S'il est un pays qui concentre dans son cinéma tous les excès et les contradictions de la société, l'Italie peut sans doute être celui-ci. La richesse de sa culture et les méandres de son histoire ont en effet toujours inspiré les intellectuels italiens parmi lesquels de nombreux cinéastes talentueux avides de montrer sur grand écran, dans les cris de joie ou de colère, le sentiment et les frustrations du peuple face aux puissants. […] Placés au cœur des intrigues, de la comédie populaire au giallo, la politique, la violence, le sexe et la religion ont donc naturellement polarisé l'attention des pouvoirs publics depuis les tout premiers jours du cinématographe. » Christophe Triollet Pour le huitième volume de sa collection Darkness, censure et cinéma, Christophe Triollet a fait appel à dix enseignants et chercheurs en cinéma pour évoquer différents aspects d'un cinéma italien viscéralement en marge. Un ouvrage de passionnés érudits qui revient au fil des articles sur la fantaisie baroque de Fellini, l'entreprise de destruction de Pasolini, la farce (ou force) caustique de Marco Ferreri, les films de cannibales de Ruggero Deodato et d'Umberto Lenzi, le réalisme documentaire de Gomorra. Dans sa volonté d'ouverture et de diversité, Darkness, censure et cinéma en Italie propose également un éclairage original sur deux réalisateurs connus pour leurs films gore, Lucio Fulci, anticlérical dans ses comédies, et Joe d'Amato, pornographe de l'extrême. Et d'évoquer la filmographie de Silvano Agosti, cinéaste révolté qui, face à la censure, a choisi la voie de la radicalisation et de la clandestinité. Darkness, censure et cinéma en Italie restitue toute le mordant, la folie, la créativité d'un cinéma italien qui aime jouer avec les interdits.

Avec les années 60, le cinéma français entre pleinement dans la modernité. À bout de souffle de Jean-Luc Godard et la Nouvelle Vague dans son ensemble sont passés par là, ouvrant la voie vers des approches inédites et personnelles de concevoir le 7e art. Avec le cinéma “en-chanté” de Jacques Demy, la singularité, déjà, d'Alain Cavalier, celle de Georges Franju, et le travail d'expérimentation que poursuit Alain Resnais avec L'Année dernière à Marienbad et Muriel, la formule “cinéma d'auteur” prend plus que jamais tout son sens. Mais cela serait vite oublier, si ce n'est l'essentiel, tout un pan de notre cinéma. Fidèle à sa tradition, la France confirme dans la décennie 60 la vitalité d'un cinéma classique et populaire de qualité : Gérard Oury triomphe avec Le Corniaud et La Grande Vadrouille, Henri Verneuil fait dans le grand spectacle avec Week-end à Zuydcoote et Le Clan des Siciliens, Philippe de Broca immortalise Jean-Paul Belmondo en aventurier charmeur dans L'Homme de Rio. Et puis, il y a Le Trou, le dernier chef-d'œuvre de Jacques Becker, le retour de Buñuel en France pour Le Journal d'une femme de chambre et Belle de jour, Jean-Pierre Melville à son meilleur… Toute la richesse des années 60 est bel et bien là, dans la coexistence de tous ces cinémas, du plus exigeant au plus populaire. Qui plus est, dans une période en pleine effervescence, coincée entre la fin de la guerre d'Algérie et la déflagration de Mai 68, le cinéma français, plus que jamais, va se faire le témoin de l'évolution des mœurs et des problématiques politiques de l'époque, quitte à prendre position et à s'engager. 215 photos NB et couleur

Lost in Translation, en 2003, a confirmé les talents de cinéaste de Sofia Coppola, bien au-delà de son statut de “fille de”. Ses intuitions esthétiques se doublent d'un sens de la direction plus affirmé, en témoignent les performances inspirées de Bill Murray et d'une jeune Scarlett Johansson. Plusieurs décennies après la sortie du film, celui-ci n'a rien perdu de sa force d'attraction, de sa désarmante sincérité et de sa subtile puissance. Bob et Charlotte sont devenus un couple de cinéma culte, cher aux yeux et aux coeurs des spectateurs. En se basant sur un scénario original fait d'émotions diffuses, nourri par son expérience personnelle, Coppola filme la rencontre imprévisible mais salvatrice de deux égarés, dans un Japon à la fois accueillant et intimidant. Et fait entendre la petite musique mélancolique qui accompagne ce couple de solitaires dans leur éphémère échappée. Ce livre revient sur le processus à l'origine du film, ses thématiques ou encore son rapport à la culture japonaise et à la topographie tokyoïte. Il propose également un entretien avec le responsable de l'incontournable bande originale du film, Brian Reitzell. ///// 40 photogrammes du film en couleur ///// Antoine Oury, journaliste, s'intéresse à la fois aux œuvres, aux artistes et aux industries culturelles, dans le cadre de son métier comme dans ses écrits personnels.

