Célèbre pour avoir été le pygmalion de Marlène Dietrich, Josef von Sternberg reste aujourd'hui encore un artiste énigmatique méconnu du grand public. Sur près de vingt-sept longs-métrages tournés entre 1925 et 1953, le réalisateur s'est essayé à tous les genres, passant des films de gangsters aux intrigues d'espionnage, des récits historiques aux films noirs et des mélodrames aux aventures exotiques. Cette dernière catégorie, particulièrement fournie, compte cinq films : Morocco en 1930, Shanghai Express en 1932, The Shanghai Gesture en 1941, Macao en 1952 et The Saga of Anatahan en 1953. Témoins d'une époque coloniale, ces œuvres jalonnent la production du cinéaste et attestent d'un désir sans limite de leur auteur pour le dépaysement. Dans l'univers sternbergien, les aventuriers, les escrocs, les militaires, les joueurs et les belles de nuit se côtoient dans une danse nocturne perpétuelle dans des contrées éloignées qui offrent des refuges rêvés pour des protagonistes au passé douteux. Le jour et la nuit se confondent, les repères temporels s'estompent, les individus se croisent, se déchirent et se séparent. Le réalisateur dépeint les errances de personnages déracinés qui semblent arrivés au bout du monde… en réalité dans les studios d'Hollywood où tout n'est qu'apparence. Mais cet orient de pacotille n'est pas aussi manichéen qu'il y paraît et ces visions exotiques sont une porte d'entrée pour comprendre l'ensemble de l'œuvre de Josef von Sternberg. Docteur en esthétique, sciences et technologie des arts, Stéphane Benaïm a soutenu une thèse sur l'univers oriental dans l'œuvre cinématographique de Josef von Sternberg. Il a enseigné durant quinze ans la théorie et l'histoire du cinéma à l'université de Paris 8 Vincennes – Saint-Denis et a également collaboré à plusieurs revues spécialisées, dont L'Écran Fantastique.

Connu surtout pour ses westerns à l'italienne baroques, drôles et violents, Navajo Joe, Django, El Mercenario, Le Grand Silence ou Compañeros, Sergio Corbucci est aussi un réalisateur dont l'ample filmographie comporte plus de soixante longs-métrages. Du néoréalisme de l'après-guerre aux mélodrames des années cinquante, de l'âge d'or du cinéma de genre (western, gothique, peplum) aux grandes heures de la comédie (son genre de prédilection) jusqu'aux années difficiles, soixante-dix et quatre-vingt, il traverse quatre décennies de cinéma italien, en épousant tous les mouvements, parfois précurseur, toujours animé par la passion de filmer. Romain jusqu'au bout des ongles, personnalité attachante, « l'autre Sergio » a peu suscité l'intérêt de la critique. Cet ouvrage est le premier à parcourir l'ensemble de sa carrière, une œuvre riche et excitante à découvrir sous toutes ses facettes. Cinéphile viscéral ayant sévi sur les ondes et divers sites (Kinok, Zoom Arrière, les Fiches du Cinéma), Vincent Jourdan est l'auteur du blog Inisfree (http://inisfree.hautetfort.com/) où il partage depuis 2004 ses goûts éclectiques, embrassant d'un large et généreux mouvement John Ford et Sergio Corbucci, l'Afrique et l'Asie, le cinémascope et le Super 8. Président de l'association Regard Indépendant, Vincent anime depuis 1999 les Rencontres cinéma et vidéo à Nice autour du cinéma qui fait un pas de côté. Voyage dans le cinéma de Sergio Corbucci est son premier ouvrage. Sergio Sollima, le cinéma au couteau, son second livre, paraîtra courant 2023.

Sur Sacha Guitry Don Juan ou Arnolphe ? Talleyrand ou M. Prudhomme ? Le plus grand cinéaste du monde ? Suivi de Harry Baur/Sacha Guitry ou la croisée des destins Quel jeu mortel a joué Harry Baur ? Harry Baur dénoncé et martyrisé comme juif (ce qu il paraissait être mais n était pas), résistant pour certains, collaborateur pour d autres. Les mystères demeurent depuis 1943. Claude Gauteur a réuni et présenté avec André Bernard Le Cinéma et moi de Sacha Guitry, préface de François Truffaut (éditions Ramsay, 1977 et 1984 ; Ramsay Poche Cinéma 1990). Il a présenté Sacha Guitry Cinéma, tous les scénarios spécialement écrits pour le cinéma par Sacha Guitry, de Bonne chance à Si versailles m était conté& (Omnibus, 2007).

