Composé 25 ans après le célèbre chef-d'oeuvre de Pergolèse, de formation identique, le Stabat Mater de Nicola Logroscino (prononcer "Logròscino"), s'inscrit dans une longue lignée de compositions engendrées par l'cole Napolitaine sur le modèle d'Alessandro Scarlatti (1723). Bien qu'inspirée par d'illustres précédents, cette oeuvre s'en distingue par sa forte vocation théâtrale, due à la longue expérience de l'auteur dans le genre de l'opéra, surtout comique, dont il fut l'un des grands protagonistes jusqu'à la moitié du XVIIIè siècle. Son Stabat Mater consiste donc en un véritable concentré de style d'opéra, dans lequel des airs de grande ampleur s'alternent à de vifs duos, de cadence et d'origine presque populaire, et à des récitatifs secs et essentiels. (Electre)

Dans les cours et villes allemandes du début du XVIIIe siècle les anciens instruments des Stadfpfeiffer sont remplacés par les hautbois et bassons de type français. Ce sont maintenant ces "bandes de hautbois" auxquelles se joignent les trompettes qui deviennent les instruments des musiques militaires. Mais après les marches et parades, ces musiciens sont aussi invités à participer aux divertissements de cour. C'est pour ces circonstances que Georg Philipp Telemann et ses contemporains imaginent un répertoire tout à fait original qui s'apparente aux genres français et italiens de la Suite et du Concerto. Et à certaines occasions les cors de chasse sont de la partie... C'est ce répertoire qu'Eolus aborde ici en respectant la caractéristique des sons harmoniques des cors et des trompettes, ce que d'autres tentent de corriger par des pratiques qui ne sont pas historiques. (Electre)

Joël Grare, percussioniste et infatigable chercheur de sons et d'instruments rares, signe ici sont troisième album chez Alpha. Au fil de ses compositions et de ses inspirations (Debussy, Bartók), il chemine au gré de ses émotions de ses incroyables instruments : tambours, balafon, mélodica sont rejoints par les tambours japonais et autres sanza, sonnailles, toupins, trompiki, bâton de pluie, plaque à tonnerre... (Electre)

En 1512, Giovanni di Lorenzo di Piero de' Medici (1475-1521) était l'aîné des survivants mâles de la banche aînée de la célèbre famille des Medici à Florence, l'aîné des fils survivants du mythique Lorenzo "il Magnifico". Giovanni avait hérité de sa famille un intérêt raffiné et un soutien zélé aux arts : littérature, peinture, sculpture, architecture et musique. Parmi ceux-ci et peut-être en raison de sa mauvaise vue, c'est la musique que préférait Giovanni, pour laquelle sa passion était légendaire parmi ses contemporains. La vie musicale à la cour de Léon était incroyablement riche et dynamique, ainsi que le confirment d'innombrables témoins. Ce disque a pour ambition de donner une vie sonore à ce monde, de faire revivre l'ambiance de la cour de Léon et d'illustrer l'éventail des pratiques caractérisant ses propres expériences musicales. Il est conçu comme un hommage à un mécène rare et extraordinaire (lui-même compositeur et musicien) qui occupa cette position particulière au sommet de la hiérarchie ecclésiastique universelle. (Electre)

En août 1986, deux paires de soeurs (Claudia et Livia Caffagni, Elisabetta et Ella de Mircovich) fondèrent l'ensemble La Reverdie. Le nom, inspiré d'un genre poétique célébrant le retour du printemps, révèle peut-être le trait principal d'un groupe qui, depuis les années 1990, captive l'audience comme les critiques par la diversité de son approche du répertoire vaste et varié du Moyen ?e et du début de la Renaissance. Pour marquer cet anniversaire, Arcana a conçu un coffret de cinq diques réunissant tous les projets thématiques qu'au fil des ans La Reverdie a consacré aux différents aspects de la culture médiévale. De l'image de la féminité à l'amour courtois, de la musique dans la pensée médiévale au symbolisme de la lumière et de l'obscurité, chaque thème développé dans cette collection musicale - une excellente introduction à la musique médiévale - explore des répertoires spécifiques selon différents points de vue, à la fois géographiques et littéraires ou philosophiques. (Electre)

