Dès la naissance du cinématographe, l'extraterrestre s'impose comme un sujet d'inspiration propice à la découverte de créatures étranges et à l'exploration de contrées exotiques lointaines. Lorsque Georges Méliès réalise en 1902 Le Voyage dans la Lune, mettant en scène les “Sélénites”, des aliens loufoques, il rencontre un succès immédiat. Sans le savoir, le cinéaste magicien vient de s'improviser précurseur d'un genre qui, cent quinze ans plus tard, étonne et émerveille toujours. Grand ou petit, hostile ou amical, humanoïde ou polymorphe, réalisé en animatronique ou en images de synthèse, parfois à l'aspect humain, le visiteur de l'espace est devenu une figure incontournable du septième art. Capable de s'adapter à tous les genres filmiques et également à toutes les époques, il surprend et intrigue constamment. Porteur de message universel, ou monstre sans âme à la conquête du monde, il agit comme un formidable révélateur sociétal et individuel. L'extraterrestre met en avant les comportements de l'homme quand il se confronte au « différent » et dévoile en même temps les sentiments intimes et les peurs profondes qui sommeillent en chacun de nous. /////// Docteur en esthétique, sciences et technologie des arts, Stéphane Benaïm a soutenu une thèse sur l'univers oriental dans l'œuvre cinématographique de Josef von Sternberg. Il a enseigné durant quinze ans la théorie et l'histoire du cinéma à l'université de Paris 8 Vincennes Saint-Denis et a également collaboré à plusieurs revues spécialisées, dont L'Écran Fantastique et Fantastyka. En 2016, il publie Les visions d'Orient de Josef von Sternberg aux éditions Lettmotif.

Présentation de l'oeuvre inachevée du réalisateur H.-G. Clouzot, des scénarios écrits mais non tournés à L'enfer, arrêté après quelques jours de tournage, en passant par les adaptations, telles que Chambre obscure d'après V. Nabokov, ou encore les remakes inspirés par ses films. ©Electre 2017

Une étude des principaux films représentatifs de la comédie italienne dans ces années. Elle rappelle les origines, les influences, les ressorts et l'évolution de ce genre. Elle montre également combien ces oeuvres font écho aux moeurs du pays en témoignant de ses mutations historiques et sociologiques. ©Electre 2016

Un recueil de textes autour du réalisateur John Cassavetes (Faces, Meurtre d un bookmaker chinois, Une femme sous influence, Love Streams, etc.) par des specialistes (Ray Carney, LE spécialiste américain de l Suvre de Cassavetes, avec une longue interview inédite), des réalisateurs (Olivier Assayas, réalisateur entre autres d Irma Vep, d Heure d été, de L Enfant de l hiver et dernièrement de la série Carlos), Martin Valente, réalisateur d Amateurs et de Fragile[s]), des professionnels du cinéma (Pierre Pitiot, directeur de la médiathèque Fellini à Montpellier et président du festival du cinéma méditerranéen) et des nouvelles d écrivains inspirées des films de Cassavetes. Un volume richement illustré de plus de 60 photos de ses différents films. // Sommaire // Odon Abbal, Cassavetes en son temps, Shadows // Olivier Assayas, Cassavetes, posthume // Mounir Allaoui, Le visaga de Lelia // Charles Beaud, John Cassavetes ou l itinéraire du personnage en liberté // Michel Butel, Détachement // Ray Carney, Cassavetes et l histoire du cinéma américain // John Cassavetes, Notes sur la réalisation d un film // Annick Delacroix, Ne me laissez pas toute seule dans ce film // Pascal Gasquet, La seconde femme // Stéphane Eynard, Chutes // Jean-Christophe HJ Martin, Don t believe truth // Pierre Pitiot, L homme qui tenait le monde par le bon bout // Stephen Sarrazin, Les maris en désordre // Martin Valente, Cassavetes, de l amour et presque rien&

Robert Redford et l'Amérique, la chose semble évidente. Incarnation d'un idéal démocratique, l'acteur-réalisateur n'a cessé de confondre son identité avec celle de son pays. Des années 1960 à nos jours, des révolutions contre-culturelles à l'élection de Donald Trump, sa filmographie nous invite à un voyage à travers un territoire façonné par l'imaginaire et l'Histoire. Entre doutes et certitudes, montagnes enneigées et villes tentaculaires, cet ouvrage se propose de prendre la route d'une Amérique que les écarts du réel n'ont pas encore réussi à emporter. L'Amérique éternelle des cinéphiles, l'Amérique de Robert Redford. 120 photogrammes des films en couleur Doctorant en études cinématographiques à l'Université de Strasbourg, essayiste, collaborateur à la revue Positif et critique littéraire pour le site Cinechronicle, Jacques Demange se spécialise sur la question du jeu et de la représentation de l'acteur de cinéma.

