Le parcours de la famille Trump aux Etats-Unis, l'engagement politique de Donald Trump et son influence sur le cinéma américain actuel peuvent aider à comprendre sa victoire à l'élection présidentielle. L'auteur analyse la fronde d'Hollywood contre ce dernier ainsi que divers films qui permettent de définir les grandes lignes d'un cinéma "trumpien" qui ne peut manquer d'envahir les écrans. ©Electre 2017

Réalisateur culte et pourtant méconnu, Jean Eustache n a eu de cesse, dans la douzaine de films réalisés au long de sa courte carrière, de brouiller les pistes, de mélanger les genres et les idées, de cultiver l ambiguité entre la vérité et les apparences. En jouant ainsi sur les idées de vrai et de faux, Eutache peut ainsi redéfinir les genres cinématographiques, rétablir la vérité sur l époque et la société dans laquelle il vit et, en toute confiance, laisser seule sa mise en scène, faire surgir la vérité. Jérôme d Estais est né à Paris. Il a étudié la littérature et le cinéma, ses deux grandes passions. Il vit dorénavant à Berlin où il a successivement traduit des scénarios, produit des émissions culturelles et enseigné le cinéma et la littérature française.

Spike Lee, l'enfant terrible du cinéma afro-américain, est depuis ses débuts en 1986 autant connu pour l'originalité de son cinéma que pour ses coups d'éclats médiatiques. Baptisé “le Noir le plus en colère d'Amérique” à l'occasion de la sortie de Malcolm X (1992), il n'a eu de cesse tout au long de sa carrière d'entretenir la polémique. Avec des œuvres engagées comme Do the Right Thing, Jungle Fever, The Very Black Show ou BlacKkKlansman, mais aussi des films moins controversés tels He Got Game, La 25e Heure ou Inside Man, il aura marqué de son passage la grande histoire du septième art. Et pourtant, à ce jour, aucune monographie française évoquant l'ensemble de son œuvre n'est parue en librairie. Ce livre a ainsi pour but de corriger cet oubli en revenant sur toute l'œuvre du cinéaste pour lui redonner la place qui lui revient au centre de l'historiographie du cinéma américain, avec la secrète intention de rappeler aux plus jeunes combien son rôle de pionnier fut décisif dans l'émergence d'un cinéma noir américain. Régis Dubois est spécialiste du cinéma afro-américain qu'il suit depuis maintenant vingt-cinq ans et auquel il a consacré plusieurs ouvrages, notamment Images du Noir dans le cinéma américain blanc (1980-1995) (L'Harmattan, 1997), Le Cinéma des Noirs américains entre intégration et contestation (Le Cerf/Corlet, 2005) et Le Cinéma noir américain des années Obama (LettMotif, 2017).

Présentation de l'oeuvre inachevée du réalisateur H.-G. Clouzot, des scénarios écrits mais non tournés à L'enfer, arrêté après quelques jours de tournage, en passant par les adaptations, telles que Chambre obscure d'après V. Nabokov, ou encore les remakes inspirés par ses films. ©Electre 2017

Depuis de nombreuses années, Sylvester Stallone est considéré comme un représentant de l'impérialisme américain avec des films comme Rambo II ou Rocky IV. Mais l'acteur-réalisateur-scénariste est un artiste bien plus complexe qu'il n'y paraît. Cet ouvrage propose ainsi une analyse de la filmographie de “Sly” dans le but de prendre le contre-pied des clichés qui lui sont habituellement associés (surtout en France). Car en plus d'être un digne représentant de la classe ouvrière, apprécié des classes populaires, Stallone défend une réelle vision humaniste tout au long de son œuvre. Ce travail documenté, illustré d'une quinzaine de photographies, propose ainsi un éclairage inédit sur la star grâce à une approche de type cultural studies - dans la mouvance des star studies - dont l'enjeu est d'analyser sans aucun a priori et de manière pluridisciplinaire (mêlant l'analyse filmique, l'histoire, la sociologie, la politique, la biographie...) les productions populaires de la culture de masse en tenant compte aussi bien des intentions des auteurs que des contraintes du marché et de la réception du public. Une approche, malheureusement, encore largement boudée en France qui prouve pourtant, avec ce livre, toute sa richesse. Docteur en études cinématographiques et diplômé de l'Institut français de presse de Paris, David Da Silva est journaliste et enseignant. Il a notamment collaboré à la revue CinémAction et il est l'auteur d'un ouvrage remarqué intitulé Le Populisme américain au cinéma de D.W. Griffith à Clint Eastwood publié aux éditions LettMotif en 2015.

