L'Ensemble Moshtaq est né d'une rencontre humaine et d'une passion partagée pour la tradition musicale d'Iran.

L'ensemble instrumental Al-Kindi, fut fondé en 1983, par le musicien français Julien Jâlal Eddine Weiss, musicologue et virtuose du qanun, disparu prématurément en 2015. Avec ses compagnons de route Ziad Kadi Amin de Damas (ney, Elute en roseau), Mohamad Qadri Dalal d'Alep (Ud), et Adel Shams El Din d'Alexandrie (riqq, percussion à cymbalettes), ils ont fait de l'ensemble Al-Kindi l'un des meilleurs ensembles musicaux par la rigueur de son travail et l'excellence de son interprétation du répertoire classique arabe. Depuis plus de trente ans, l'ensemble Al-Kindi, n'a cessé d'explorer les richesses et l'universalité de la culture et de la musique classique arabe avec l'espoir d'exacerber l'idée positive de coexistence pacifique entre les peuples. A l'instar des ensembles de musique classique occidentale, l'ensemble Al-Kindi a suscité des rencontres, des collaborations avec les meilleurs chanteurs et musiciens de Syrie, d'Irak et de Turquie avec lesquels ils se sont produits sur les plus grandes scènes musicales du monde jusqu'au Carnegie Hall de NY, enchainant des tournées dans toute l'Europe, du Théâtre de la Ville à Paris, à l'Institut du Monde Arabe, au Festival des Musiques Sacrées de Fès, Festival de Baalbeck... La guerre en Syrie avec ses exils forcés, ses frontières fermées, et la disparition prématurée de Julien Weiss en janvier 2015 ont impacté fortement les activités de l'ensemble, mais le groupe s'est adapté aux changements de territoire pour certains, et l'arrivée de nouveaux musiciens, ainsi Khadija El-Afritt au qanun.

Jean-Baptiste Bonga est né à Croix-des-Missions, La Plaine, Haïti, d'une lignée ancrée dans la tradition vaudou. Dès son enfance, il assiste aux cérémonies dans le péristyle familial, puis il voyage à travers Haïti et se passionne pour les différentes formes de rituels... Ensuite il devient houngan, maître de cérémonie puis initiateur. Sa vie entière est dédiée à la richesse de la culture vaudou. Membre fondateur des groupes haïtiens emblématiques du mouvement racine, Boukman Eksperyans et Foulà, Jean-Baptiste Bonga s'est installé aux tats-Unis dans les années 90, alors que les musiciens américains relayaient la voix du peuple haïtien. Depuis lors Bonga a continué à jouer en solo ou en groupe dans de nombreuses salles à travers le monde. Il fut mis en vedette avec Peter Yarrow, Grace Jones, Dan Zanes et Urban Tap, pour n'en citer que quelques-uns.

"Le message de ma musique est ouvert. Quiconque peut se délecter de mes poésies à la gloire de Dieu et entrer dans cette phase spirituelle pour s'élever." Cette parole de Nusrat Fateh Ali Khan, éminent porte-voix d'une tradition pluri-séculaire, résonne désormais à la lecture du parcours de Fanna-Fi-Allah, un groupe californien créé en 2001 par Tahir Hussain Faridi, charismatique leader, qui a fait siennes les louanges adressées au prophète et à son gendre Ali, sans pour autant être tous musulmans. Ceux qui de prime abord ressemblent à de bons vieux hippies ont su se révéler être d'hétérodoxes orthodoxes et sont reconnus et adulés au Pakistan : ils y ont imposé un style, le leur, gorgé de ferveur. Ils ont aussi permis à Aminah Chishti, la joueuse de tablas disciple du vénérable Ustad Dildar Hussain Khan, d'y briser un tabou : elle fut la première femme à se produire dans les sanctuaires des grands saints soufis du Pakistan. Ce premier disque commercialisé en Europe, est produit par leur fan, Chris Martin de Coldplay, dans son studio de Malibu.

Entre Shadi, soliste du setâr formée à Téhéran par le grand maître de la musique classique persane Dariush Talaï, et Bijan, virtuose du zarb, du daf et autres percussions, s'est imposée l'idée d'allier les instruments à cordes frottées et à cordes pincées, ainsi que les percussions et les instruments à vent, en s'entourant d'invités. Au fil des titres surgissent ainsi habilement les notes de Redi Hasa au violoncelle, de Shervin Mohajer au kamantcheh iranien (instrument à cordes frottées de la famille de la vielle) et de Sylvain Barou aux flûtes (doudouk, bansurî, etc.). Comme une ponctuation onirique et irradiante, cinq morceaux donnent aussi à entendre des poésies de Khayyâm, Mowlana Rûmi et d'auteurs persans contemporains, portées par la voix de Shadi. Dans une actualité dramatique, après deux années durant lesquelles la culture s'est tue, ?ât résonne comme une renaissance foisonnante où s'entremêlent la douceur des mélodies et la puissance de l'interprétation.