Après le beau succès critique et public de la précédente édition, l'ouvrage Sylvester Stallone, héros de la classe ouvrière connait une nouvelle édition actualisée avec de nouvelles parties consacrées aux dernières aventures de Rocky Balboa (Creed II) et John Rambo (Rambo: Last Blood), une analyse de son activité de peintre, de son film légendaire sur le football (À nous la victoire) ou encore à ses nombreux projets de films avortés. La partie sur les fans de l'acteur-réalisateur est également agrémentée d'un entretien avec l'un de ses plus grands admirateurs en France. Voilà qui complète parfaitement ce livre de référence sur le mythique acteur et que Stallone lui-même avait adoubé ! Depuis de nombreuses années, Sylvester Stallone est considéré comme un représentant de l'impérialisme américain avec des films comme Rambo II ou Rocky IV. Mais l'acteur-réalisateur-scénariste est un artiste bien plus complexe qu'il n'y paraît. Cet ouvrage propose ainsi une analyse de la filmographie de “Sly” dans le but de prendre le contre-pied des clichés qui lui sont habituellement associés (surtout en France). Car en plus d'être un digne représentant de la classe ouvrière, apprécié des classes populaires, Stallone défend une réelle vision humaniste tout au long de son œuvre. Ce travail documenté, illustré d'une quinzaine de photographies, propose ainsi un éclairage inédit sur la star grâce à une approche de type cultural studies – dans la mouvance des star studies – dont l'enjeu est d'analyser sans aucun a priori et de manière pluridisciplinaire (mêlant l'analyse filmique, l'histoire, la sociologie, la politique, la biographie…) les productions populaires de la culture de masse en tenant compte aussi bien des intentions des auteurs que des contraintes du marché et de la réception du public. Une approche, malheureusement, encore largement boudée en France qui prouve pourtant, avec ce livre, toute sa richesse.

Une histoire du cinéma français se présente comme une série d'ouvrages, classés par décennies successives (des années 30 à nos jours) pour offrir au lecteur un panorama complet du cinéma français. Pour chaque année sont mis en avant les films majeurs, un grand réalisateur, une actrice et un acteur ainsi qu'un grand dossier thématique abordant pour le cinéma les questions essentielles de la période. À travers ces analyses, et la mise en perspective des œuvres et des artistes dans un contexte historique, social, politique et même technique, ce livre se veut le récit pertinent – et à l'occasion, impertinent ! – de l'histoire, riche mais encore trop méconnue, de notre cinéma. De l'avènement du parlant à l'effondrement de la seconde guerre mondiale, les années 30 représentent, à plus d'un titre, un véritable âge d'or du cinéma français. À la suite de la révolution technique liée à l'arrivée du parlant qui révolutionne totalement l'approche du septième art, la décennie est marquée par des événements historiques aussi importants que la crise de 1929 et le Front populaire. Avec, d'un côté, le souvenir encore prégnant de la Grande Guerre et, de l'autre, la peur d'un nouveau conflit, se dessine un cinéma français en pleine mutation, entre insouciance et gravité, entre idéalisme et réalisme, jusqu'à la naissance d'un courant déterminant pour le cinéma mondial, le réalisme poétique. Durant les années 30, de grands maîtres (René Clair, Jacques Feyder, Jean Renoir, Julien Duvivier, Marcel Carné) réalisent des chefs-d'œuvre encore mondialement reconnus, À nous la liberté !, La Kermesse héroïque, La Grande Illusion, Pépé le Moko, Hôtel du Nord ; de grands acteurs et actrices sont élevés au rang de monstres sacrés (Jean Gabin, Louis Jouvet, Michel Simon, Raimu mais aussi Arletty ou Michèle Morgan) sans oublier l'apport inestimable de grands seconds rôles qui font toute la verve de l'époque… Préface de jean-Pierre Jeunet

Essai personnel et analytique consacré à la série Rocky, dont le personnage éponyme est joué par Sylvester Stallone. Passionné par cette saga, l'auteur en propose un décryptage à la fois symbolique, politique et social. ©Electre 2020

L'œuvre de Michelangelo Antonioni a souvent été réduite à une série d'idées reçues et de formules consacrées dont la plus tenace serait celle de l'incommunicabilité. Et pourtant, la communication occupe une place centrale, pour ne pas dire essentielle, dans les films du réalisateur italien. Cette “communication antonionienne” échappe cependant aux conventions établies, s'établissant par le biais de longs dialogues silencieux faisant la part belle aux expressions du regard. C'est ce dernier qui constitue le sujet principal de cet essai qui propose une interprétation scopique du cinéma d'Antionioni. D'un regard à l'autre, d'un regard vers l'autre, une relation à la fois propre à une continuité et à un point de bascule dont les personnages, motifs et formes qui habitent la filmographie du cinéaste, seraient les principaux représentants et les premiers tributaires. À travers de nombreuses analyses de plans et de séquences, le présent ouvrage propose d'ouvrir le(s) regard(s) aux multiples rencontres qui ne cessent de jalonner les films d'Antonioni. Doctorant en études cinématographiques, essayiste (Les Mille et un visages de Jim Carrey, éditions Rouge Profond, 2016 ; Leonardo DiCaprio, un acteur américain, édition de l'ACCRA, 2016 ; Les Mauvais Rêves de Wes Craven, Marest Éditeur, 2017), collaborateur à la revue Positif, critique littéraire pour le site Cinechronicle, Jacques Demange se spécialise sur les représentations de l'acteur du cinéma américain, entre esthétique et histoire des formes, et de façon plus générale aux questions relatives à l'évolution et à l'appréhension des images en mouvement.