Du jamais vu ! Du jamais lu ! Pour la première fois, un ouvrage - et même une somme, mieux : une encyclopédie ! - regroupe plus de 4.000 répliques de films. 4.000 ! Et du rare, du précieux, du pas forcément connu mais du toujours efficace. Drôles, pertinentes, loufoques, censées, incroyables, savoureuses... elles sont présentes au rendez-vous. En provenance de tous les horizons, de bien des pays et d'innombrables genres. Du western au film fantastique, du dessin animé au film de super-héros, la gamme entière du cinéma est passée au crible. Avec, en prime, quelques croustillantes pépites issues de séries Z et de nanards absolus. Tous les cinémas, pour tous les goûts. Mais... Et c'est ici que l'opuscule atteint une dimension cosmique : les répliques sont classées par mots ! De A (comme Abruti) à Z (comme... Zorro !) 1.350 mots ! Une paille... Oui, une véritable encyclopédie. “Un ouvrage qui expose alphabétiquement des connaissances spécifiques dans un domaine”, comme disent les spécialistes. Et ici, le domaine c'est le dialogue. La première encyclopédie de répliques de films. Qui ne s'adresse pas uniquement aux cyclopes mais à tous les amateurs de cinéma et de bons mots. Et même si “Deux intellectuels assis vont moins loin qu'une brute qui marche” (Un taxi pour Tobrouk), l'amateur de bonnes répliques est assuré d'aller loin, très loin... même en restant assis. Historien de cinéma, auteur de biographies (Jean-Paul Belmondo, Jean Poiret, Pierre Desproges...), de livres thématiques (la boxe, les avions...) et du best-seller La Bande à Gabin, Philippe Durant collecte les répliques depuis de nombreuses années. Il les a sélectionnées, ordonnées pour constituer cette encyclopédie qui s'impose comme un outil aussi précieux qu'indispensable.

Cet ouvrage mêle éléments biographiques et analyse filmique pour montrer à quel point la vie personnelle et la carrière de l'acteur, décédé à l'âge de 45 ans dans un accident de voiture, étaient liées. ©Electre 2018

Thèse de doctorat en études cinématographiques et audiovisuelles Université de Caen Basse Normandie Thèse dirigée par Vincent Amiel Ce travail de recherche étudie le style cinématographique néoclassique. Le terme néoclassique est souvent utilisé pour appuyer une politique des auteurs sur un style et un passé connu et reconnu (le classicisme). Toutefois les cinéastes néoclassiques ne cessent de remettre en question le cinéma classique hollywoodien, de le distancier. C'est pour cela que le cinéma néoclassique intègre d'autres formes cinématographiques comme le maniérisme, le baroque, la modernité, etc. qui ont émergé depuis le classicisme. Le style ne distancie pas seulement le squelette diégètique ou encore l'esthétique du cinéma classique, mais également certains de ses thèmes de prédilection comme le corps. Le corps est une entité considérée dans son ensemble, dans son unité sous le rapport de sa conformation. Le but de ma recherche sera d'englober les différents “corps” thématiques mis en place par le néoclassicisme au cinéma afin de les appréhender et de les comprendre dans leurs figures esthétiques. Car bien que le corps humain représente, pour les réalisateurs comme pour les films, une forme de centre névralgique de la fiction, c'est en le confrontant avec d'autres formes corporelles que ceux-ci parviennent à le (re)définir. Ils donnent ainsi une étude contemporaine du corps humain mais aussi de la figure héroïque. Ils questionnent l'identité dans le monde contemporain, dans le flux des réseaux de communications et tentent ainsi de dessiner l'humain de la génération contemporaine. Ils confrontent le corps classique (celui du cinéma et de la société) au corps moderne confronté aux nouvelles technologies et à la perte des repères. Le cinéma néoclassique dresse, dans sa narration et son esthétisme, le canevas d'un corps contemporain et sa quête d'identité.

Qu en est-il dans les romans de Pierre Mac Orlan et Roger Vercel, Marcel Aymé et Antoine Blondin, dans les séries noires d Albert Simonin et Auguste le Breton, sans oublier Georges Simenon, des personnages sur lesquels Jean Gabin a jeté son dévolu et qu il s est appropriés ? Quelles transformations, physiques et/ou morales, ont-ils subies pour correspondre à celui, mythique, que la star a imposé à l écran ? Voici donc revisités les films de Jean Gabin à la lumière des quelque cinquante romans qui les ont inspirés, du Quai des brumes à La Traversée de Paris, de Gueule d amour à Un singe en hiver, de Touchez pas au grisbi à Maigret tend un piège.

