Les entretiens de la revue Art press ont pour objectif d'offrir au lecteur une vision approfondie de la démarche d'un auteur ou d'un artiste. Louvrage reprend quatre dentre eux avec le cinéaste.

Ecrivain, traducteur, éditeur, fondateur de la collection Fiction & Cie, photographe, co-fondateur des Cahiers de la photographie, Denis Roche a été partie prenante dans tous les domaines qui ont été secoués par les avant-gardes des années 1970. La revue Tel Quel, qu'il publie et en tant que membre du comité de rédaction, son recueil de poésie le Mécrit suivi par un roman, Louve basse (1976), relèvent de cette «machinerie congestive» qui caractérise son activité créatrice. S'il figure au sommaire du n° 1 d'artpress, en décembre 1972, c'est parce que la rencontre entre la revue, qui accordait déjà une large place à la littérature, et le traducteur et poète d'alors s'inscrivait dans une commune vision de la littérature et de l'art. Par la suite, c'est de photographie qu'il est question dans les entretiens. Il s'y montre toujours véhément dans la défense de cette discipline et souligne sa parenté avec l'écriture.

Recueil d'entretiens de la revue Art press, dans lesquels le philosophe évoque ses combats et les différents domaines à travers lesquels se sont exprimés sa pensée et son engagement (journalisme, théâtre, roman, etc.). Electre 2014

Portrait de ce sculpteur américain, figure du minimalisme et célèbre pour ses sculptures monumentales en métal qui se fondent dans leur environnement offrant ainsi une nouvelle perception de l'espace. A l'occasion de Monumenta 2008, il réalisait notamment une oeuvre composée de cinq stèles de 17 mètres de hauteur et de 4 mètres de large pour la nef du Grand Palais à Paris. ©Electre 2019

Recueil d'entretiens de la revue Art press dans lesquels le philosophe évoque son parcours et ses engagements. Fidèle aux convictions politiques de sa jeunesse, connu pour ses lectures croisées de Marx et de Lacan, il a également écrit sur les avant-gardes littéraires, saint Paul ou Beckett. ©Electre 2016

Ce recueil de quatre entretiens, publiés dans la revue Art press, a pour objectif d'offrir au lecteur une vision approfondie de la démarche de l'auteure.

Ces entretiens avec G. Didi-Huberman réalisés en 1990, 1999, 2002 et 2010 permettent de saisir son travail comme historien de l'art, la réflexion qu'il mène sur les modèles théoriques qui ont façonné cette discipline au cours de l'histoire.

Michaël Borremans, Luc Tuymans et Jan Van Imschoot prolongent une route très belge, initiée par René Magritte et développée ensuite par Marcel Broodthaers, celle d'un scepticisme pictural et paradoxal: malgré le rétablissement de l'image et de la peinture par ces peintres belges après sa damnation dans les années 1970, l'image n'est pas là pour inspirer confiance. En complément de cet entretien inédit qui les réunit pour la première fois, ce volume contient des textes consacrés à Tuymans et Borremans publiés dans artpress, ainsi qu'un texte inédit sur Van Imschoot.

Dépassant les conflits postmodernes, la fin du 20e et le début du 21e siècle marquent l'épanouissement d'une architecture contemporaine dont les ambitions artistiques s'imposent au vedettariat et à la globalisation auxquels on la réduit parfois. Elle est bien sûr le fait de grands noms qui réalisent des projets à travers le monde, mais aussi de créateurs qui ouvrent de nouvelles perspectives. Réunis dans ce volume, les uns est les autres, privilégiant tantôt le concept, tantôt la forme, ne négligent jamais le contexte entendu comme un ensemble de données géographiques, humaines, économiques, politiques, artistiques ou fantasmées. Interviews de Patrick Bouchain, Coop Himmelb(l)au, Didier Fiuza Faustino, Frank Gehry, Rem Koolhaas, Lacaton & Vassal, Daniel Libeskind, Jean Nouvel, Rudy Ricciotti et Bernard Tschumi. Par Didier Arnaudet, Chantal Béret, Charles-Arthur Boyer, Christophe Catsaros, Marie-Hélène Fabre, Alice Laguarda, Christophe Le Gac, Catherine Millet et Jean-Philippe Peynot. Préface de Christophe Le Gac.