Cette étude s'interroge sur la façon dont l'oeuvre de E. Scola met en scène les évolutions politiques, sociales et culturelles de l'Italie du XXe siècle : le fascisme, le miracle économique (1950-1970), mais aussi le regard porté sur l'histoire du cinéma italien par le biais d'un aller-retour entre grandeur passée et décadence. ©Electre 2024

L'auteur analyse la représentation des Noirs et son évolution dans l'imaginaire cinématographique français puis évoque les grands rôles tenus par des acteurs noirs ou métisses depuis les années 1910. Un chapitre est consacré aux facteurs qui ont favorisé l'émergence d'un cinéma identitaire en France depuis les années 1980. ©Electre 2020

Qu est-ce qu un directeur de salles de cinéma ? Un homme qui peut diriger jusqu à 50 ou 60 personnes, dans un lieu ouvert jusqu à quatorze heures par jour, sept jours sur sept ; dans les grandes villes, la faim de cinéma doit pouvoir s assouvir presque à toute heure ! Situé au bout du sinueux parcours qui relie le scénariste d un film au spectateur qui le découvre sur grand écran, le directeur de salles accomplit un travail protéiforme, qui va de la surveillance des toilettes de son établissement à l accueil d un réalisateur en tournée de promotion, qui surfe entre l établissement des plannings des agents d accueil, le contrôle du moelleux du pop-corn vendu, les relations avec les médias locaux et, parfois, la mauvaise humeur des clients ! Cet ouvrage, organisé sous forme d abécédaire abordant les multiples facettes de ce métier fort peu connu du grand public, a été écrit par un homme qui, pendant 35 ans, a été aux commandes de salles art et essai, mais aussi de salles grand public , a connu de grands groupes intégrés (Pathé, UGC) aussi bien que des salles dites indépendantes ou associatives, un homme qui a bourlingué de Tarbes à Rouen en passant par Bordeaux, Paris et Tours& Un homme qui n aurait lâché ce métier pour rien au monde. Christian Séveillac, né en 1946, a fait pendant 35 ans une carrière de directeur de salles, a diffusé des films allant du cinéma tiers-mondiste militant jusqu à Harry Potter& Une carrière marquée par la passion du cinéma et par l éclectisme. Il travaille actuellement sur des documentaires TV touchant à l une de ses autres passions : l aviation.

La pensée populiste est apparue dès la guerre d indépendance des colons britanniques d Amérique du Nord contre la Grande-Bretagne de 1775 à 1783. Malgré tout, le populisme américain a surtout connu son heure de gloire avec The People s Party en 1892. De fait, ce parti populiste a cristallisé la colère des fermiers américains (dont des Afro-Américains) très endettés de la fin du XIXe siècle. Ce mouvement agraire était très attaché aux idéaux pionniers et se méfiait du développement économique et du salariat (qu il jugeait incompatible avec la liberté et la démocratie). Les Populistes défendaient l égalité des chances, une libre entreprise tempérée par le Common Sense (le bon sens) et un pouvoir détenu par des hommes vertueux. Les ennemis des populistes sont souvent de puissants banquiers, des hommes politiques corrompus ou encore de grands industriels qui oppriment le peuple . Ce livre analyse comment les productions cinématographiques américaines ont souvent mis en avant cette idéologie populiste depuis les premiers films de David Wark Griffith (Les Spéculateurs) jusqu à ceux de Clint Eastwood (Bronco Billy), en passant par des réalisateurs mythiques comme John Ford (Les Raisins de la colère) ou Frank Capra (Monsieur Smith au Sénat). ////// Diplômé de l Institut français de presse de Paris, David Da Silva est journaliste et enseignant. Il est l auteur d un premier livre intitulé Sylvester Stallone, héros de la classe ouvrière et a notamment collaboré à la revue Cinémaction. Il prépare actuellement une thèse sur le populisme américain.