Après le beau succès critique et public de la précédente édition, l'ouvrage Sylvester Stallone, héros de la classe ouvrière connait une nouvelle édition actualisée avec de nouvelles parties consacrées aux dernières aventures de Rocky Balboa (Creed II) et John Rambo (Rambo: Last Blood), une analyse de son activité de peintre, de son film légendaire sur le football (À nous la victoire) ou encore à ses nombreux projets de films avortés. La partie sur les fans de l'acteur-réalisateur est également agrémentée d'un entretien avec l'un de ses plus grands admirateurs en France. Voilà qui complète parfaitement ce livre de référence sur le mythique acteur et que Stallone lui-même avait adoubé ! Depuis de nombreuses années, Sylvester Stallone est considéré comme un représentant de l'impérialisme américain avec des films comme Rambo II ou Rocky IV. Mais l'acteur-réalisateur-scénariste est un artiste bien plus complexe qu'il n'y paraît. Cet ouvrage propose ainsi une analyse de la filmographie de “Sly” dans le but de prendre le contre-pied des clichés qui lui sont habituellement associés (surtout en France). Car en plus d'être un digne représentant de la classe ouvrière, apprécié des classes populaires, Stallone défend une réelle vision humaniste tout au long de son œuvre. Ce travail documenté, illustré d'une quinzaine de photographies, propose ainsi un éclairage inédit sur la star grâce à une approche de type cultural studies – dans la mouvance des star studies – dont l'enjeu est d'analyser sans aucun a priori et de manière pluridisciplinaire (mêlant l'analyse filmique, l'histoire, la sociologie, la politique, la biographie…) les productions populaires de la culture de masse en tenant compte aussi bien des intentions des auteurs que des contraintes du marché et de la réception du public. Une approche, malheureusement, encore largement boudée en France qui prouve pourtant, avec ce livre, toute sa richesse.

Robert Redford et l'Amérique, la chose semble évidente. Incarnation d'un idéal démocratique, l'acteur-réalisateur n'a cessé de confondre son identité avec celle de son pays. Des années 1960 à nos jours, des révolutions contre-culturelles à l'élection de Donald Trump, sa filmographie nous invite à un voyage à travers un territoire façonné par l'imaginaire et l'Histoire. Entre doutes et certitudes, montagnes enneigées et villes tentaculaires, cet ouvrage se propose de prendre la route d'une Amérique que les écarts du réel n'ont pas encore réussi à emporter. L'Amérique éternelle des cinéphiles, l'Amérique de Robert Redford. 120 photogrammes des films en couleur Doctorant en études cinématographiques à l'Université de Strasbourg, essayiste, collaborateur à la revue Positif et critique littéraire pour le site Cinechronicle, Jacques Demange se spécialise sur la question du jeu et de la représentation de l'acteur de cinéma.

Muse de John Cassavetes avec qui elle a tourné pas moins de sept films, Gena Rowlands n'en demeure pas moins une actrice mystérieuse. Cultivant à la fois la force et la fragilité, la séduction et le mal-être, sa personnalité semble avoir plusieurs facettes qu'elle déploie au fil de sa carrière, de ses rôles. Gena Rowlands n'hésite pas à se mettre à nu, créant une frontière floue entre sa réalité d'actrice et celle de ses personnages. Parmi les aspects abordés dans son jeu, se trouve la question de la maturité, indubitablement. Comment rester sous les projecteurs quand des actrices d'un certain âge en sont écartées? À travers Opening Night et Gloria notamment, celle que nous surnommerons “la star accessible” s'insurge contre une dictature hollywoodienne liée à l'âge. À ce titre, ces deux films – sortis respectivement en 1977 et 1980 – tentent de réhabiliter la femme de plus de quarante ans, peu avantagée dans le cinéma classique. Ce projet propose donc d'analyser la persona de Gena Rowlands autour de deux rôles phares. Ces derniers amorceront non seulement une évolution dans sa carrière, mais également un renouveau du stéréotype de l'actrice vieillissante créé dans les années 1950, avec des films comme All About Eve de Joseph Mankiewicz. Après l'obtention d'un baccalauréat littéraire, Paola Dicelli a effectué une Licence puis un Master de Cinéma à l'Université Paris Ouest de Nanterre. Son mémoire sur Gena Rowlands a obtenu la mention très bien. Elle poursuit un an plus tard ses travaux, en se concentrant davantage sur l'actrice d'âge mûr comme figure transmédiale populaire. Forte de ce bagage universitaire, elle s'oriente vers le journalisme de cinéma et plus largement de la culture, compte tenu de son intérêt pour de nombreux arts (danse, littérature et théâtre). Parallèlement, Paola Dicelli a écrit de nombreuses nouvelles – dont deux ont été publiées dans des magazines littéraires – et réalise des courts-métrages.