Muse de John Cassavetes avec qui elle a tourné pas moins de sept films, Gena Rowlands n'en demeure pas moins une actrice mystérieuse. Cultivant à la fois la force et la fragilité, la séduction et le mal-être, sa personnalité semble avoir plusieurs facettes qu'elle déploie au fil de sa carrière, de ses rôles. Gena Rowlands n'hésite pas à se mettre à nu, créant une frontière floue entre sa réalité d'actrice et celle de ses personnages. Parmi les aspects abordés dans son jeu, se trouve la question de la maturité, indubitablement. Comment rester sous les projecteurs quand des actrices d'un certain âge en sont écartées? À travers Opening Night et Gloria notamment, celle que nous surnommerons “la star accessible” s'insurge contre une dictature hollywoodienne liée à l'âge. À ce titre, ces deux films – sortis respectivement en 1977 et 1980 – tentent de réhabiliter la femme de plus de quarante ans, peu avantagée dans le cinéma classique. Ce projet propose donc d'analyser la persona de Gena Rowlands autour de deux rôles phares. Ces derniers amorceront non seulement une évolution dans sa carrière, mais également un renouveau du stéréotype de l'actrice vieillissante créé dans les années 1950, avec des films comme All About Eve de Joseph Mankiewicz. Après l'obtention d'un baccalauréat littéraire, Paola Dicelli a effectué une Licence puis un Master de Cinéma à l'Université Paris Ouest de Nanterre. Son mémoire sur Gena Rowlands a obtenu la mention très bien. Elle poursuit un an plus tard ses travaux, en se concentrant davantage sur l'actrice d'âge mûr comme figure transmédiale populaire. Forte de ce bagage universitaire, elle s'oriente vers le journalisme de cinéma et plus largement de la culture, compte tenu de son intérêt pour de nombreux arts (danse, littérature et théâtre). Parallèlement, Paola Dicelli a écrit de nombreuses nouvelles – dont deux ont été publiées dans des magazines littéraires – et réalise des courts-métrages.

Héritier et dissident, conservateur et libertaire, nostalgique de la tradition et dynamiteur de légendes, Sam Peckinpah a été tout cela en trente années d'une carrière commencée comme scénariste, producteur, réalisateur à la télévision et achevée dans l'anonymat de la réalisation de clips vidéo. En 1969, cinéaste inconnu du grand public mais déjà réputé dans le milieu pour son esprit rebelle aux injonctions des producteurs, il bouleversa le western, genre populaire sur le déclin de plus en plus voué aux parodies italo-ibériques, avec The Wild Bunch. Peckinpah ne révolutionnait pas les thèmes mais le regard sur la mythologie de l'Ouest – déjà renouvelé par les westerns “crépusculaires” – et l'expression d'un des éléments essentiels du genre : la violence. En lui donnant, par la virtuosité du montage, une expression graphique inédite – Bonnie and Clyde, deux ans auparavant, avait adroitement reculé les limites –, Sam devint, un peu malgré lui, “Bloody Sam”, chantre de l'hyper violence, ce que semblait confirmer, deux ans plus tard, Straw Dogs. Rarement plébiscité par le grand public (The Getaway, The Killer Elite, Convoy), discuté par la critique, Sam Peckinpah est aujourd'hui un auteur culte pour nombre de cinéphiles. Quatorze longs-métrages témoignent de la force et de la cohérence de son œuvre que des “problèmes personnels” et une inadaptation aux contraintes de l'art-industrie du cinéma rendent inégale mais toujours passionnante et dont l'influence est reconnue, de Martin Scorsese à Quentin Tarantino en passant par John Woo, Kathryn Bigelow… et bien d'autres. 60 photos NB et couleur Alain Cresciucci est l'auteur d'ouvrages sur Céline et sur les auteurs négligés par l'institution universitaire. Il a également donné, durant plusieurs années, des cours sur l'adaptation et les rapports de la littérature et du cinéma.

Au milieu des années 1970, l'apparition des magnétoscopes change radicalement la manière de consommer le cinéma, les spectateurs pouvant désormais louer sans aucun contrôle préalable des films que les salles ne projettent pas. Les éditeurs de cassettes vidéo remplissent alors les catalogues d'œuvres souvent inédites, parfois pornographiques, violentes ou interdites qui échappent à tout contrôle pour le plus grand plaisir des amateurs de Bis. Au Royaume-Uni, les pouvoirs publics sont alertés par certaines associations familiales qui ne comprennent pas que des enfants puissent voir librement des films honteux et dégradants. Pour contrer la diffusion d'œuvres jugées particulièrement dangereuses pour la jeunesse, la police anglaise organise et multiplie des saisies médiatisées dans les vidéoclubs en vertu de la loi de 1959 réprimant l'obscénité. À la demande de la principale association des vendeurs et loueurs de vidéos de Grande-Bretagne qui souhaite éviter que ses membres ne fassent l'objet de poursuites judiciaires, les autorités finissent par publier en 1983 une liste infamante de 72 titres stigmatisés sous la dénomination de Video Nasties. […] (Christophe Triollet) SOMMAIRE // Panique morale, censure et vidéos // Un siècle de censure britannique du cinéma // The Guidelines //Video Nasties. Une incroyable chasse aux sorcières // Petite chronologie du contrôle des vidéogrammes au Royaume-Uni // Les titres alarmistes de la presse britannique // The list of 72 Video Nasties // Chronique des 72 Video Nasties