Thèse de doctorat en études cinématographiques et audiovisuelles Université de Caen Basse Normandie Thèse dirigée par Vincent Amiel Ce travail de recherche étudie le style cinématographique néoclassique. Le terme néoclassique est souvent utilisé pour appuyer une politique des auteurs sur un style et un passé connu et reconnu (le classicisme). Toutefois les cinéastes néoclassiques ne cessent de remettre en question le cinéma classique hollywoodien, de le distancier. C'est pour cela que le cinéma néoclassique intègre d'autres formes cinématographiques comme le maniérisme, le baroque, la modernité, etc. qui ont émergé depuis le classicisme. Le style ne distancie pas seulement le squelette diégètique ou encore l'esthétique du cinéma classique, mais également certains de ses thèmes de prédilection comme le corps. Le corps est une entité considérée dans son ensemble, dans son unité sous le rapport de sa conformation. Le but de ma recherche sera d'englober les différents “corps” thématiques mis en place par le néoclassicisme au cinéma afin de les appréhender et de les comprendre dans leurs figures esthétiques. Car bien que le corps humain représente, pour les réalisateurs comme pour les films, une forme de centre névralgique de la fiction, c'est en le confrontant avec d'autres formes corporelles que ceux-ci parviennent à le (re)définir. Ils donnent ainsi une étude contemporaine du corps humain mais aussi de la figure héroïque. Ils questionnent l'identité dans le monde contemporain, dans le flux des réseaux de communications et tentent ainsi de dessiner l'humain de la génération contemporaine. Ils confrontent le corps classique (celui du cinéma et de la société) au corps moderne confronté aux nouvelles technologies et à la perte des repères. Le cinéma néoclassique dresse, dans sa narration et son esthétisme, le canevas d'un corps contemporain et sa quête d'identité.

Scénario complet et dialogues du film. Introduction et interview de Jean-Pierre Jeunet

Réalisateur célébré ou décrié, Andrzej Zulawski n'a jamais laissé personne indifférent. Alors qu'il revient aujourd'hui au cinéma, après quinze années loin des plateaux, il est enfin temps de s'intéresser à un cinéaste qui, à l'instar de certains de ses compatriotes, comme Polanski ou Skolimowski, n'a pas fini de chercher, d'expérimenter. D'étonner. Temps de se pencher sur une œuvre forte, dérangeante, excessive. Immédiatement reconnaissable. Sur treize films, traversés par des thèmes récurrents, des obsessions communes. La vision d'un cinéaste intransigeant qui, en convoquant tous les arts, tous les sens, tente de s'approcher au plus près du mystère. De la vérité. Jérôme d'Estais est né à Paris et vit désormais à Berlin où il a successivement traduit des scénarios, produit des émissions culturelles et enseigné le cinéma et la littérature française. 178, son premier roman, est sorti l'année dernière et Jean Eustache ou la traversée des apparences est paru en février aux éditions LettMotif. Il a aussi collaboré à l'ouvrage sur Hal Hartley qui sortira en 2016.

La boxe a toujours fasciné le cinéma car, depuis Thomas Edison, c'est le sport le plus représenté par le septième art. L'objectif de cet ouvrage est donc de faire un bilan de la représentation du noble art à travers les différentes périodes de l'histoire des États-Unis. En effet, le film de boxe s'est appuyé sur plusieurs genres cinématographiques pour décrire à la fois les problèmes économiques, sociaux et politiques des Américains (crise de 1929, lutte pour les droits civiques, guerre froide…) mais aussi en mettant en avant les raisons profondes du succès de ce sport. De fait, le dépassement de soi, la lutte contre “l'Autre” menaçant (et les démons intérieurs du boxeur), l'ascension sociale grâce au sport ou la violence autorisée sur le ring ont amené la boxe à devenir l'une des pratiques sportives les plus populaires de la planète. Et, en plus, d'offrir de nombreuses œuvres inoubliables aux spectateurs comme The Champion (1915) de Charlie Chaplin, Rocky (1976) de John G. Avildsen avec Sylvester Stallone ou encore le mythique Raging Bull (1980) de Martin Scorsese avec Robert De Niro.