L'œuvre de Michelangelo Antonioni a souvent été réduite à une série d'idées reçues et de formules consacrées dont la plus tenace serait celle de l'incommunicabilité. Et pourtant, la communication occupe une place centrale, pour ne pas dire essentielle, dans les films du réalisateur italien. Cette “communication antonionienne” échappe cependant aux conventions établies, s'établissant par le biais de longs dialogues silencieux faisant la part belle aux expressions du regard. C'est ce dernier qui constitue le sujet principal de cet essai qui propose une interprétation scopique du cinéma d'Antionioni. D'un regard à l'autre, d'un regard vers l'autre, une relation à la fois propre à une continuité et à un point de bascule dont les personnages, motifs et formes qui habitent la filmographie du cinéaste, seraient les principaux représentants et les premiers tributaires. À travers de nombreuses analyses de plans et de séquences, le présent ouvrage propose d'ouvrir le(s) regard(s) aux multiples rencontres qui ne cessent de jalonner les films d'Antonioni. Doctorant en études cinématographiques, essayiste (Les Mille et un visages de Jim Carrey, éditions Rouge Profond, 2016 ; Leonardo DiCaprio, un acteur américain, édition de l'ACCRA, 2016 ; Les Mauvais Rêves de Wes Craven, Marest Éditeur, 2017), collaborateur à la revue Positif, critique littéraire pour le site Cinechronicle, Jacques Demange se spécialise sur les représentations de l'acteur du cinéma américain, entre esthétique et histoire des formes, et de façon plus générale aux questions relatives à l'évolution et à l'appréhension des images en mouvement.

Héritier et dissident, conservateur et libertaire, nostalgique de la tradition et dynamiteur de légendes, Sam Peckinpah a été tout cela en trente années d'une carrière commencée comme scénariste, producteur, réalisateur à la télévision et achevée dans l'anonymat de la réalisation de clips vidéo. En 1969, cinéaste inconnu du grand public mais déjà réputé dans le milieu pour son esprit rebelle aux injonctions des producteurs, il bouleversa le western, genre populaire sur le déclin de plus en plus voué aux parodies italo-ibériques, avec The Wild Bunch. Peckinpah ne révolutionnait pas les thèmes mais le regard sur la mythologie de l'Ouest – déjà renouvelé par les westerns “crépusculaires” – et l'expression d'un des éléments essentiels du genre : la violence. En lui donnant, par la virtuosité du montage, une expression graphique inédite – Bonnie and Clyde, deux ans auparavant, avait adroitement reculé les limites –, Sam devint, un peu malgré lui, “Bloody Sam”, chantre de l'hyper violence, ce que semblait confirmer, deux ans plus tard, Straw Dogs. Rarement plébiscité par le grand public (The Getaway, The Killer Elite, Convoy), discuté par la critique, Sam Peckinpah est aujourd'hui un auteur culte pour nombre de cinéphiles. Quatorze longs-métrages témoignent de la force et de la cohérence de son œuvre que des “problèmes personnels” et une inadaptation aux contraintes de l'art-industrie du cinéma rendent inégale mais toujours passionnante et dont l'influence est reconnue, de Martin Scorsese à Quentin Tarantino en passant par John Woo, Kathryn Bigelow… et bien d'autres. 60 photos NB et couleur Alain Cresciucci est l'auteur d'ouvrages sur Céline et sur les auteurs négligés par l'institution universitaire. Il a également donné, durant plusieurs années, des cours sur l'adaptation et les rapports de la littérature et du cinéma.

Quand on pense au cinéma noir américain des années Obama il nous vient tout de suite à l'esprit des titres comme La Couleur des sentiments, Le Majordome, Selma, Django Unchained ou 12 Years a Slave tous sortis entre 2009 et 2016. Beaucoup de films évoquant l'histoire des Afro-Américains en somme (l'esclavage, le racisme, la ségrégation, la lutte pour les droits civiques). Faut-il y voir une simple coïncidence ou une véritable tendance ? Comment en effet ne pas imaginer que l'élection d'un Noir à la tête d'une nation travaillée depuis toujours par la question raciale n'a pas eu un effet sur la production de films ? Ne parle-t-on pas d'ailleurs communément d'un “cinéma reaganien” pour évoquer la production hollywoodienne des années 80 (Rocky, Rambo, Top Gun…) – synonyme de blockbusters musclés, manichéens et conservateurs – alors pourquoi ne pas parler d'un “cinéma obamanien” ? En explorant les grandes tendances de la période, ce livre tentera ainsi de comprendre comment le cinéma noir de ces dernières années a été influencé thématiquement, voire idéologiquement, par la présidence de Barack Obama. Régis Dubois est spécialiste du cinéma afro-américain. Il a notamment publié Images du Noir dans le cinéma américain blanc (L'Harmattan, 1997), Dictionnaire du cinéma afro-américain (Séguier, 2001) et Le Cinéma des Noirs américains entre intégration et contestation (Le Cerf, 2005). Plus récemment, il a signé Une histoire politique du cinéma (Sulliver, 2007), Hollywood, cinéma et idéologie (Sulliver, 2008) et Les Noirs dans le cinéma français : de Joséphine Baker à Omar Sy (LettMotif, 2015).