Meïkhâneh affirme les influences persanes, mongoles et européennes de sa musique, au croisement d'une world music et d'un folk imaginaires. Le trio explore l'intériorité et l'extériorité, le cocon et le vaste monde, ce qui se ressent et ce qui se dit. Un appel à l'espace, au voyage, à la nature... Cet album propose 13 chansons à la fois lumineuses et intimistes, terriennes et vibrantes. Chantés en mongol, persan, portugais, grec, français et langue imaginaire, les Chants du dedans, Chants du dehors livrent des mélodies limpides, profondes, des rythmes dansants, dans un écrin de cordes pincées, frottées, entre terre et ciel.

Dix ans après le début de leur coopération pour leur premier album, wasla (2015), tarek abdallah et adel shams el din ont travaillé en complète harmonie pour bâtir ce nouvel opus. Leurs compositions se succèdent sur le modèle de la suite musicale proche-orientale, wasla, qui enchaîne sur un même mode, maqâm, plusieurs formes chantées et instrumentales de cycles différents. Tout en gardant l'improvisation modale comme élément central (taqsîm mursal, non mesuré, et taqsîm muwaqqa', mesuré), ils ont utilisé des cycles rythmiques traditionnels, dont certains étaient abandonnés, mais ils en ont aussi inventé de nouveaux. Cet album se compose de cinq suites instrumentales basées sur cinq modesmaqâm différents : nahâwand, higâzkâr, râst, bayyâtî et sîkâh. Cette dernière, la plus courte, ne contient qu'une seule oeuvre vocale. En arabe, le mot usûl, pluriel de asl, signifie : 'origine, racine, fondement, principe ou encore matrice'.

Le Japon, bien qu'ayant une image futuriste pour bon nombre d'occidentaux, est un pays profondément ancré dans la tradition. Il y a des centaines de cérémonies et rituels, certains fêtent une récolte, d'autres le changement des saisons. Chacune des 47 préfectures japonaises organise ses propres festivals (matsuri), généralement pendant l'été. La musique et la danse font partie intégrante des festivités. La plus grande fête de toutes est peut-être le Shôgatsu, le nouvel an japonais. Contrairement à une grande partie de l'Asie de l'est, les japonais célèbrent le nouvel an le 1er janvier, depuis 1873. Cet album réinvente une version instrumentale des célébrations d'il y a plusieurs siècles. L'instrument principal est le shamisen, un luth à trois cordes accompagné de flûtes traditionnelles (shinobue et nohkan) et divers instruments de percussion japonais

Voici le troisième opus d'Ann O'Aro qui joue ici du piano pour accompagner son chant. Le maloya de l'île de la Réunion respire toujours hors des sentiers battus avec l'arrivée de Brice Nauroy, un quatrième musicien qui embarque le son avec ses « machines ». Pour Ann O'Aro : « le quartet esquisse des ports, sacs de riz sur les ponts, cancrelats et corsaires pris dans des estampes où le sang est laissé à sa seule qualité de fluide. Ostinato et bourdons, sous le chant perçant la brume et les ressacs d'une mer fielleuse, relents pianistiques couleur boîte à musique, trombone stridulant, éclats de tôle et cris du fer bouillant le long du staccato continu du pikér, commérages de bord de nuit et temps de latence, harmonie révocable et restituée. Paysages grignotés par la fièvre du néant, nostalgie de l'enfance bleue arguant le branchage sec des arbres de la terreur dans la ouate blanche. ».

Des guitares fuzz, cuivres et percussions hallucinantes résulte un mélange explosif au son électrique psychédélique. Le groupe donne à sa musique une appellation : afro-mandingo, tendance afro-jazz latin, brassant les cultures modernes et plus anciennes. Après un énorme succès au Sénégal et en Gambie Dieuf-Dieul de Thiès se sépare soudainement après 4 ans d'existence, en 1983. Reformé en 2015, le groupe réalise ses 2 premières tournées européennes en 2017. Aujourd'hui l'histoire continue avec la sortie d'un premier album studio.

Batsukh Dorj est né en 1990 sur la commune de Tsengel, dernier village à l'ouest de la Mongolie, dans la province de Bayan-?gii. Ce remarquable musicien maîtrise à merveille les différents styles diphoniques typiques des Touvas : khoomii (chant diphonique pressé), sygyt (chant diphonique sifflé), kargyraa (chant diphonique profond), ezenggileer (lit. étriers), et borbangnadyr (lit. roulant). Artiste rare et entier, car luthier, il apporte une contribution majeure à la tradition. Il nous chante sa culture nomade à travers montagnes et voyages, en imitant notamment les rythmes des chevaux et l'écoulement de leau.