Un recueil de textes autour du réalisateur John Cassavetes (Faces, Meurtre d un bookmaker chinois, Une femme sous influence, Love Streams, etc.) par des specialistes (Ray Carney, LE spécialiste américain de l Suvre de Cassavetes, avec une longue interview inédite), des réalisateurs (Olivier Assayas, réalisateur entre autres d Irma Vep, d Heure d été, de L Enfant de l hiver et dernièrement de la série Carlos), Martin Valente, réalisateur d Amateurs et de Fragile[s]), des professionnels du cinéma (Pierre Pitiot, directeur de la médiathèque Fellini à Montpellier et président du festival du cinéma méditerranéen) et des nouvelles d écrivains inspirées des films de Cassavetes. Un volume richement illustré de plus de 60 photos de ses différents films. // Sommaire // Odon Abbal, Cassavetes en son temps, Shadows // Olivier Assayas, Cassavetes, posthume // Mounir Allaoui, Le visaga de Lelia // Charles Beaud, John Cassavetes ou l itinéraire du personnage en liberté // Michel Butel, Détachement // Ray Carney, Cassavetes et l histoire du cinéma américain // John Cassavetes, Notes sur la réalisation d un film // Annick Delacroix, Ne me laissez pas toute seule dans ce film // Pascal Gasquet, La seconde femme // Stéphane Eynard, Chutes // Jean-Christophe HJ Martin, Don t believe truth // Pierre Pitiot, L homme qui tenait le monde par le bon bout // Stephen Sarrazin, Les maris en désordre // Martin Valente, Cassavetes, de l amour et presque rien&

Du jamais vu ! Du jamais lu ! Pour la première fois, un ouvrage - et même une somme, mieux : une encyclopédie ! - regroupe plus de 4.000 répliques de films. 4.000 ! Et du rare, du précieux, du pas forcément connu mais du toujours efficace. Drôles, pertinentes, loufoques, censées, incroyables, savoureuses... elles sont présentes au rendez-vous. En provenance de tous les horizons, de bien des pays et d'innombrables genres. Du western au film fantastique, du dessin animé au film de super-héros, la gamme entière du cinéma est passée au crible. Avec, en prime, quelques croustillantes pépites issues de séries Z et de nanards absolus. Tous les cinémas, pour tous les goûts. Mais... Et c'est ici que l'opuscule atteint une dimension cosmique : les répliques sont classées par mots ! De A (comme Abruti) à Z (comme... Zorro !) 1.350 mots ! Une paille... Oui, une véritable encyclopédie. “Un ouvrage qui expose alphabétiquement des connaissances spécifiques dans un domaine”, comme disent les spécialistes. Et ici, le domaine c'est le dialogue. La première encyclopédie de répliques de films. Qui ne s'adresse pas uniquement aux cyclopes mais à tous les amateurs de cinéma et de bons mots. Et même si “Deux intellectuels assis vont moins loin qu'une brute qui marche” (Un taxi pour Tobrouk), l'amateur de bonnes répliques est assuré d'aller loin, très loin... même en restant assis. Historien de cinéma, auteur de biographies (Jean-Paul Belmondo, Jean Poiret, Pierre Desproges...), de livres thématiques (la boxe, les avions...) et du best-seller La Bande à Gabin, Philippe Durant collecte les répliques depuis de nombreuses années. Il les a sélectionnées, ordonnées pour constituer cette encyclopédie qui s'impose comme un outil aussi précieux qu'indispensable.

Tout Chabrol ? Plus qu'une promesse, un défi ! Il faut dire qu'en plus de 50 ans de carrière, l'homme n'a pas chômé : cinquante-sept films bien sûr, mais aussi vingt-quatre téléfilms, deux mises en scène de théâtre, des prestations comme acteur, sans oublier tous les articles écrits précédemment pour les Cahiers du cinéma. Et dire qu'en chemin, le bonhomme a abandonné des projets… Tout Chabrol, fidèle à son titre, présente tout cela dans un livre-promenade, joyeux et documenté. Un travail méthodique qui étudie chaque œuvre, la replace dans le contexte de l'époque, les repères biographiques et la réception critique – parfois mordante – de chacune d'elle. Tout Chabrol restitue surtout l'essentiel : la personnalité de cet homme hors-normes. Plus de 3.500 citations, de Chabrol mais aussi de ses proches, dressent le portrait de l'homme du Beau Serge et de La Cérémonie, vif, brillant et facilement sarcastique. Un homme attachant et attaché à ses techniciens fidèles, ses acteurs fétiches et à sa famille avec lesquels il aimait tant travailler. Tout Chabrol, toute une vie ! Journaliste et homme de radio, Laurent Bourdon est notamment l'auteur du Dictionnaire Hitchcock (Larousse, 2007) – préfacé par Claude Chabrol ! –, Les Remakes (Larousse, 2012), Définitivement Belmondo (Larousse, 2017), Les Pépites de la critique cinéma (Dunod, 2018) et Comme disait Claude Chabrol (LettMotif, 2020).