Sur Sacha Guitry Don Juan ou Arnolphe ? Talleyrand ou M. Prudhomme ? Le plus grand cinéaste du monde ? Suivi de Harry Baur/Sacha Guitry ou la croisée des destins Quel jeu mortel a joué Harry Baur ? Harry Baur dénoncé et martyrisé comme juif (ce qu il paraissait être mais n était pas), résistant pour certains, collaborateur pour d autres. Les mystères demeurent depuis 1943. Claude Gauteur a réuni et présenté avec André Bernard Le Cinéma et moi de Sacha Guitry, préface de François Truffaut (éditions Ramsay, 1977 et 1984 ; Ramsay Poche Cinéma 1990). Il a présenté Sacha Guitry Cinéma, tous les scénarios spécialement écrits pour le cinéma par Sacha Guitry, de Bonne chance à Si versailles m était conté& (Omnibus, 2007).

Cette étude s'interroge sur la façon dont l'oeuvre de E. Scola met en scène les évolutions politiques, sociales et culturelles de l'Italie du XXe siècle : le fascisme, le miracle économique (1950-1970), mais aussi le regard porté sur l'histoire du cinéma italien par le biais d'un aller-retour entre grandeur passée et décadence. ©Electre 2024

Un recueil de textes autour du réalisateur John Cassavetes (Faces, Meurtre d un bookmaker chinois, Une femme sous influence, Love Streams, etc.) par des specialistes (Ray Carney, LE spécialiste américain de l Suvre de Cassavetes, avec une longue interview inédite), des réalisateurs (Olivier Assayas, réalisateur entre autres d Irma Vep, d Heure d été, de L Enfant de l hiver et dernièrement de la série Carlos), Martin Valente, réalisateur d Amateurs et de Fragile[s]), des professionnels du cinéma (Pierre Pitiot, directeur de la médiathèque Fellini à Montpellier et président du festival du cinéma méditerranéen) et des nouvelles d écrivains inspirées des films de Cassavetes. Un volume richement illustré de plus de 60 photos de ses différents films. // Sommaire // Odon Abbal, Cassavetes en son temps, Shadows // Olivier Assayas, Cassavetes, posthume // Mounir Allaoui, Le visaga de Lelia // Charles Beaud, John Cassavetes ou l itinéraire du personnage en liberté // Michel Butel, Détachement // Ray Carney, Cassavetes et l histoire du cinéma américain // John Cassavetes, Notes sur la réalisation d un film // Annick Delacroix, Ne me laissez pas toute seule dans ce film // Pascal Gasquet, La seconde femme // Stéphane Eynard, Chutes // Jean-Christophe HJ Martin, Don t believe truth // Pierre Pitiot, L homme qui tenait le monde par le bon bout // Stephen Sarrazin, Les maris en désordre // Martin Valente, Cassavetes, de l amour et presque rien&

Nombreux sont les acteurs de western, mais rares ceux qui furent de vrais cow-boys. Gary Cooper aurait pu se vanter de l'avoir été dans sa jeunesse, mais il était de tempérament modeste. L'inoubliable interprète du Train sifflera trois fois et de L'Homme de l'ouest ne s'est d'ailleurs pas illustré dans ce seul genre : de la comédie sentimentale au film de guerre, de l'aventure exotique à la parodie, il a apporté son aura naturelle à tous les genres qu'il a touchés, toujours avec cette générosité prompte à mettre en lumière ses partenaires, qu'elles se nomment Claudette Colbert, Barbara Stanwyck, Grace Kelly ou Audrey Hepburn. Et ce n'est pas pour rien que 60 ans après sa mort, il reste un modèle pour de nombreuses vedettes d'aujourd'hui. “Américain par excellence”, dans le meilleur sens de ces termes, celui qui fut l'Extravagant Mr. Deeds (Frank Capra) et le Sergent York (Howard Hawks), fut également l'ami de grands écrivains, Hemingway en tête. Et si Clark Gable a été le “roi”, John Wayne, le “duc”, Gary Cooper méritait bien de se voir enfin décerner le titre de prince. Auteur d'une quinzaine d'ouvrages, dont plusieurs ont été traduits, traducteur lui-même, collaborateur de diverses revues, grand voyageur qui a séjourné aux États-Unis, Adrien Le Bihan admire Gary Cooper depuis qu'il voit des films. Il ne cache pas son faible pour les rapports entre littérature et cinéma.