A l'époque baroque, le duetto da camera, généralement conçu pour deux voix égales et continuo, était une forme importante de musique de chambre vocale, dont d'innombrables exemples se trouvent dans les oeuvres de compositeurs liés à Venise, les principaux protagonistes dans l'histoire de ce genre. Un important groupe de voix féminines jeunes et talentueuses (Silva Frigato, Lea Desandre... ) a rejoint la vénitienne Sara Mingardo pour cet étonnant projet, où des chefs-d'oeuvre des principaux compositeurs de l'époque ont été confiés aux voix les plus adaptées pour en rehausser le contenu musical. Cet enregistrement propose des oeuvres inédites et jamais jouées, transcrites et éditées par le claveciniste Edward Smith. Au coeur du programme, Sara Mingardo quitte un moment ses collègues pour apparaître comme soliste dans Fuggi pur, o crudele de Francesco Lucio, un lamento splendide et typique enregistré ici pour la première fois. ' (Electre)

Sous ce titre sont réunies des oeuvres de compositeurs de la première moitié du XXe siècle qui se sont fréquemment inspirés des traditions musicales de leur pays. Ce voyage musical parcourt l'Europe de la France aux confins de l'Asie. Si la personnalité de Béla Bartok est incontestable dans ce domaine de l'intégration des traditions populaires dans le langage classique, celles des autres compositeurs réunis ici mérite d'être découverte. Le juif Erwin Schulhoff fait partie de ces musiciens dont le régime nazi avait relégué les compositions dans cette catégorie de la "musique dégénérée". L'Azerbaïdjanais Fikret Amirov et l'Arménien Arno Babadjanian ont été victimes des contraintes du régime soviétique. Quand à Charles Koechlin, auteur d'un catalogue imposant il a dû subir durant toute sa vie le fait que sa carrière de compositeur était éclipsée par la réputation de son rôle de théoricien. Si toutes ces compositions inspirées des musiques nationales sont également contemporaines des turbulences politiques qui agitent l'Europe entre les deux Guerres Mondiales, elles sont tout aussi contemporaines des nombreux courants qui ont bouleversé cette période dans tous les domaines artistiques. (Electre)

En1992, Marius Constant, qui connaissait intimement l'oeuvre de Debussy, publie Impressions de Pelléas : une version raccourcie (95' plutôt que 150'), pour six chanteurs et deux pianistes. En un flux intense de musique, Constant assemble les cinq actes avec une grande finesse - par la suppression de quelques scènes, un bon nombre de coupures et quelques changements minimes dans le matériau musical. Pour la scénographie, il suggère ceci : "On est dans un salon 'début de siècle'." Durant la période de genèse de Pelléas, en effet, Debussy joua régulièrement des fragments devant son cercle d'amis. Dans cette version, nous sommes, auditeurs et interprètes, involontairement emportés vers l'origine et l'essence du chef-d'oeuvre de Debussy : une "musique de l'âme" où nous pouvons tous reconnaître nos propres Mélisande, Pelléas, Arkel, Geneviève, Yniold et Golaud. Cette version de chambre de Pelléas et Mélisande est complétée par la transcription que Debussy lui-même a réalisée pour deux pianos du Prélude à l'après-midi d'un faune ainsi que de la suite En blanc et noir. (Electre)

Philippe Herreweghe et le Collegium Vocale Gent livrent une version aboutie de l'un des chefs-d'oeuvre de la musique sacrée du XVIIe siècle. Composées peu après Orfeo et dédiées au pape Paul V, les Vêpres de Monteverdi ne cessent de surprendre par leur audace et leur grande puissance émotive. Stile antico et stile moderno se conjuguent à merveille dans ces pages où se côtoient tour à tour polyphonie de style renaissant, monodie accompagnée et style concertant. L'importance donnée au texte - un trait marquant chez Monteverdi -, la virtuosité du chant et l'indépendance des voix sont autant de caractéristiques de cette oeuvre étonnante. Philippe Herreweghe et le Collegium Vocale Gent se révèlent être des interprètes montéverdiens de premier rang. Leur lecture enlevée et rafraîchissante, rehaussée par huit solistes de renommée internationale, assurera le succès de cet album. (Electre)