Dès la naissance du cinématographe, l'extraterrestre s'impose comme un sujet d'inspiration propice à la découverte de créatures étranges et à l'exploration de contrées exotiques lointaines. Lorsque Georges Méliès réalise en 1902 Le Voyage dans la Lune, mettant en scène les “Sélénites”, des aliens loufoques, il rencontre un succès immédiat. Sans le savoir, le cinéaste magicien vient de s'improviser précurseur d'un genre qui, cent quinze ans plus tard, étonne et émerveille toujours. Grand ou petit, hostile ou amical, humanoïde ou polymorphe, réalisé en animatronique ou en images de synthèse, parfois à l'aspect humain, le visiteur de l'espace est devenu une figure incontournable du septième art. Capable de s'adapter à tous les genres filmiques et également à toutes les époques, il surprend et intrigue constamment. Porteur de message universel, ou monstre sans âme à la conquête du monde, il agit comme un formidable révélateur sociétal et individuel. L'extraterrestre met en avant les comportements de l'homme quand il se confronte au « différent » et dévoile en même temps les sentiments intimes et les peurs profondes qui sommeillent en chacun de nous. /////// Docteur en esthétique, sciences et technologie des arts, Stéphane Benaïm a soutenu une thèse sur l'univers oriental dans l'œuvre cinématographique de Josef von Sternberg. Il a enseigné durant quinze ans la théorie et l'histoire du cinéma à l'université de Paris 8 Vincennes Saint-Denis et a également collaboré à plusieurs revues spécialisées, dont L'Écran Fantastique et Fantastyka. En 2016, il publie Les visions d'Orient de Josef von Sternberg aux éditions Lettmotif.

Depuis de nombreuses années, Sylvester Stallone est considéré comme un représentant de l'impérialisme américain avec des films comme Rambo II ou Rocky IV. Mais l'acteur-réalisateur-scénariste est un artiste bien plus complexe qu'il n'y paraît. Cet ouvrage propose ainsi une analyse de la filmographie de “Sly” dans le but de prendre le contre-pied des clichés qui lui sont habituellement associés (surtout en France). Car en plus d'être un digne représentant de la classe ouvrière, apprécié des classes populaires, Stallone défend une réelle vision humaniste tout au long de son œuvre. Ce travail documenté, illustré d'une quinzaine de photographies, propose ainsi un éclairage inédit sur la star grâce à une approche de type cultural studies - dans la mouvance des star studies - dont l'enjeu est d'analyser sans aucun a priori et de manière pluridisciplinaire (mêlant l'analyse filmique, l'histoire, la sociologie, la politique, la biographie...) les productions populaires de la culture de masse en tenant compte aussi bien des intentions des auteurs que des contraintes du marché et de la réception du public. Une approche, malheureusement, encore largement boudée en France qui prouve pourtant, avec ce livre, toute sa richesse. Docteur en études cinématographiques et diplômé de l'Institut français de presse de Paris, David Da Silva est journaliste et enseignant. Il a notamment collaboré à la revue CinémAction et il est l'auteur d'un ouvrage remarqué intitulé Le Populisme américain au cinéma de D.W. Griffith à Clint Eastwood publié aux éditions LettMotif en 2015.

Cet ouvrage mêle éléments biographiques et analyse filmique pour montrer à quel point la vie personnelle et la carrière de l'acteur, décédé à l'âge de 45 ans dans un accident de voiture, étaient liées. ©Electre 2018

