de compositeurs liés à Venise, les principaux protagonistes dans l'histoire de ce genre. Un important groupe de voix féminines jeunes et talentueuses (Silva Frigato, Lea Desandre... ) a rejoint la vénitienne Sara Mingardo pour cet étonnant projet, où des chefs-d'oeuvre des principaux compositeurs de l'époque ont été confiés aux voix les plus adaptées pour en rehausser le contenu musical. Cet enregistrement propose des oeuvres inédites et jamais jouées, transcrites et éditées par le claveciniste Edward Smith. Au coeur du programme, Sara Mingardo quitte un moment ses collègues pour apparaître comme soliste dans Fuggi pur, o crudele de Francesco Lucio, un lamento splendide et typique enregistré ici pour la première fois. ' (Electre)

Bach, Biber, Marini, Corelli : voilà quatre figures majeures de la musique baroque que personne ne penserait à associer à la harpe. Cet ambitieux projet est le résultat de recherches approfondies. Il suggère que le répertoire pour violon, instrument qui partage de nombreuses caractéristiques idiomatiques avec la harpe, fut longtemps une source d'inspiration pour les harpistes. Ainsi, certaines des pièces pour violon les plus virtuoses ont été arrangées pour la harpe, offrant à ces oeuvres un souffle nouveau et mettant en lumière des nuances originales et inattendues. Flora Papadopoulos, après avoir collaboré avec des ensembles comme Cappella Mediterranea, réalise aujourd'hui son premier album solo. En explorant des voies personnelles, hautement empiriques et expérimentales, elle fait revivre une pratique musicale fascinante longtemps oubliée. (Electre)

Après avoir redécouvert la musique de Giovanni Croce, maestro di cappella à la cathédrale Saint-Marc de Venise, les ensembles Voces Suaves et Concerto Scirocco nous emmènent à Salzbourg et mettent en lumière le compositeur Stefano Bernardi, né à Vérone et contemporain de Monteverdi. Bernardi atteignit le sommet de sa carrière à Salzbourg, quand il fut nommé premier Kapellmeister de la nouvelle cathédrale, poste qu'il occupa de 1628 à 1634. Il contribua grandement à l'intégration du nuovo stile italien à Salzbourg, en particulier de caractéristiques comme la polychoralité et le stile concertato, et peut donc être considéré comme l'ancêtre musical de musiciens salzbourgeois plus récents et plus célèbres. Son Requiem majestueux, dont le manuscrit est conservé dans les archives de la cathédrale de Salzbourg, témoigne de la carrure exceptionnelle de sa musique. La Sequentia est particulièrement impressionnante, qui forme le coeur de l'oeuvre et s'ouvre avec une section Dies irae élaborée, basée sur la fameuse séquence. Le Requiem ainsi qu'un certain nombre de motets de Bernardi sont enregistrés ici en première mondiale. (Electre)

Parmi les nombreux anniversaires que nous fêtons en 2018, celui des 350 ans de la mort du violoniste virtuose Francesco Maria Veracini n'est pas des moindres ! Y avait-il meilleure occasion pour (re)découvrir le premier enregistrement de référence réalisé par Enrico Gatti pour le label Arcana ? Ce sauvage violoniste florentin joua à travers toute l'Europe, laissant une empreinte indélébile dans des villes comme Dresde, Londres, Francfort et Prague. Ses sonates pour violon témoignent d'une vive imagination et d'une verve toute personnelle combinée à une brillante technique instrumentale. (Electre)