Les années 1980, auxquelles ce volume est consacré, furent un moment charnière de l'histoire de l'architecture. Face à la nécessité de dépasser le modèle devenu trop rigide du modernisme fonctionnaliste, les postmodernes esquissèrent des pistes contradictoires. Elles débouchèrent sur un conflit latent entre les partisans d'un nouvel historicisme, bientôt relégué au rang de pastiche, et ceux qui, brandissant leurs approches dissonantes et dynamiques, seront appelés déconstructivistes. Ce recueil de textes et d'entretiens fait ainsi apparaître les tensions idéologiques qui ont conditionné l'émergence des postmodernités architecturales. Textes et interviews de Ricardo Bofill, Peter Eisenman, Vittorio Gregotti, Arata Isozaki, Rem Koolhaas, Jean Nouvel, Dominique Perrault, Renzo Piano, Christian de Portzamparc, Richard Rogers, SITE, Bernard Tschumi. Par Chantal Béret, Sanda Miller et Catherine Millet. Préface de Christophe Catsaros.

Alain Fleischer est l'auteur d'une oeuvre abondante et multiforme de photographe, plasticien, cinéaste et écrivain. Couvrant plusieurs décennies et abordant des sujets aussi nombreux que diversifiés - le réel et son envers, le temps et le mouvement, l'amour et l'érotisme, l'utopie…-, les entretiens réunis dans ce volume soulignent combien Alain Fleischer est un artiste du projet : chez lui, les idées prédominent et trouvent à s'exprimer dans des techniques et des formes adaptées, qu'il s'agisse d'un film, d'une installation ou d'un livre. Ils montrent aussi comme en témoigne Le Fresnoy, école d'art conçue et dirigée par l'artiste, que son oeuvre de créateur est inséparable de celle d'un passeur.

Au début des années 1960, une génération d'artistes entend révolutionner la scène artistique, alors soumise à l'art minimal et conceptuel, jugé trop froid. Cela au profit de la performance qui est un dérivé de la danse et du théâtre, moins réglementée, moins mise en scène de façon autoritaire et préalablement réglée, laissant une large place à l'improvisation performance et en intégrant parfois le public. Tout dans la performance – image, texte, musique, voix, gestes – se produit en même temps, aboutissant à une sorte d'œuvre d'art totale dans laquelle le performeur utilise abondamment son propre corps, dans des actions qui peuvent parfois durer plusieurs heures. Ce volume recueille les entretiens avec les pionniers de ce nouvel art : Vito Acconci, Bruce Nauman, Allan Kaprow, Jean Dupuy, notamment, tous américains ou qui ont développé leur art aux États-Unis. Ils permettent de repenser et de replacer l'ensemble de cette pratique dans son contexte historique, de situer ses enjeux ou, simplement, de prendre connaissance d'œuvres d'artistes mus par un formidable élan créatif et une explosion de vie.

Épicentre de la contre-culture américaine, la côte Ouest des États-Unis s'est affirmée, dès les années 1960, comme un lieu propice à l'expérimentation riche et fertile de nombreux médiums. Tournant le dos à une mythologie de carton-pâte hollywoodienne, une scène multiforme, aux accents parfois violents, souvent sarcastiques et parodiques s'est développée dans le sillage de prestigieux instituts d'art, où l'on étudiait le cinéma expérimental et la performance. Toutes les composantes de l'art des années 1980 et 1990 sont représentées par les cinq artistes réunis dans ce volume : body art autodestructeur (Chris Burden), assemblage mêlant objets et peintures dans un joyeux désordre bariolé (Richard Jackson), performances irrévérencieuses et sculptures gonflables de corps humains grotesques et hyper sexualisés signifiant le côté sombre du rêve américain (Paul McCarthy), installations vidéo sonores nourries de psychanalyse (Mike Kelley), peintures volontairement plates, jouant avec les images et les mots dans une approche conceptuelle (Edward Ruscha). Cette multiplicité a contribué à la renommée internationale de la scène californienne et à l'imposer au même titre que sa rivale new-yorkaise.