On ne naît pas scénariste, on le devient ! D'après les statistiques, un Français sur trois fantasmerait de développer une histoire pour l'industrie du divertissement : roman, nouvelle, poésie, jeu vidéo, web-série, scénario, etc. Oui, mais combien d'entre eux franchissent réellement le cap ? Une quantité infinitésimale. La plupart des gens sont bloqués à l'étape de l'intention et leur projet ne verra jamais le jour. Entre le rêve et la réalité, il y aurait donc une frontière insurmontable… Pourtant, est-ce vraiment si difficile d'écrire un scénario ? Non, à condition de mettre en application quelques principes, méthodes et autres stratégies intrinsèques à tout bon récit. Alors, qu'on se le dise : “Si vous voulez être pris au sérieux dans votre projet scénaristique, vous devez prendre votre projet scénaristique au sérieux.” Le moment est venu d'exploiter l'immense potentiel qui sommeille en vous – et dont vous n'avez pas encore eu conscience jusqu'à maintenant. Car créer, c'est prendre le temps de voir les choses différemment. Sachez que les seules choses qui pourraient vous limiter sont vos obstacles internes et votre incapacité de vous engager à obtenir ce que vous voulez. N'ayez pas peur de sortir de votre zone de confort, l'aventure – scénaristique et humaine – ne commencera qu'à partir de là ! La vie moderne nous met constamment à l'épreuve ; notre volonté de nous engager et les plus grandes récompenses qu'elle apporte sont réservées à ceux qui sont fermement décidés à persévérer jusqu'à ce qu'ils atteignent leur but. Votre détermination, le temps et surtout votre savoir-faire vous mèneront sur la route de vos rêves les plus inaccessibles. Luc Fouliard est scénariste depuis une quinzaine d'années, formé entre autres au conservatoire européen d'écriture audiovisuel (CEEA), membre de la Guilde des scénaristes et de la SACD. Issu de l'audiovisuel, créateur de concepts de séries, formateur dans des écoles de cinéma, il évolue dans des répertoires aussi différents…

Présentation de l'oeuvre inachevée du réalisateur H.-G. Clouzot, des scénarios écrits mais non tournés à L'enfer, arrêté après quelques jours de tournage, en passant par les adaptations, telles que Chambre obscure d'après V. Nabokov, ou encore les remakes inspirés par ses films. ©Electre 2017

Une histoire du cinéma français se présente comme une série d'ouvrages, classés par décennies successives (des années 30 à nos jours) pour offrir au lecteur un panorama complet du cinéma français. Pour chaque année sont mis en avant les films majeurs, un grand réalisateur, une actrice et un acteur ainsi qu'un grand dossier thématique abordant pour le cinéma les questions essentielles de la période. À travers ces analyses, et la mise en perspective des œuvres et des artistes dans un contexte historique, social, politique et même technique, ce livre se veut le récit pertinent – et à l'occasion, impertinent ! – de l'histoire, riche mais encore trop méconnue, de notre cinéma. De l'avènement du parlant à l'effondrement de la seconde guerre mondiale, les années 30 représentent, à plus d'un titre, un véritable âge d'or du cinéma français. À la suite de la révolution technique liée à l'arrivée du parlant qui révolutionne totalement l'approche du septième art, la décennie est marquée par des événements historiques aussi importants que la crise de 1929 et le Front populaire. Avec, d'un côté, le souvenir encore prégnant de la Grande Guerre et, de l'autre, la peur d'un nouveau conflit, se dessine un cinéma français en pleine mutation, entre insouciance et gravité, entre idéalisme et réalisme, jusqu'à la naissance d'un courant déterminant pour le cinéma mondial, le réalisme poétique. Durant les années 30, de grands maîtres (René Clair, Jacques Feyder, Jean Renoir, Julien Duvivier, Marcel Carné) réalisent des chefs-d'œuvre encore mondialement reconnus, À nous la liberté !, La Kermesse héroïque, La Grande Illusion, Pépé le Moko, Hôtel du Nord ; de grands acteurs et actrices sont élevés au rang de monstres sacrés (Jean Gabin, Louis Jouvet, Michel Simon, Raimu mais aussi Arletty ou Michèle Morgan) sans oublier l'apport inestimable de grands seconds rôles qui font toute la verve de l'époque… Préface de jean-Pierre Jeunet

Essai personnel et analytique consacré à la série Rocky, dont le personnage éponyme est joué par Sylvester Stallone. Passionné par cette saga, l'auteur en propose un décryptage à la fois symbolique, politique et social. ©Electre 2020