Je ne crois pas que Cassavetes puisse laisser qui que ce soit indifférent. Encore faut-il se lancer dans ses films. Je me demande s'il n'y aurait pas des gens que ce cinéma pourrait inquiéter. C'est en partie pour ça que j'ai écrit ce livre. Pour que l'on comprenne qu'il n'y a pas de risque majeur. Et puis, peut-être que cet ouvrage peut accompagner la découverte de ces films, on ne sait jamais. J'espère que ce texte donnera envie à certains de se replonger dans cette énergie folle que sont les films de Cassavetes. Que le lecteur se rassure, ce livre n'a pas vocation à donner des leçons ni à imposer un sens quelconque. Je pense qu'il peut en revanche servir comme un petit plan d'accès que l'on aurait griffonné sur un coin de table, en fin de soirée. De toute façon, il faudrait être bien con pour essayer de figer Cassavetes dans une interprétation car il reviendrait des morts pour tout casser. L'œuvre du cinéaste est trop vaste, c'est un flux si puissant qu'on peut seulement apprendre à ne pas s'y noyer, de là à faire un dos crawlé, c'est une autre histoire. Cassavetes interdit d'étaler sa science pour briller dans les salons, pourtant il y en a encore qui essaient. Et puisque ça m'énerve, j'ai préféré opter pour cette forme très libre qui veut se couler dans l'œuvre. Je ne sais pas si j'y suis parvenu, mais c'était mon objectif. Et c'était plaisant de se sentir un peu plus proche de tous ces personnages. Si le lecteur vit quelque chose de similaire, s'il s'amuse et s'émeut un peu au travers de ces pages, cet ouvrage n'aura pas été vain. Quentin Victory Leydier ///// Version couleuravec 100 photogrammes des films pleine page

Connu surtout pour ses westerns à l'italienne baroques, drôles et violents, Navajo Joe, Django, El Mercenario, Le Grand Silence ou Compañeros, Sergio Corbucci est aussi un réalisateur dont l'ample filmographie comporte plus de soixante longs-métrages. Du néoréalisme de l'après-guerre aux mélodrames des années cinquante, de l'âge d'or du cinéma de genre (western, gothique, peplum) aux grandes heures de la comédie (son genre de prédilection) jusqu'aux années difficiles, soixante-dix et quatre-vingt, il traverse quatre décennies de cinéma italien, en épousant tous les mouvements, parfois précurseur, toujours animé par la passion de filmer. Romain jusqu'au bout des ongles, personnalité attachante, « l'autre Sergio » a peu suscité l'intérêt de la critique. Cet ouvrage est le premier à parcourir l'ensemble de sa carrière, une œuvre riche et excitante à découvrir sous toutes ses facettes. Cinéphile viscéral ayant sévi sur les ondes et divers sites (Kinok, Zoom Arrière, les Fiches du Cinéma), Vincent Jourdan est l'auteur du blog Inisfree (http://inisfree.hautetfort.com/) où il partage depuis 2004 ses goûts éclectiques, embrassant d'un large et généreux mouvement John Ford et Sergio Corbucci, l'Afrique et l'Asie, le cinémascope et le Super 8. Président de l'association Regard Indépendant, Vincent anime depuis 1999 les Rencontres cinéma et vidéo à Nice autour du cinéma qui fait un pas de côté. Voyage dans le cinéma de Sergio Corbucci est son premier ouvrage. Sergio Sollima, le cinéma au couteau, son second livre, paraîtra courant 2023.