Dans toute son œuvre Fellini élabore un jeu de miroirs complexe à la fois pour comprendre comment se construit la réalité de l'homme et pour réfléchir sur le processus créatif, et il ne cesse de répéter que le cinéma est un art de la mémoire. Une mémoire personnelle, souvent mêlée à un sentiment nostalgique, où s'établit un rapport particulier entre souvenirs réels et souvenirs inventés et où est questionnée la problématique de la représentation de la réalité, réalité qui semble impossible à dire et qui doit être recréée par l'imaginaire. Une mémoire aussi qui raconte l'histoire de l'Italie, de l'être humain, du cinéma et qui critique la société moderne, où l'empreinte nostalgique devient de plus en plus forte et où la prise de conscience qu'il n'y a pas de retour possible se fait plus vive. La nostalgie prend alors une dimension plus universelle, où la question du temps devient primordiale et où le mouvement entre les différents temps passé, présent et futur accompagne et renforce le mouvement entre réalité et imaginaire. Cette étude tente d'analyser ces nostalgies et leurs représentations dans l'univers complexe du réalisateur. Véronique Van Geluwe est née au Maroc et a vécu une vingtaine d'années en Italie où elle a travaillé dans le conseil en entreprise. Passionnée de cinéma, elle a collaboré durant une dizaine d'années au Festival du cinéma africain, d'Asie et d'Amérique latine de Milan et est également traductrice-adaptatrice cinématographique et professeur d'italien. Elle vit actuellement à Aix-en-Provence où elle a effectué un Master recherche en cinéma-audiovisuel.

Inspiré par le cinéma américain de son adolescence tout autant que par le classicisme de Ford ou d'Eastwood, Jeff Nichols, entre productions indépendantes et collaboration avec les studios, mais toujours entouré par la même fidèle équipe de collaborateurs ainsi que par Michael Shannon, son comédien fétiche, s'est imposé en cinq films comme l'un des cinéastes américains les plus importants de sa génération. Immense conteur et cinéaste de l'empathie, Nichols filme l'Homme du Sud en proie aux crises économiques, écologiques ou identitaires et aux peurs diffuses qu'elles engendrent, privilégiant le quotidien, l'infime et l'intime, pour atteindre à l'universel et faire naître et partager avec le plus grand nombre l'émotion et la croyance toujours renouvelée dans les forces du cinéma. Jérôme d'Estais a précédemment publié trois essais aux éditions LettMotif : Jean Eustache ou la traversée des apparences, Andrzej Zulawski, sur le fil et Barbet Schroeder, ombres et clarté. Il a aussi collaboré à l'ouvrage sur Hal Hartley et écrit deux romans, 178 et Thomas Liebmann, les derniers jours du Yul Brynner de la RDA, paru chez LettMotif en septembre. Il est par ailleurs le correspondant en Allemagne de La Septième Obsession et collabore aux revues Mondes du Cinéma et Ciné-Bazar.

Le présent dictionnaire explore l'œuvre du réalisateur-philosophe Terrence Malick à travers la présentation et l'analyse de l'ensemble de ses œuvres, ses thèmes de prédilection, ses collaborateurs (acteurs, directeurs de la photographie, compositeurs, monteurs, producteurs), ainsi que les artistes et auteurs qui constituent pour lui une source majeure d'inspiration. Il vise à éclairer sous toutes ses facettes le questionnement mené par Malick depuis le début de son œuvre sur la place de l'homme dans l'univers, les liens entre nature et culture, ainsi que l'amour sous toutes ses formes. Docteur en études cinématographiques, spécialiste du cinéma américain, Damien Ziegler poursuit une œuvre d'essayiste consacrée plus particulièrement au thème de la représentation du paysage dans l'art. Ce Dictionnaire Terrence Malick est son troisième ouvrage, après La Nuit du chasseur, une esthétique cinématographique, et La Représentation du paysage au cinéma. Il collabore habituellement aux revues Cinémaction et Éclipses.