Bach, Biber, Marini, Corelli : voilà quatre figures majeures de la musique baroque que personne ne penserait à associer à la harpe. Cet ambitieux projet est le résultat de recherches approfondies. Il suggère que le répertoire pour violon, instrument qui partage de nombreuses caractéristiques idiomatiques avec la harpe, fut longtemps une source d'inspiration pour les harpistes. Ainsi, certaines des pièces pour violon les plus virtuoses ont été arrangées pour la harpe, offrant à ces oeuvres un souffle nouveau et mettant en lumière des nuances originales et inattendues. Flora Papadopoulos, après avoir collaboré avec des ensembles comme Cappella Mediterranea, réalise aujourd'hui son premier album solo. En explorant des voies personnelles, hautement empiriques et expérimentales, elle fait revivre une pratique musicale fascinante longtemps oubliée. (Electre)

Depuis son premier Prix au concours de Bruges et son premier album consacré à la famille Forqueray (Choc de l'Année Classica, Gramophone Editor's Choice, Grand Prix de l'Académie Charles Cros), le claveciniste franco-américain Justin Taylor s'est vu décerner par l'Association Professionnelle de la Critique le Prix Révélation Musicale. Sa carrière se développe rapidement, tant comme soliste (claveciniste et aussi pianofortiste) que comme chef de son ensemble, le Taylor Consort. Pour son deuxième récital, Taylor met en miroir Scarlatti et Ligeti, deux compositeurs provenant d'époques et d'univers si éloignés, et qui pourtant présentent de nombreuses affinités : de par leur inventivité, de par la virtuosité de leur deux langages et leur désir commun d'amener le clavier au plus près de ses limites... Continuum établit un pont entre ces deux compositeurs aux sensibilités exacerbées, entremêlant de façon intime les trois pièces emblématiques (et spectaculaires !) pour clavecin seul de Ligeti avec des sonates de Scarlatti. (Electre)

Coup fatal est une rencontre inédite entre la musique baroque et la musique congolaise. Ce projet hors normes s'articule autour de Fabrizio Cassol, (directeur musical), Serge Kakudji (contre-ténor) et Rodriguez Vangama (chef d'orchestre et guitariste) qui élaborent depuis plusieurs années un "récital baroque" tel que vous n'en avez encore jamais entendu. En live, le spectacle est mis en scène et en danse par Alain Platel, qui emmène la troupe de 13 musiciens très loin, dans un univers où chants, instruments traditionnels africains et danses ne font plus qu'un. Les tubes baroques côtoient les musiques traditionnelles dans une exploration nouvelle du répertoire, qui met en exergue une étonnante dimension commune aux deux univers. (Electre)

Les "Abendmusiken" étaient une série de concerts légendaires organisés par Buxtehude à Lübeck. Même Jean-Sébastien Bach faisait de longs voyages pour assister à ces concerts de musique religieuse et instrumentale et rencontrer le maître Dietrich Buxtehude, l'organiste le plus réputé d'Europe... ? l'occasion des 500 ans de la réforme luthérienne, Vox Luminis et l'Ensemble Masques se sont rapprochés pour interpréter ce programme de Cantates et pièces instrumentales (Sonates BuxWV 255 & 261). Cet enregistrement rassemble les grands spécialistes de ces répertoires et les voix expertes de Vox Luminis se mêlent à la vitalité des instrumentistes de l'Ensemble Masques. (Electre)