Collection consacrée à la censure au cinéma. Tome 1 : le gore et la violence. Le cinéma gore, c'est grave ? (Christophe Triollet) 11 NIFFF 2011 : le gore, d'un mode de représentation à son institutionnalisation (Julien Bono) 21 Croquemitaine. Morale puritaine et “gorification” (Lionel Trelis) 31 La violence du slasher film. Une affaire de morale (Florent Christol) 37 L'horreur à la télévision américaine. Quand la peur s'invite dans le salon (Benjamin Campion) 69 Le gore cronenbergien (Fred Bau) 81 Le gore dans les films sur le Moyen Âge. D'un passé à l'écran au passé comme écran (Yohann Chanoir) 113 Fulci, le gore et la censure (Lionel Grenier) 129 De l'influence d'Akira Kurosawa sur le cinéma sanglant (Eric Peretti) 143 L'épopée Sushi Typhoon. Sexe, gore et humour potache (Sébastien Lecocq) 153 Lucifer Valentine. Sympathy for the devil (Sébastien Lecocq) 163 Paul Verhoeven. Goor, vous avez dit goor ? (Fred Bau) 171 Torture, inquisition et sorcellerie au cinéma (Albert Montagne) 193 Gorenographie. Du sang, du foutre et des vampires (Alan Deprez) 205 Snuff movies, légende ou réalité ? (Christophe Triollet) 221 Torture porn, jusqu'au bout de l'horreur (Christophe Triollet) 227 Violence au cinéma (Christophe Triollet) 233 Violence et cinéma (Jean-Baptiste Guégan) 239 Violence et châtiment. La justice par la mort (Lionel Trelis) 249 La violence est parmi nous (Christophe Triollet) 255 Mimétisme et confusion (Lionel Trelis) 259 France-Chine. Violence, cinéma et censure (Jean-Baptiste Guégan) 265 Conflits de génération, suicide et ultra violence. Tabous cinématographiques d'une jeunesse sacrifiée (Sébastien Lecocq) 271 Les films X violence. Une censure méconnue du cinéma français (Albert Montagne) 279 L'affaire du film Martyrs (Christophe Triollet) 289 Les revues interdites (Bernard Joubert) 295 Brèves censoriales (305)

A travers l'analyse critique et passionnée de 100 films, d'A l'Ouest rien de nouveau réalisé par Lewis Milestone en 1930 jusque The Barber réalisé par Joel & Ethan Coen en 2000, cet ouvrage permet de comprendre les grands courants artistiques mais aussi thématiques, voire politiques, qui ont guidé l'évolution du cinéma aux États-Unis et au Royaume-Uni, et d'éclairer des œuvres vues et revues maintes fois et passées à la postérité. Scindé en deux parties – 1930-1960 : Le règne des studios et l'Âge d'or ; 1960-2000 : La fin des codes, le réalisme … puis la nostalgie – l'ouvrage permet de comprendre l'influence des vieux maîtres (John Ford, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, Joseph L. Mankiewicz entre autres) sur les ténors du cinéma contemporain (Martin Scorsese, Steven Spielberg, les frères Coen), de voir aussi comment le cinéma a accompagné les grands événements du XXe siècle, tragiques et heureux. Cent films de référence qui renvoient à des centaines d'autres qui ont construit l'histoire de cet art né à l'orée du XXe siècle et devenu une industrie. Cent films pour emmener le lecteur dans un voyage au travers de nombreux genres, du western à la comédie musicale, de la science-fiction au film noir en passant par l'étude de mœurs ou le film de guerre.

Hollywood a largement contribué au succès populaire du septième art dans le monde et témoigné de l'inventivité des cinéastes, acteurs, scénaristes et autres monteurs ou compositeurs en produisant nombre de chefs-d'œuvre. Au travers de l'analyse critique et passionnée de 100 films, d'À l'ouest rien de nouveau réalisé par Lewis Milestone en 1930 jusque The Barber réalisé par Joel & Ethan Coen en 2000, cet ouvrage permet de comprendre les grands courants artistiques mais aussi thématiques voire politiques qui ont guidé l'évolution du cinéma aux États-Unis et au Royaume-Uni et d'éclairer des œuvres vues et revues maintes fois et passées à la postérité. Scindé en deux parties – 1) 1930-1960 : Le règne des studios et l'âge d'or , 2) 1960-2000 : La fin des codes, le réalisme … puis la nostalgie – l'ouvrage permet de comprendre l'influence des vieux maîtres (John Ford, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, Joseph L. Mankiewicz entre autres) sur les ténors du cinéma contemporain (Martin Scorsese, Steven Spielberg, les frères Coen), de voir aussi comment le cinéma a accompagné les grands événements du XXe siècle, tragiques et heureux.