Après le beau succès critique et public de la précédente édition, l'ouvrage Sylvester Stallone, héros de la classe ouvrière connait une nouvelle édition actualisée avec de nouvelles parties consacrées aux dernières aventures de Rocky Balboa (Creed II) et John Rambo (Rambo: Last Blood), une analyse de son activité de peintre, de son film légendaire sur le football (À nous la victoire) ou encore à ses nombreux projets de films avortés. La partie sur les fans de l'acteur-réalisateur est également agrémentée d'un entretien avec l'un de ses plus grands admirateurs en France. Voilà qui complète parfaitement ce livre de référence sur le mythique acteur et que Stallone lui-même avait adoubé ! Depuis de nombreuses années, Sylvester Stallone est considéré comme un représentant de l'impérialisme américain avec des films comme Rambo II ou Rocky IV. Mais l'acteur-réalisateur-scénariste est un artiste bien plus complexe qu'il n'y paraît. Cet ouvrage propose ainsi une analyse de la filmographie de “Sly” dans le but de prendre le contre-pied des clichés qui lui sont habituellement associés (surtout en France). Car en plus d'être un digne représentant de la classe ouvrière, apprécié des classes populaires, Stallone défend une réelle vision humaniste tout au long de son œuvre. Ce travail documenté, illustré d'une quinzaine de photographies, propose ainsi un éclairage inédit sur la star grâce à une approche de type cultural studies – dans la mouvance des star studies – dont l'enjeu est d'analyser sans aucun a priori et de manière pluridisciplinaire (mêlant l'analyse filmique, l'histoire, la sociologie, la politique, la biographie…) les productions populaires de la culture de masse en tenant compte aussi bien des intentions des auteurs que des contraintes du marché et de la réception du public. Une approche, malheureusement, encore largement boudée en France qui prouve pourtant, avec ce livre, toute sa richesse.

Qu en est-il dans les romans de Pierre Mac Orlan et Roger Vercel, Marcel Aymé et Antoine Blondin, dans les séries noires d Albert Simonin et Auguste le Breton, sans oublier Georges Simenon, des personnages sur lesquels Jean Gabin a jeté son dévolu et qu il s est appropriés ? Quelles transformations, physiques et/ou morales, ont-ils subies pour correspondre à celui, mythique, que la star a imposé à l écran ? Voici donc revisités les films de Jean Gabin à la lumière des quelque cinquante romans qui les ont inspirés, du Quai des brumes à La Traversée de Paris, de Gueule d amour à Un singe en hiver, de Touchez pas au grisbi à Maigret tend un piège.

Réalisateur culte et pourtant méconnu, Jean Eustache n a eu de cesse, dans la douzaine de films réalisés au long de sa courte carrière, de brouiller les pistes, de mélanger les genres et les idées, de cultiver l ambiguité entre la vérité et les apparences. En jouant ainsi sur les idées de vrai et de faux, Eutache peut ainsi redéfinir les genres cinématographiques, rétablir la vérité sur l époque et la société dans laquelle il vit et, en toute confiance, laisser seule sa mise en scène, faire surgir la vérité. Jérôme d Estais est né à Paris. Il a étudié la littérature et le cinéma, ses deux grandes passions. Il vit dorénavant à Berlin où il a successivement traduit des scénarios, produit des émissions culturelles et enseigné le cinéma et la littérature française.

Le parcours de la famille Trump aux Etats-Unis, l'engagement politique de Donald Trump et son influence sur le cinéma américain actuel peuvent aider à comprendre sa victoire à l'élection présidentielle. L'auteur analyse la fronde d'Hollywood contre ce dernier ainsi que divers films qui permettent de définir les grandes lignes d'un cinéma "trumpien" qui ne peut manquer d'envahir les écrans. ©Electre 2017

Mel Gibson est passé du statut de superstar, dans les années quatre-vingt-dix, à celui de pestiféré à Hollywood après le controversé La Passion du Christ et ses multiples déboires personnels. Les spectateurs lui ont aussi souvent tourné le dos, alors qu'il était l'un des acteurs préférés du public après des succès comme les films L'Arme fatale ou Signes. Désormais, citer son nom suscite aussitôt le débat, certains voyant en lui un artiste tourmenté passionnant alors que pour d'autres, il est un dangereux antisémite. Mais, au final, qui est réellement Mel Gibson ? Pourquoi sa carrière a-t-elle failli s'arrêter après son film sur le calvaire de Jésus-Christ ? Le parcours personnel de Mel Gibson est incroyable, car ce fervent catholique a imité, d'une certaine manière, le parcours christique (succès, Passion, résurrection). Nous allons donc, dans cet ouvrage, analyser sa très célèbre filmographie comme acteur avant de nous attarder plus longuement sur ses longs-métrages comme cinéaste. Tout cela permet de montrer la grande cohérence, thématique et esthétique, de son œuvre, de Mad Max (1979) à Tu ne tueras point (2016). Docteur en études cinématographiques et diplômé de l'Institut français de presse de Paris, David Da Silva est historien du cinéma et enseignant. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages sur le cinéma américain : Le Populisme américain au cinéma de D.W. Griffith à Clint Eastwood (LettMotif, 2015), Sylvester Stallone, héros de la classe ouvrière (LettMotif, 2016), La boxe à Hollywood de Chaplin à Scorsese (LettMotif, 2017) et Trump et Hollywood. Livre 1 : L'arrivée au pouvoir (LettMotif, 2017). Il a également collaboré à diverses publications internationales.