Le rôle central de Naples dans l'histoire de la musique vocale a jusqu'ici éclipsé une riche tradition de musique instrumentale. Ce n'est que récemment que la recherche musicologique a pu la mettre en lumière, démontrant que Naples joua un rôle tout aussi crucial dans le champ de la musique instrumentale, non moins important que d'autres centres plus souvent associés à ce répertoire, tels que Rome et Venise. Cet enregistrement propose un voyage de découverte dans un patrimoine musical qui, même s'il est moins connu, n'en est pas moins de grande valeur. Ce projet conçu par Enrico Gatti se concentre sur l'écriture spécifique pour trois ou quatre violons (sans alto) et continuo, typique de l'cole napolitaine. Et l'on découvre des bijoux (dont l'unique sonate pour violon seul de Giovanni Carlo Cailò, dans son premier enregistrement moderne). Ce programme permet de faire connaître à un large public de nombreux représentants de la musique instrumentale napolitaine, allant de la génération de Pietro Marchitelli (légèrement plus âgé que Corelli) et Giovanni Carlo Cailò à celle de Francesco Paolo Supriani, Angelo Ragazzi, Nicola Fiorenza et Leonardo Leo. Les formes musicales vont de la sonate d'église de style strict au concerto de conception plus moderne, offrant ainsi une expérience d'écoute agréable et variée. (Electre)

Un voyage à travers la Rome du XVIIe siècle, la ville rude et magnifique où vécurent Le Caravage et Stradella. Le contrepoint strict et la polyphonie savante dans les pièces pour luth et clavecin de Kapsberger, Pasquini et Frescobaldi se mêlent aux danses légères et aux chansons populaires pour guitare. L'improvisation est le trait d'union entre ces deux mondes sonores : la haute culture des chapelles et des palais aristocratiques et la tradition des rues et des tavernes. Une étude attentive des sources originales a guidé les choix d'instrumentarium et d'interprétation de ce disque. Selon l'interprétation historiquement informée, la célèbre Antidotum Tarantulae et d'autres anciens specimens de tarentelles telles que les écrivit le jésuite Athanasius Kircher sont jouées sur des cornemuses, des tambours et des guitares. Alors qu'avec son premier album, Alfabeto Falso, l'ensemble I Bassifondi rafraîchissait l'image de la guitare baroque et de ses extravagances harmoniques, avec Roma '600, il fait revivre la musique de la Rome du XVIIe siècle avec des improvisations inspirées et imaginatives. La soprano Emoke Barath et le violoniste Enrico Onofri sont les artistes invités de marque d'I Bassifondi pour cette nouvelle aventure. (Electre)

Alessandro Stradella a connu une renommée précoce dans l'histoire de la musique grâce à la vie mouvementée qui marqua sa brève existence, mais aussi grâce à la réputation dont il a jouit en tant que compositeur d'opéras dès le XVIIIe siècle. Inaccessible aux chercheurs pendant de nombreuses années, La Doriclea est certainement le moins connu de ses opéras. Et pourtant, cette oeuvre représente un moment particulièrement important dans la production du musicien : composé à Rome dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, il s'agirait du premier opéra que l'on doit à Stradella. Du point de vue dramatique, La Doriclea épouse les canons de la commedia d'intrigo typique du théâtre espagnol du XVIIe siècle. Raffiné et amusant, l'opéra alterne lamenti émouvants et scènes irrésistiblement comiques, dans lesquelles le caractère de Giraldo, véritable précurseur de la basse bouffe, nous offre des atmosphères rossiniennes. Emöke Barath (Doriclea) et Xavier Sabata (Fidalbo), aux côtés de Giuseppina Bridelli (Lucinda), de Luca Cervoni (Celindo) et du couple comique Delfina (Gabriella Martellacci) et Giraldo (Riccardo Novaro), donnent vie à un jeu de rôle complexe et fascinant. (Electre)

Après avoir enregistré tous les Concertos brandebourgeois et les Suites pour orchestre, Zefiro s'associe au chanteur Dominik Wörner pour étudier les liens fascinants qui unissent la voix de basse et les instruments à anche dans les sonates sacrées de Johann Sebastian Bach. (Electre)