Quand on pense au cinéma noir américain des années Obama il nous vient tout de suite à l'esprit des titres comme La Couleur des sentiments, Le Majordome, Selma, Django Unchained ou 12 Years a Slave tous sortis entre 2009 et 2016. Beaucoup de films évoquant l'histoire des Afro-Américains en somme (l'esclavage, le racisme, la ségrégation, la lutte pour les droits civiques). Faut-il y voir une simple coïncidence ou une véritable tendance ? Comment en effet ne pas imaginer que l'élection d'un Noir à la tête d'une nation travaillée depuis toujours par la question raciale n'a pas eu un effet sur la production de films ? Ne parle-t-on pas d'ailleurs communément d'un “cinéma reaganien” pour évoquer la production hollywoodienne des années 80 (Rocky, Rambo, Top Gun…) – synonyme de blockbusters musclés, manichéens et conservateurs – alors pourquoi ne pas parler d'un “cinéma obamanien” ? En explorant les grandes tendances de la période, ce livre tentera ainsi de comprendre comment le cinéma noir de ces dernières années a été influencé thématiquement, voire idéologiquement, par la présidence de Barack Obama. Régis Dubois est spécialiste du cinéma afro-américain. Il a notamment publié Images du Noir dans le cinéma américain blanc (L'Harmattan, 1997), Dictionnaire du cinéma afro-américain (Séguier, 2001) et Le Cinéma des Noirs américains entre intégration et contestation (Le Cerf, 2005). Plus récemment, il a signé Une histoire politique du cinéma (Sulliver, 2007), Hollywood, cinéma et idéologie (Sulliver, 2008) et Les Noirs dans le cinéma français : de Joséphine Baker à Omar Sy (LettMotif, 2015).

Tome 3 : 1950-1959 Le cinéma français des années 50 n'est pas toujours reconnu à sa juste valeur. Coincé entre un âge d'or qui s'est prolongé jusqu'à la fin des années 40 et l'avènement de la modernité des années 60, la décennie 50 a vite été taxée de conformisme ; une période de “Qualité française” – formule péjorative des Cahiers du cinéma – qui voit tout de même naître des œuvres aussi importantes que La Beauté du diable (René Clair), Le Plaisir (Max Ophüls), Casque d'or (Jacques Becker) ou La Traversée de Paris (Claude Autant-Lara), on se contenterait de moins ! Surtout, avec la démocratisation de la couleur (French Cancan, magnifique hommage de Jean Renoir à son père), l'émergence d'un nouveau polar (Touchez pas au grisbi, Du rififi chez les hommes), l'avènement de nouvelles actrices plus en phase avec leur époque (Martine Carol, Jeanne Moreau, Anouk Aimée et bien sûr Brigitte Bardot), le cinéma français entame déjà sa mue. Et si en 1959 sortent les premiers films de la Nouvelle Vague (Le Beau Serge de Claude Chabrol et Les Quatre Cents Coups de François Truffaut), toute la décennie aura témoigné préalablement d'une aspiration à la modernité : de Louis Malle (Ascenseur pour l'échafaud, Les Amants) à Alain Resnais (Nuit et Brouillard, Hiroshima mon amour) en passant par Jean-Pierre Melville (Deux Hommes à Manhattan) et Henri-Georges Clouzot (Le Mystère Picasso). Une histoire du cinéma français vous invite ainsi à plonger dans les années 50, une décennie aussi riche que variée. Inspecteur de l'Éducation Nationale, Philippe Pallin a orienté ses activités d'enseignant et de formateur vers l'histoire et les techniques du cinéma. Tour à tour critique musique et cinéma, auteur pour la télévision et producteur radio, Denis Zorgniotti enseigne désormais l'Histoire du cinéma à 3IS à Nantes. ////////// 190 photos NB et couleur //////////

Je ne crois pas que Cassavetes puisse laisser qui que ce soit indifférent. Encore faut-il se lancer dans ses films. Je me demande s'il n'y aurait pas des gens que ce cinéma pourrait inquiéter. C'est en partie pour ça que j'ai écrit ce livre. Pour que l'on comprenne qu'il n'y a pas de risque majeur. Et puis, peut-être que cet ouvrage peut accompagner la découverte de ces films, on ne sait jamais. J'espère que ce texte donnera envie à certains de se replonger dans cette énergie folle que sont les films de Cassavetes. Que le lecteur se rassure, ce livre n'a pas vocation à donner des leçons ni à imposer un sens quelconque. Je pense qu'il peut en revanche servir comme un petit plan d'accès que l'on aurait griffonné sur un coin de table, en fin de soirée. De toute façon, il faudrait être bien con pour essayer de figer Cassavetes dans une interprétation car il reviendrait des morts pour tout casser. L'œuvre du cinéaste est trop vaste, c'est un flux si puissant qu'on peut seulement apprendre à ne pas s'y noyer, de là à faire un dos crawlé, c'est une autre histoire. Cassavetes interdit d'étaler sa science pour briller dans les salons, pourtant il y en a encore qui essaient. Et puisque ça m'énerve, j'ai préféré opter pour cette forme très libre qui veut se couler dans l'œuvre. Je ne sais pas si j'y suis parvenu, mais c'était mon objectif. Et c'était plaisant de se sentir un peu plus proche de tous ces personnages. Si le lecteur vit quelque chose de similaire, s'il s'amuse et s'émeut un peu au travers de ces pages, cet ouvrage n'aura pas été vain. Quentin Victory Leydier ///// Version couleuravec 100 photogrammes des films pleine page