Une étude des principaux films représentatifs de la comédie italienne dans ces années. Elle rappelle les origines, les influences, les ressorts et l'évolution de ce genre. Elle montre également combien ces oeuvres font écho aux moeurs du pays en témoignant de ses mutations historiques et sociologiques. ©Electre 2016

Connu surtout pour ses westerns à l'italienne baroques, drôles et violents, Navajo Joe, Django, El Mercenario, Le Grand Silence ou Companeros, Sergio Corbucci est aussi un réalisateur dont l'ample filmographie comporte plus de soixante longs-métrages. Du néoréalisme de l'après-guerre aux mélodrames des années cinquante, de l'âge d'or du cinéma de genre (western, gothique, peplum) aux grandes heures de la comédie (son genre de prédilection) jusqu'aux années difficiles, soixante-dix et quatre-vingt, il traverse quatre décennies de cinéma italien, en épousant tous les mouvements, parfois précurseur, toujours animé par la passion de filmer. Romain jusqu'au bout des ongles, personnalité attachante, “l'autre Sergio” a peu suscité l'intérêt de la critique. Cet ouvrage est le premier à parcourir l'ensemble de sa carrière, une œuvre riche et excitante à découvrir sous toutes ses facettes. Cinéphile viscéral ayant sévi sur les ondes et divers sites (Kinok, Zoom Arrière, les Fiches du Cinéma), Vincent Jourdan est l'auteur du blog Inisfree (http://inisfree.hautetfort.com/) où il partage depuis 2004 ses goût éclectiques, embrassant d'un large et généreux mouvement John Ford et Sergio Corbucci, l'Afrique et l'Asie, le cinémascope et le Super 8. Président de l'association Regard Indépendant, Vincent anime depuis 1999 les Rencontres Cinéma et Vidéo à Nice autour du cinéma qui fait un pas de côté. Voyage dans le cinéma de Sergio Corbucci est son premier ouvrage.

Une histoire du cinéma français se présente comme une série d'ouvrages, classés par décennies successives (des années 30 à nos jours) pour offrir au lecteur un panorama complet du cinéma français. Pour chaque année sont mis en avant les films majeurs, un grand réalisateur, une actrice et un acteur ainsi qu'un grand dossier thématique abordant pour le cinéma les questions essentielles de la période. À travers ces analyses, et la mise en perspective des Suvres et des artistes dans un contexte historique, social, politique et même technique, ce livre se veut le récit pertinent et à l'occasion, impertinent ! de l'histoire, riche mais encore trop méconnue, de notre cinéma. De l'avènement du parlant à l'effondrement de la seconde guerre mondiale, les années 30 représentent, à plus d'un titre, un véritable âge d'or du cinéma français. À la suite de la révolution technique liée à l'arrivée du parlant qui révolutionne totalement l'approche du septième art, la décennie est marquée par des événements historiques aussi importants que la crise de 1929 et le Front populaire. Avec, d'un côté, le souvenir encore prégnant de la Grande Guerre et, de l'autre, la peur d'un nouveau conflit, se dessine un cinéma français en pleine mutation, entre insouciance et gravité, entre idéalisme et réalisme, jusqu'à la naissance d'un courant déterminant pour le cinéma mondial, le réalisme poétique. Durant les années 30, de grands maîtres (René Clair, Jacques Feyder, Jean Renoir, Julien Duvivier, Marcel Carné) réalisent des chefs-d'Suvre encore mondialement reconnus, À nous la liberté !, La Kermesse héroïque, La Grande Illusion, Pépé le Moko, Hôtel du Nord ; de grands acteurs et actrices sont élevés au rang de monstres sacrés (Jean Gabin, Louis Jouvet, Michel Simon, Raimu mais aussi Arletty ou Michèle Morgan) sans oublier l'apport inestimable de grands seconds rôles qui font toute la verve de l'époque&