La pin-up est partout. Avant même qu'on invente le mot pour désigner les jolies filles qui ornaient les chambres des soldats de la Seconde Guerre mondiale, elle s'imposait dans la culture populaire. Des Gibson Girls à Katy Perry en passant par Marilyn Monroe, elle est toujours présente ! Mais la pin-up est bien plus qu'une femme-objet. Cet ouvrage a l'intention d'aller voir derrière le poster et le fantasme, et d'explorer ce qui, dans cette figure glamour, révèle les tensions entre les genres. On se propose ici d'examiner sous toutes les coutures, dans une perspective culturaliste, cette figure incontournable, de la considérer comme un outil d'analyse des relations de genre, apte à détecter les mécanismes, parfois subtilement dissimulés, de la domination masculine. Pour comprendre la pin-up, et ce qui en elle traverse les époques, on s'appuiera sur une période clé, à la fois pour l'histoire du cinéma et pour la représentation des femmes : le cinéma des années 1930 aux États-Unis et en particulier la période dite du “pré-Code hollywoodien”, ces quelques années qui précèdent l'application stricte du Code Hays, entre 1930 et 1934, souvent présentées comme une parenthèse enchantée. En analysant plusieurs archétypes de pin-up, de Betty Boop à Jane Parker en passant notamment par les actrices Jean Harlow ou Mae West, l'ambition de cet ouvrage est de déconstruire le fantasme de la pin-up comme femme-objet mais aussi de nuancer la vision d'un pré-Code où tout serait permis. Spécialiste du pré-Code, des représentations de genre et du cinéma de genre, Mélanie Boissonneau est docteure en études cinématographiques et audiovisuelles et enseignante-chercheuse. Membre de l'IRCAV (Institut de Recherche sur le cinéma et l'audiovisuel), elle a publié en 2010 chez Armand Colin Les Pin-up au cinéma, co-écrit avec Laurent Jullier, co-dirigé l'ouvrage collectif Tim Burton, horreurs enfantines paru chez L'Harmattan en 2016.

Qui ne connait pas Casablanca ? La célèbre formule “Play it again Sam” lancée au pianiste du Rick's Café, les adieux déchirants du couple mythique Ingrid Bergman-Humphrey Bogart sur le tarmac embrumé, la musique “As Time Goes By” qui résonne encore dans toutes les mémoires, le film est devenu avec le temps un véritable objet de culte. Casablanca, l'aventure du film nous prouve pourtant que le chef d'œuvre de Michael Curtiz n'a pas encore révélé tous ses secrets. En effet, Tito Topin nous propose une approche inédite du film, en revenant à la source même de ceux qui ont participé à sa conception et à sa réalisation. Le livre met à jour le cosmopolitisme des protagonistes de l'aventure Casablanca, qu'ils soient devant ou derrière la caméra : le caractère antinazi du film se traduit plus encore dans cette longue liste, dans ces personnages réels qui, pour certains, avaient fui les régimes de Franco, Salazar, Mussolini, Hitler ou Staline en quête de liberté. Une vraie galaxie universaliste d'émigrés à l'assaut des dictatures nationalistes qui, pour faire le film, a bravé les règles de neutralité voulue par le président Roosevelt. Stars ou inconnus, Casablanca, l'aventure du film leur rend hommage et retrace la grande aventure de leurs parcours. Mais ce n'est pas tout, Casablanca a encore à nous dire sur son histoire et sur l'Histoire. Dans ce livre, Tito Topin nous raconte également les dessous historiques et les hasards qui ont fait du film un succès mondial : qui aurait pu prévoir que le nom de Casablanca serait à la une des journaux parce qu'une armada américaine débarquerait dans cette ville en novembre 1942, quelques jours avant la projection du film à Los Angeles ? Qu'il serait sur toutes les lèvres parce que Roosevelt, Churchill et De Gaulle allaient choisir de s'y réunir lors de la conférence d'Anfa en janvier 1943, au moment de sa sortie nationale ?

Hollywood a toujours accordé une place importante à la production de films historiques. D'Autant en emporte le vent de Victor Fleming à Ben-Hur de William Wyler, ces œuvres ont marqué durablement l'imaginaire des spectateurs. Toutefois, progressivement, le film historique hollywoodien a pris un nouveau tournant, en même temps que les Cultural Studies s'imposaient dans les universités. Dorénavant, l'ambition de l'œuvre historique serait de réparer une vision falsifiée du passé car entièrement centrée sur celle du groupe dominant (blanc, masculin, hétérosexuel…). Une proposition intéressante mais ces films historiques du XXIe siècle, estampillés Cultural Studies et dérivés, ne seraient-ils pas au final aussi caricaturaux et faussés que ceux du siècle précédent? Plus grave, ils pourraient très bien symboliser les dérives communautaires qui gangrènent actuellement la société américaine… L'auteur a effectué de nombreuses interviews de réalisateurs (José Padilha, David Mackenzie, Andrew Dominik, John Sayles), scénaristes (Lee Hall, Jeffrey Caine) et producteur (T.G. Herrington) pour enrichir son travail d'analyse des films historiques hollywoodiens contemporains. Docteur en études cinématographiques et diplômé de l'Institut français de presse de Paris, David Da Silva est historien du cinéma et enseignant. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages sur le cinéma américain dont Le Populisme américain au cinéma de D.W. Griffith à Clint Eastwood (LettMotif, 2015). Il a également collaboré à diverses publications internationales.