Dans le répertoire polyphonique italien de la Semaine Sainte de la première moitié du XVIème siècle, les deux livres de Lamentations et répons à quatre voix pour l'office des Ténèbres du Triduum pascal de Paolo Aretino (Paolo Antonio del Bivi, 1508-1584) se distinguèrent de manière particulière par leur organicité, leur exhaustivité et leur singularité. Parus respectivement en 1544 (Répons) et en 1549 (Lamentations), les deux volumes furent rééditées en 1563, ce qui est peu fréquent pour ce type de recueil. Maître de chapelle de la cathédrale et de Santa Maria della Pieve à Arezzo, considéré à son époque comme un emblème de la gloire de la ville, tout comme son concitoyen, l'écrivain Pietro Aretino, Paolo Aretino eut de fréquents contacts avec la cour florentine de Médicis; et c'est précisément la tradition florentine - comprenant l'utilisation régulière de la polyphonie pendant le Triduum - qui est à l'origine de certaines caractéristiques, telles que l'utilisation des voix égales mais surtout un style déclamatoire grave et solennel, étroitement lié à la structure du texte. Tout cela toutefois avec un haut degré de raffinement, et avec l'émergence de combinaisons de voix rarement présentes dans la musique italienne de lépoque, comme l'utilisation de deux ou trois voix de basses et dune basse profonde. Ce fut le cas, par exemple, dans les Lamentations du Samedi saint, que cet enregistrement présentent dans leur intégralité avec les répons correspondants.

Avec ce troisième opus du projet Stradella, Andrea De Carlo et l'ensemble Mare Nostrum poursuivent leur exploration de l'oratorio, suite à la récente redécouverte de San Giovanni Crisostomo. Figure historique du Xe siècle, Edith of Wilton était une religieuse anglaise de noble naissance, et la légende veut qu'elle refusa l'opportunité de monter sur le trône, causant l'aversion d'une faction des nobles. Le rôle-titre de l'oratorio de Stradella, Edith, est disputé entre différents caractères allégoriques : d'un côté Humiltà, qui la pousse à une vie monastique chaste, de l'autre les figures mondaines de Grandezza, Bellezza, Nobiltà et Senso, qui toutes l'invitent à devenir reine et à jouir des plaisirs de la vie. Retrouvez Francesca Aspromonte qui avait ébloui dans le rôle d'Eurydice lors de la résurrection de l'Orfeo de Luigi Rossi ! (Electre)

Scarlatti et la mandoline : ce disque propose un rapprochement captivant et inattendu entre l'un des plus importants compositeurs du baroque et un instrument originaire de Naples qui a connu un véritable âge d'or à Paris et dans les capitales européennes au XVIIIe siècle. Le protagoniste de cet enregistrement est l'ensemble Pizzicar Galante, fondé à Paris en 2012 par la mandoliniste Anna Schivazappa et le claveciniste Fabio Antonio Falcone. Spécialistes du répertoire italien pour mandoline et basse continue, les musiciens dévoilent une autre facette de ces perles du baroque italien, en s'appuyant sur une mystérieuse source manuscrite d'origine française qui porte l'indication "Sonatina per mandolino e cimbalo" au début de l'une des sonates de Scarlatti. Une musique pleine de contrastes, riche en passages virtuoses, en surprises, en effets, mais aussi pleine de tendresse, d'humour et d'une certaine mélancolie propre au compositeur napolitain. Une version fraîche et inédite qui, alternant le timbre de plusieurs instruments différents, permet de goûter le son charmant et cristallin d'une mandoline napolitaine du XVIIIe siècle : une rareté absolue qui rend cet enregistrement encore plus unique. (Electre)

Composé 25 ans après le célèbre chef-d'oeuvre de Pergolèse, de formation identique, le Stabat Mater de Nicola Logroscino (prononcer "Logròscino"), s'inscrit dans une longue lignée de compositions engendrées par l'cole Napolitaine sur le modèle d'Alessandro Scarlatti (1723). Bien qu'inspirée par d'illustres précédents, cette oeuvre s'en distingue par sa forte vocation théâtrale, due à la longue expérience de l'auteur dans le genre de l'opéra, surtout comique, dont il fut l'un des grands protagonistes jusqu'à la moitié du XVIIIè siècle. Son Stabat Mater consiste donc en un véritable concentré de style d'opéra, dans lequel des airs de grande ampleur s'alternent à de vifs duos, de cadence et d'origine presque populaire, et à des récitatifs secs et essentiels. (Electre)