Année 2010 : Woody Allen est désormais catalogué comme un artiste du passé, ne faisant que répéter mécaniquement tout ce qui a fait son art cinématographique. Les grandes réussites d'antan semblent loin (Manhattan, Annie Hall, Hannah et ses sœurs, Zelig, La Rose pourpre du Caire...), et pourtant, le cinéaste américain tourne encore et toujours avec son éternelle insouciance. Mieux, il ne va cesser de se réinventer. Tout Woody Allen se retrouve dans ses derniers films, synthèse de son œuvre antérieure rehaussée de fulgurances inédites. Ainsi, le cinéaste va concrétiser son amour de la France, d'un Paris mythifié (Midnight in Paris) à la douceur de la côte méditerranéenne (Magic in the Moonlight). Avec le diamant noir Blue Jasmine, il pousse plus loin la puissance tragique de Match Point ; avec L'Homme irrationnel, il propose une brillante variation de Crimes et Délits, sondant encore une fois les tréfonds de l'âme humaine. Ce Woody Allen tardif reste un grand prestidigitateur, maître dans l'art de la dissimulation qui apporte à la mélancolie le charme des jeux amoureux, de Café Society à Wonder wheel ; un auteur épris de tragédie qui a gardé son esprit ludique, celle de l'innocence du devenir, de la danse, et des jeux enfantins. Un vrai miracle d'équilibre et de nuances. Bâtie brique après brique, la décennie 2010 révèle un Woody Allen à son sommet. Et ce livre, derrière son érudition et ses références à Nietzsche et à Kant, à l'apollinien et au dionysiaque, restitue au mieux un plaisir de spectateur. ///// 140 photogrammes noir et blanc des films /////

En 1997, Titanic fait de Kate Winslet la nouvelle coqueluche du box-office international. C'est pourtant loin des paillettes et du glamour hollywoodien que la jeune actrice britannique entend mener sa carrière. En plusieurs films et autant d'interprétations marquantes, Winslet se ressaisit de son image et prouve que sa filmographie ne saurait se réduire à un rôle unique, aussi emblématique soit-il. Attachée à son indépendance, l'actrice choisit ses projets en fonction de son propre tempérament marqué par une discrétion éloquente. De Créatures célestes à Mare of Easttown, de Holy Smoke à The Reader, le présent ouvrage se propose de comprendre les différentes facettes et les multiples sources (de la littérature à la peinture) constitutives de la personnalité artistique de Winslet. Caractérisation des rôles, importance de l'adaptation, techniques de jeu, évolution des registres et des approches sont étudiées à travers de nombreuses analyses de ses représentations à l'écran. Kate Winslet, la discrète se présente comme le premier ouvrage consacré à l'une des plus brillantes interprètes du cinéma contemporain. ///// 260 photogrammes en couleur des films Jacques Demange est docteur en études cinématographiques, essayiste, collaborateur à la revue Positif et critique littéraire pour le site Cinechronicle. Auteur de plusieurs ouvrages consacrés à des acteurs et des réalisateurs, il se spécialise dans l'analyse du jeu et des représentations de l'acteur de cinéma, l'histoire et l'esthétique du cinéma moderne et les rapports entre cinéma et littérature.

Un café parisien embrumé de fumées de cigarettes, une bande de quadragénaires, entre rires et disputes… Dans l'inconscient collectif, les films de Claude Sautet sont ceux qui représentent le mieux le cinéma français des années 70. Mais les images emblématiques ne manquent pas, dessinant une période riche et contrastée. Des œuvres qui recherchent gaiement le scandale (Le Souffle au cœur, La Grande Bouffe, Les Valseuses…), d'autres qui revisitent gravement les heures sombres du passé (L'Aveu, R.A.S, Lacombe Lucien, Monsieur Klein…) ou dénoncent avec véhémence les dérives du présent (Dupont Lajoie, Le Dossier 51, L'Argent des autres…), le cinéma des années 70 navigue entre l'utopie héritée de l'après-68 et la désillusion née de la crise économique. La décennie voit surtout l'émergence d'une nouvelle génération de cinéastes (Bertrand Blier, Bertrand Tavernier, André Téchiné, Alain Corneau, Jacques Doillon…) d'acteurs et d'actrices (Gérard Depardieu, Patrick Dewaere, Miou-Miou, Isabelle Adjani…), totalement en phase avec leur époque. Et puis, il y a Truffaut, il y a Pialat, il y a Chabrol et tant d'autres qui font définitivement de ces années 70 un nouvel âge d'or du cinéma français, entre cinéma populaire et 7e art exigeant. ///// 180 photos NB et couleur /////