Le cinéma est politique (Christophe Triollet) // Le contrôle du cinéma organisé par L'Etat français (Christophe Triollet) // Montrer la censure (Franck Lubet) // Pouvoir de l'image, image du pouvoir (Eric Peretti) // La Première Guerre mondiale sous les feux de la censure cinématographique (Albert Montagne) // Le contrôle politique du cinéma (Christophe Triollet) // Godard et la censure (Anabel Dutrop) // L'après 1962, 10 d évocation de la guerre d'Algérie, du petit au grand écran (Laurent Garreau) // La Vie est un choix, note de lecture (Sébastien Lecocq) // L'Ordre et la morale (Christophe Triollet) // Dieu, les hommes et le cinéma (Christophe Triollet) // La Religieuse de Rivette (Laurent Garreau) // Mises en scène sacrilèges au cinéma et leurs scandales et censures (Albert Montagne) // Mais ne nous délivrez pas du mal, teenage lust (Alan Deprez) // Censures cinématographiques au pays des chats persans (Albert Montagne) // Dictature, économie et cinéma chinois, une censure pas comme les autres (Jean-Baptiste Guégan) // Raspoutine, la princesse et la MGM ou comment Irving Thalberg fit perdre un million de dollars à Louis B. Mayer (Chloé Delaporte) // Pré-code : le miroir aux alouettes. Faux-semblants et idées reçues sur le cinéma hollywoodien des années 1930-1934 (Benjamin Campion) // Censorship in America (Christophe Triollet) // La télévision américaine sous surveillance (Benjamin Campion) // Brèves censoriales, politique et religion

Après le tome 1 qui prévoyait l'émergence d'un cinéma trumpien, David Da Silva a fait un bilan des œuvres qui ont accompagné le mandat de Donald Trump à la Maison-Blanche. Ainsi, l'objectif de cette étude est de proposer un corpus emblématique de toutes les thématiques trumpiennes visibles à l'écran. Plusieurs chapitres analysent les grandes figures proposées par le cinéma trumpien grâce à différentes parties comme l'entrepreneur ambitieux, le travailleur américain ou le Mexique. Ensuite, l'auteur s'attarde sur les nombreux films qui ont proposé un message clairement aux antipodes de ceux véhiculés par les discours du quarante-cinquième président du pays. Spécialiste du populisme américain, David Da Silva examine les fractures de la société américaine au travers des films proposés par Hollywood depuis l'élection de Donald Trump en 2016. Docteur en études cinématographiques et diplômé de l'Institut français de presse de Paris, David Da Silva est historien du cinéma et enseignant. Il est l'auteur de plusieurs livres sur le cinéma américain publiés aux éditions LettMotif. Ses ouvrages sont désormais traduits et publiés à l'étranger (Espagne ou Russie) et il participe régulièrement à des publications aux États-Unis (éditions Rowman & Littlefield et ABC-Clio).

Danielle Bleitrach, sociologue, universitaire spécialiste de la mondialisation et du développement, auteur de nombreux ouvrages sur le mouvement ouvrier, l Amérique latine et plus récemment sur l espace postsoviétique, a voulu interroger deux antinazis. Il s agit de deux références dans leur domaine, Brecht et Lang, dont la rencontre a lieu à Berlin L Opéra de quat sous, M le Maudit puis l exil, là ils retrouvent un autre grand, Hanns Eisler, le musicien, le communiste, et ils font un film sur l assassinat d Heydrich, le bourreau de Prague : Les Bourreaux meurent aussi. Heydrich est le bourreau des juifs, l organisateur de la solution finale, question juive à laquelle il ne sera pratiquement pas fait allusion dans le film. Pourquoi ce silence, pourquoi le choix de la fiction, l histoire d un mensonge collectif de la population pragoise ? Mais surtout en quoi, aujourd hui, le vaccin antifasciste a-t-il désormais perdu son efficacité, laissant chacun impuissant devant le retour des périls ? Ce livre porte aussi la marque de conversations menées avec Richard Gerhke, architecte, autour de l Allemagne de Weimar, la relation entre l architecture et le cinéma, arts de masse, industrie, création et propagande, celle de la mise en scène nazie et ses décors.