Que furent les années 1980 à New York ? Elles sont les années de Jean-Michel Basquiat et de Keith Haring, elles ont vu émerger la culture du rap, désormais planétaire, les questions sociétales, avec l'épidémie de sida, et, surtout, en matière artistique, elles ont vu la peinture se renouveler entièrement, et pas seulement à New York, le développement de la performance et l'hybridation des disciplines artistiques. Ces entretiens, réalisés pour la plupart à la fin de cette riche décennie, lorsque ces artistes ont acquis leur pleine maturité, permettent de se rendre compte de ce qu'elles furent. Tous — Julian Schnabel, David Salle, Neil Jenney, Robert Longo, David Hammons, Eric Fischl, Felix Gonzalez-Torres, Matthew Barney et Richard Prince – sont des monstres sacrés dont les œuvres occupent encore le devant de la scène, près de trente ans après l'enregistrement de ces entretiens. Les lire, c'est non seulement se replonger dans ces années d'intense création, mais c'est aussi comprendre en quoi ces artistes nous permettent de comprendre l'art actuel.

Même si, aux yeux de la critique, le Nouveau Roman passe le plus souvent pour de l'histoire ancienne, il a néanmoins imposé une idée différente du roman qui s'est durablement diffusée et a essaimé dans les générations suivantes. Ni constitué en groupe organisé, ni ordonné en « école », il s'est attaché à « dénormaliser » la littérature – « On ne pouvait pas en rester au roman du 19e siècle » (Robert Pinget) ; « il fallait que les formes changent » (Nathalie Sarraute). Il a également exploré d'autres voies, connexes à l'écriture : le théâtre (Robert Pinget et Nathalie Sarraute), le cinéma (Alain Robbe-Grillet et Marguerite Duras), la photographie (Claude Simon), la musique (Claude Ollier). Cette réinvention du roman s'est nourrie de ces apports propres à chacun, ils en constituent la richesse, la diversité et la modernité.

Meredith Monk (1942) - metteur en scène, chorégraphe, compositrice, chanteuse, danseuse, comédienne, cinéaste - est une figure majeure de la scène américaine. Elle développe très jeune une qualité de voix exceptionnelle, qu'elle ne cesse d'approfondir, et explore les techniques musicales issues aussi bien de la musique indienne que médiévale ou d'Erik Satie. Elle débute sa carrière en 1964, dans un contexte artistique new-yorkais en pleine effervescence. En 1968, elle fonde sa compagnie, The House, puis, en 1978, le Meredith Monk & Vocal Ensemble. Ses spectacles déconstruisent les codes en vigueur de la danse, de l'opéra, du chant et du montage cinématographique ; son expression libre, affranchie de toute rhétorique formelle et spécifiquement féminine font de Meredith Monk une pionnière dans l'art de la performance et de la création d'avant-garde. Par Jacqueline Caux, Guy Scarpetta, Philippe du Vignal. Préface de Jacqueline Caux.

Héritiers de l'abstraction américaine des années d'après-guerre dont ils radicalisèrent les propositions formelles, mais attentifs aussi à l'avant-garde russe du début du 20è siècle, Carl Andre, Donald Judd, Sol LeWitt et Robert Morris, s'ils ne s'en tenaient pas à une stricte géométrie, proposaient néanmoins des formes simples, non expressives, impersonnelles. Leurs œuvres de très grands formats envahissent l'espace, plaçant le visiteur de l'exposition dans l'obligation de les parcourir physiquement. Certains s'attachèrent à mettre en évidence les qualités et les propriétés des matériaux – le feutre et l'acier – et le terme d'« objets spécifiques » fut créé pour désigner des œuvres qui n'appartenaient ni à la catégorie de la sculpture, ni à celle de la peinture. Dans tous les cas, c'est l'autonomie de l'œuvre qui est revendiquée.