Après deux enregistrements consacrés au Trio Dumky et au Troisième Trio de Dvorák puis aux Quatuors avec piano n°1 & 2, Omri Epstein, Mathieu van Bellen et Ori Epstein sont rejoints par l'un de leurs maîtres à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth, l'altiste Miguel da Silva, fondateur du célèbre Quatuor Ysae et par la violoniste Maria Milstein, également artiste en résidence à la Chapelle Musicale entre 2011 et 2014. Ensemble ils poursuivent cette intégrale de la musique de chambre pour clavier du compositeur tchèque, avec les deux Quintettes avec piano et les Bagatelles. Quinze ans séparent les deux quintettes avec piano de Dvorák, qui ne partagent que peu de point communs à part une même tonalité : le premier signe les débuts d'un jeune compositeur tandis que le second témoigne de la maîtrise de son art. Quant aux Bagatelles, originellement écrites pour deux violons, violoncelle et harmonium, elles font partie des pièces les plus connues du compositeur. (Electre)

Pour célébrer les 30 ans du Concert Spirituel, Hervé Niquet rend hommage au patrimoine musical français des 17 et 18èmes siècles qu'il explore avec passion. Avec la complicité de Benoit Dratwicki et du Centre de Musique Baroque de Versailles qui a fêté lui aussi ses 30 ans en 2018, ils ont imaginé un programme atypique. A l'instar de Louis XIV qui, en 1671, avait demandé à Lully d'imaginer un Ballet des ballets constitué d'extraits de la trentaine de ballets du compositeur qu'il avait auparavant dansés devant la Cour, ils ont conçu un opéra imaginaire, véritable "Opéra des opéras" : une trentaine d'extraits, faisant voisiner le grand répertoire et des raretés - voire des inédits absolus - a été rassemblée pour créer une intrigue autour de trois archétypes du répertoire de l'époque : une princesse amoureuse, une reine magicienne - sa rivale - et un prince valeureux se partagent la scène. (Electre)

Olivier Cavé a signé pour AEON des disques remarqués (Clementi, Haydn, Bach, Scarlatti). Ce disciple de Nelson Goerner, Maria Tipo et Aldo Ciccolini, frappe toujours par le raffinement de son piano. Il présente ici un programme consacré à trois concertos de Mozart qu'il a enregistrés avec un chef dont les incursions mozartiennes sont toujours réussies : Rinaldo Alessandrini. Ils se sont rencontrés à l'occasion d'un concert à Toulouse et ont décidé d'enregistrer ces chefs-d'oeuvre. Ce programme constitue un parcours intéressant de la jeunesse à la maturité de Mozart, un parcours en trois concertos, du troisième, composé alors qu'il a 17 ans, au vingt-cinquième qui voit le jour la même année que les Noces de Figaro et Don Giovanni, en passant par le joyeux et subtil concerto N°13 qu'il écrit en 1783 et que le soliste et l'orchestre composé en majorité de musiciens italiens servent avec style et légèreté. (Electre)

La Cinquième Symphonie de Chostakovitch est sans aucun doute l'une des plus grandes symphonies jamais écrites. Ce véritable chef-d'oeuvre est le reflet du monde qui se déploie autour du compositeur : à travers la musique, il décrit la réalité de la vie à Leningrad en 1937, de son propre point de vue. Pour lui, ce fut "la pire des périodes". (Electre)

Impressionné par les auditions des ouvres d'Haendel à Londres, Haydn éprouve le désir de composer des oratorios. C'est d'abord Die Schöpfung qui obtient un succès retentissant. Ensuite, le baron Gottfried van Swieten propose à Haydn un arrangement du poème The Seasons de James Thomson. Haydn est d'abord peu attiré par le texte qui s'éloigne de l'oratorio classique reposant sur un texte religieux, mais se laisse convaincre par la suite. Le résultat est une vaste fresque picturale de la nature qui décrit les paysages et les sentiments qui les animent. L'ouvre est écrite pour chour, orchestre et trois solistes. Philippe Herreweghe nous livre sa propre vision de ce chef-d'ouvre, assisté par le Collegium Vocale Gent, l'Orchestre des Champs-Elysées et les solistes Christina Landshamer, Maximilian Schmitt et Florian Boesch. Cet enregistrement forme le début d'un parcours "Haydn" avec Philippe Herreweghe pour Phi, dont le prochain projet est : Die Schöpfung !