Qui peut réunir dans un même livre un critique de cinéma émérite, une ex-star du cinéma pornographique, un cascadeur de génie, un ancien coach sportif, une comédienne aussi talentueuse que renommée et un écrivain fou de cinéma asiatique ? La réponse pourra surprendre de prime abord, avant de devenir évidente : Jackie Chan ! En 2017, après 15 années où ses films n'avaient presque jamais atteint les écrans français, sort l'excellent The Foreigner. Jackie Chan, 63 ans, se rappelle à nos bons souvenirs et, dès lors, François Barge-Prieur a une idée folle : celle d'aller retrouver son idole de jeunesse ; de partir Sur les traces de Jackie Chan. Commence alors pour lui un voyage à la rencontre d'autres passionnés (avec, au casting, Charles Tesson, Céline Tran, Cyril Raffaelli, Éric Faber, Cécile de France), mais aussi à la rencontre de lui-même et de ses propres souvenirs. Plongée dans la nostalgie des vidéo-clubs et des magnétoscopes, de la découverte du cinéma asiatique et d'une passion qui a commencé il y a un quart de siècle… Journal de bord d'une enquête minutieuse et d'une quête insensée… Sur les traces de Jackie Chan est tout cela et même plus encore. Et, au gré des récits qui se croisent et du livre qui se crée, se dessine en creux le portrait du plus grand génie du cinéma comique d'action. À la fin, François Barge-Prieur rencontrera-t-il son idole ? Suspense… François Barge-Prieur est l'auteur de l'émission culturelle “Le Bon Plan” : sous la forme de courtes vidéos, il y décrypte les bonnes idées de mise en scène, de façon à la fois exigeante et accessible. Dans la continuité de ce travail, il intervient dans de nombreux dispositifs d'éducation à l'image, et propose des formations et des conférences pour différents types de public. Critique au sein de la revue Les Fiches du cinéma, il a collaboré à plusieurs ouvrages collectifs, dont Les Sortilèges du blockbuster, paru en 2017. Sur les traces de Jackie Chan est son premier roman.

Une histoire du cinéma français se présente comme une série d'ouvrages, classés par décennies successives (des années 30 à nos jours) pour offrir au lecteur un panorama complet du cinéma français. Pour chaque année sont mis en avant les films majeurs, un grand réalisateur, une actrice et un acteur ainsi qu'un grand dossier thématique abordant pour le cinéma les questions essentielles de la période. À travers ces analyses, et la mise en perspective des Suvres et des artistes dans un contexte historique, social, politique et même technique, ce livre se veut le récit pertinent et à l'occasion, impertinent ! de l'histoire, riche mais encore trop méconnue, de notre cinéma. De l'avènement du parlant à l'effondrement de la seconde guerre mondiale, les années 30 représentent, à plus d'un titre, un véritable âge d'or du cinéma français. À la suite de la révolution technique liée à l'arrivée du parlant qui révolutionne totalement l'approche du septième art, la décennie est marquée par des événements historiques aussi importants que la crise de 1929 et le Front populaire. Avec, d'un côté, le souvenir encore prégnant de la Grande Guerre et, de l'autre, la peur d'un nouveau conflit, se dessine un cinéma français en pleine mutation, entre insouciance et gravité, entre idéalisme et réalisme, jusqu'à la naissance d'un courant déterminant pour le cinéma mondial, le réalisme poétique. Durant les années 30, de grands maîtres (René Clair, Jacques Feyder, Jean Renoir, Julien Duvivier, Marcel Carné) réalisent des chefs-d'Suvre encore mondialement reconnus, À nous la liberté !, La Kermesse héroïque, La Grande Illusion, Pépé le Moko, Hôtel du Nord ; de grands acteurs et actrices sont élevés au rang de monstres sacrés (Jean Gabin, Louis Jouvet, Michel Simon, Raimu mais aussi Arletty ou Michèle Morgan) sans oublier l'apport inestimable de grands seconds rôles qui font toute la verve de l'époque&

Film maudit en raison de l'indifférence critique et l'échec financier rencontrés à sa sortie, film culte de par l'enthousiasme qu'il est capable de susciter aujourd'hui, La Nuit du chasseur se voit affubler de qualificatifs généraux qui traduisent la difficulté à cerner sa véritable nature. Réalisé par Charles Laughton, acteur britannique en fin de carrière, le film réunit passé (Lillian Gish, égérie de David Griffith durant les années 1910) et présent (Robert Mitchum, habitué des rôles de mauvais garçon dans les années 1940) pour raconter l'histoire singulière d'un prédicateur diabolique persécutant deux enfants afin de mettre la main sur un magot. Truffée d'images ciselées à la manière d'un conte pour enfants, la narration aspire à une certaine intemporalité. Le présent ouvrage se propose d'explorer le monde intérieur du film par une analyse chronologique et exhaustive des procédés mis en œuvre par Laughton et ses collaborateurs pour convaincre le spectateur. Essayiste, Damien Ziegler est spécialisé dans l'esthétique du paysage (La Représentation du paysage au cinéma ; Traité du paysage moderne), et publie régulièrement des essais au sein de la collection analyse filmique de LettMotif. Parmi ses dernières publications figurent Dictionnaire Terrence Malick ; Barton Fink. Le rêve de feu des frères Coen ; A.I. Intelligence artificielle ou l'adieu à la mélancolie. Ses prochains travaux seront consacrés à l'œuvre de Woody Allen, et au film de Denis Villeneuve, Blade Runner 2049.