Connu surtout pour ses westerns à l'italienne baroques, drôles et violents, Navajo Joe, Django, El Mercenario, Le Grand Silence ou Companeros, Sergio Corbucci est aussi un réalisateur dont l'ample filmographie comporte plus de soixante longs-métrages. Du néoréalisme de l'après-guerre aux mélodrames des années cinquante, de l'âge d'or du cinéma de genre (western, gothique, peplum) aux grandes heures de la comédie (son genre de prédilection) jusqu'aux années difficiles, soixante-dix et quatre-vingt, il traverse quatre décennies de cinéma italien, en épousant tous les mouvements, parfois précurseur, toujours animé par la passion de filmer. Romain jusqu'au bout des ongles, personnalité attachante, “l'autre Sergio” a peu suscité l'intérêt de la critique. Cet ouvrage est le premier à parcourir l'ensemble de sa carrière, une œuvre riche et excitante à découvrir sous toutes ses facettes. Cinéphile viscéral ayant sévi sur les ondes et divers sites (Kinok, Zoom Arrière, les Fiches du Cinéma), Vincent Jourdan est l'auteur du blog Inisfree (http://inisfree.hautetfort.com/) où il partage depuis 2004 ses goût éclectiques, embrassant d'un large et généreux mouvement John Ford et Sergio Corbucci, l'Afrique et l'Asie, le cinémascope et le Super 8. Président de l'association Regard Indépendant, Vincent anime depuis 1999 les Rencontres Cinéma et Vidéo à Nice autour du cinéma qui fait un pas de côté. Voyage dans le cinéma de Sergio Corbucci est son premier ouvrage.

La pin-up est partout. Avant même qu'on invente le mot pour désigner les jolies filles qui ornaient les chambres des soldats de la Seconde Guerre mondiale, elle s'imposait dans la culture populaire. Des Gibson Girls à Katy Perry en passant par Marilyn Monroe, elle est toujours présente ! Mais la pin-up est bien plus qu'une femme-objet. Cet ouvrage a l'intention d'aller voir derrière le poster et le fantasme, et d'explorer ce qui, dans cette figure glamour, révèle les tensions entre les genres. On se propose ici d'examiner sous toutes les coutures, dans une perspective culturaliste, cette figure incontournable, de la considérer comme un outil d'analyse des relations de genre, apte à détecter les mécanismes, parfois subtilement dissimulés, de la domination masculine. Pour comprendre la pin-up, et ce qui en elle traverse les époques, on s'appuiera sur une période clé, à la fois pour l'histoire du cinéma et pour la représentation des femmes : le cinéma des années 1930 aux États-Unis et en particulier la période dite du “pré-Code hollywoodien”, ces quelques années qui précèdent l'application stricte du Code Hays, entre 1930 et 1934, souvent présentées comme une parenthèse enchantée. En analysant plusieurs archétypes de pin-up, de Betty Boop à Jane Parker en passant notamment par les actrices Jean Harlow ou Mae West, l'ambition de cet ouvrage est de déconstruire le fantasme de la pin-up comme femme-objet mais aussi de nuancer la vision d'un pré-Code où tout serait permis. Spécialiste du pré-Code, des représentations de genre et du cinéma de genre, Mélanie Boissonneau est docteure en études cinématographiques et audiovisuelles et enseignante-chercheuse. Membre de l'IRCAV (Institut de Recherche sur le cinéma et l'audiovisuel), elle a publié en 2010 chez Armand Colin Les Pin-up au cinéma, co-écrit avec Laurent Jullier, co-dirigé l'ouvrage collectif Tim Burton, horreurs enfantines paru chez L'Harmattan en 2016.

Célèbre pour avoir été le pygmalion de Marlène Dietrich, Josef von Sternberg reste aujourd'hui encore un artiste énigmatique méconnu du grand public. Sur près de vingt-sept longs-métrages tournés entre 1925 et 1953, le réalisateur s'est essayé à tous les genres, passant des films de gangsters aux intrigues d'espionnage, des récits historiques aux films noirs et des mélodrames aux aventures exotiques. Cette dernière catégorie, particulièrement fournie, compte cinq films : Morocco en 1930, Shanghai Express en 1932, The Shanghai Gesture en 1941, Macao en 1952 et The Saga of Anatahan en 1953. Témoins d'une époque coloniale, ces œuvres jalonnent la production du cinéaste et attestent d'un désir sans limite de leur auteur pour le dépaysement. Dans l'univers sternbergien, les aventuriers, les escrocs, les militaires, les joueurs et les belles de nuit se côtoient dans une danse nocturne perpétuelle dans des contrées éloignées qui offrent des refuges rêvés pour des protagonistes au passé douteux. Le jour et la nuit se confondent, les repères temporels s'estompent, les individus se croisent, se déchirent et se séparent. Le réalisateur dépeint les errances de personnages déracinés qui semblent arrivés au bout du monde… en réalité dans les studios d'Hollywood où tout n'est qu'apparence. Mais cet orient de pacotille n'est pas aussi manichéen qu'il y paraît et ces visions exotiques sont une porte d'entrée pour comprendre l'ensemble de l'œuvre de Josef von Sternberg. Docteur en esthétique, sciences et technologie des arts, Stéphane Benaïm a soutenu une thèse sur l'univers oriental dans l'œuvre cinématographique de Josef von Sternberg. Il a enseigné durant quinze ans la théorie et l'histoire du cinéma à l'université de Paris 8 Vincennes – Saint-Denis et a également collaboré à plusieurs revues spécialisées, dont L'Écran Fantastique.

A travers l'analyse critique et passionnée de 100 films, d'A l'Ouest rien de nouveau réalisé par Lewis Milestone en 1930 jusque The Barber réalisé par Joel & Ethan Coen en 2000, cet ouvrage permet de comprendre les grands courants artistiques mais aussi thématiques, voire politiques, qui ont guidé l'évolution du cinéma aux États-Unis et au Royaume-Uni, et d'éclairer des œuvres vues et revues maintes fois et passées à la postérité. Scindé en deux parties – 1930-1960 : Le règne des studios et l'Âge d'or ; 1960-2000 : La fin des codes, le réalisme … puis la nostalgie – l'ouvrage permet de comprendre l'influence des vieux maîtres (John Ford, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, Joseph L. Mankiewicz entre autres) sur les ténors du cinéma contemporain (Martin Scorsese, Steven Spielberg, les frères Coen), de voir aussi comment le cinéma a accompagné les grands événements du XXe siècle, tragiques et heureux. Cent films de référence qui renvoient à des centaines d'autres qui ont construit l'histoire de cet art né à l'orée du XXe siècle et devenu une industrie. Cent films pour emmener le lecteur dans un voyage au travers de nombreux genres, du western à la comédie musicale, de la science-fiction au film noir en passant par l'étude de mœurs ou le film de guerre.

Hollywood a toujours accordé une place importante à la production de films historiques. D'Autant en emporte le vent de Victor Fleming à Ben-Hur de William Wyler, ces œuvres ont marqué durablement l'imaginaire des spectateurs. Toutefois, progressivement, le film historique hollywoodien a pris un nouveau tournant, en même temps que les Cultural Studies s'imposaient dans les universités. Dorénavant, l'ambition de l'œuvre historique serait de réparer une vision falsifiée du passé car entièrement centrée sur celle du groupe dominant (blanc, masculin, hétérosexuel…). Une proposition intéressante mais ces films historiques du XXIe siècle, estampillés Cultural Studies et dérivés, ne seraient-ils pas au final aussi caricaturaux et faussés que ceux du siècle précédent? Plus grave, ils pourraient très bien symboliser les dérives communautaires qui gangrènent actuellement la société américaine… L'auteur a effectué de nombreuses interviews de réalisateurs (José Padilha, David Mackenzie, Andrew Dominik, John Sayles), scénaristes (Lee Hall, Jeffrey Caine) et producteur (T.G. Herrington) pour enrichir son travail d'analyse des films historiques hollywoodiens contemporains. Docteur en études cinématographiques et diplômé de l'Institut français de presse de Paris, David Da Silva est historien du cinéma et enseignant. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages sur le cinéma américain dont Le Populisme américain au cinéma de D.W. Griffith à Clint Eastwood (LettMotif, 2015). Il a également collaboré à diverses publications internationales.

Après le tome 1 qui prévoyait l'émergence d'un cinéma trumpien, David Da Silva a fait un bilan des œuvres qui ont accompagné le mandat de Donald Trump à la Maison-Blanche. Ainsi, l'objectif de cette étude est de proposer un corpus emblématique de toutes les thématiques trumpiennes visibles à l'écran. Plusieurs chapitres analysent les grandes figures proposées par le cinéma trumpien grâce à différentes parties comme l'entrepreneur ambitieux, le travailleur américain ou le Mexique. Ensuite, l'auteur s'attarde sur les nombreux films qui ont proposé un message clairement aux antipodes de ceux véhiculés par les discours du quarante-cinquième président du pays. Spécialiste du populisme américain, David Da Silva examine les fractures de la société américaine au travers des films proposés par Hollywood depuis l'élection de Donald Trump en 2016. Docteur en études cinématographiques et diplômé de l'Institut français de presse de Paris, David Da Silva est historien du cinéma et enseignant. Il est l'auteur de plusieurs livres sur le cinéma américain publiés aux éditions LettMotif. Ses ouvrages sont désormais traduits et publiés à l'étranger (Espagne ou Russie) et il participe régulièrement à des publications aux États-Unis (éditions Rowman & Littlefield et ABC-Clio).

L'auteur analyse la représentation des Noirs et son évolution dans l'imaginaire cinématographique français puis évoque les grands rôles tenus par des acteurs noirs ou métisses depuis les années 1910. Un chapitre est consacré aux facteurs qui ont favorisé l'émergence d'un cinéma identitaire en France depuis les années 1980. ©Electre 2020