Nombreux sont les acteurs de western, mais rares ceux qui furent de vrais cow-boys. Gary Cooper aurait pu se vanter de l'avoir été dans sa jeunesse, mais il était de tempérament modeste. L'inoubliable interprète du Train sifflera trois fois et de L'Homme de l'ouest ne s'est d'ailleurs pas illustré dans ce seul genre : de la comédie sentimentale au film de guerre, de l'aventure exotique à la parodie, il a apporté son aura naturelle à tous les genres qu'il a touchés, toujours avec cette générosité prompte à mettre en lumière ses partenaires, qu'elles se nomment Claudette Colbert, Barbara Stanwyck, Grace Kelly ou Audrey Hepburn. Et ce n'est pas pour rien que 60 ans après sa mort, il reste un modèle pour de nombreuses vedettes d'aujourd'hui. “Américain par excellence”, dans le meilleur sens de ces termes, celui qui fut l'Extravagant Mr. Deeds (Frank Capra) et le Sergent York (Howard Hawks), fut également l'ami de grands écrivains, Hemingway en tête. Et si Clark Gable a été le “roi”, John Wayne, le “duc”, Gary Cooper méritait bien de se voir enfin décerner le titre de prince. Auteur d'une quinzaine d'ouvrages, dont plusieurs ont été traduits, traducteur lui-même, collaborateur de diverses revues, grand voyageur qui a séjourné aux États-Unis, Adrien Le Bihan admire Gary Cooper depuis qu'il voit des films. Il ne cache pas son faible pour les rapports entre littérature et cinéma.

Du Beau Serge à Bellamy en passant par Que la bête meure et La Cérémonie, Claude Chabrol, c'est plus de cinquante ans de cinéma. Un cinéaste connu et reconnu également pour sa malice, son intelligence et son impertinence. Chabrol avait son franc-parler et il ne s'est jamais privé de donner son avis quand on le lui demandait ! Dans Comme disait Claude Chabrol, ce sont plus de 250 citations, réparties tout au long de sa carrière, qui ont été soigneusement compilées. Tout l'esprit farceur de Chabrol restitué dans un petit ouvrage essentiel. Tout y passe : le cinéma bien sûr, mais aussi la connerie, la bourgeoisie, les femmes, la politique, la religion, la vie en général. Ce grand moraliste de Chabrol fait feu de tout bois, y compris sur lui-même. Un regard unique et une lecture aussi intelligente qu'amusante qui s'avère salutaire et d'utilité publique. À lire et à relire ! Journaliste et homme de radio, Laurent Bourdon est notamment l'auteur du Dictionnaire Hitchcock (Larousse, 2007) – préfacé par Claude Chabrol ! –, Les Remakes (Larousse, 2012), Définitivement Belmondo (Larousse, 2017), Les Pépites de la critique cinéma (Dunod, 2018) et Tout Claude Chabrol (LettMotif, 2020)

Avec les années 60, le cinéma français entre pleinement dans la modernité. À bout de souffle de Jean-Luc Godard et la Nouvelle Vague dans son ensemble sont passés par là, ouvrant la voie vers des approches inédites et personnelles de concevoir le 7e art. Avec le cinéma “en-chanté” de Jacques Demy, la singularité, déjà, d'Alain Cavalier, celle de Georges Franju, et le travail d'expérimentation que poursuit Alain Resnais avec L'Année dernière à Marienbad et Muriel, la formule “cinéma d'auteur” prend plus que jamais tout son sens. Mais cela serait vite oublier, si ce n'est l'essentiel, tout un pan de notre cinéma. Fidèle à sa tradition, la France confirme dans la décennie 60 la vitalité d'un cinéma classique et populaire de qualité : Gérard Oury triomphe avec Le Corniaud et La Grande Vadrouille, Henri Verneuil fait dans le grand spectacle avec Week-end à Zuydcoote et Le Clan des Siciliens, Philippe de Broca immortalise Jean-Paul Belmondo en aventurier charmeur dans L'Homme de Rio. Et puis, il y a Le Trou, le dernier chef-d'œuvre de Jacques Becker, le retour de Buñuel en France pour Le Journal d'une femme de chambre et Belle de jour, Jean-Pierre Melville à son meilleur… Toute la richesse des années 60 est bel et bien là, dans la coexistence de tous ces cinémas, du plus exigeant au plus populaire. Qui plus est, dans une période en pleine effervescence, coincée entre la fin de la guerre d'Algérie et la déflagration de Mai 68, le cinéma français, plus que jamais, va se faire le témoin de l'évolution des mœurs et des problématiques politiques de l'époque, quitte à prendre position et à s'engager. 215 photos NB et couleur

Censure & cinéma en France examine sur plus de 450 pages, le processus complexe de la classification des œuvres cinématographiques dans notre pays. La parole a été donnée aux observateurs et aux acteurs du dispositif organisé par l'État depuis 1919. Jean-François Théry, Sylvie Hubac, Edmond Honorat, Jean-François Mary et Françoise Tomé, tous interrogés au moment de leur présidence, ont accepté de livrer leur point de vue sur le travail de la Commission de classification. André Bonnet, fondateur et conseil de l'association Promouvoir, laquelle a bouleversé le droit du cinéma depuis plus de vingt ans avec l'affaire Baise-moi, explique et justifie ses multiples actions devant le juge. Si René Chateau, Philippe Rouyer et Fernand Garcia ont choisi de revenir sur des épisodes importants de la classification des films, des juristes se sont interrogés sur la finalité de l'avertissement, sur les incohérences de l'interdiction aux moins de 18 ans, ou encore sur l'indemnisation des professionnels lésés par des restrictions d'exploitation en salles. Au total, quinze auteurs ont bien voulu poser un regard critique sur un dispositif complexe observé avec méfiance par une industrie du cinéma partagée entre agacement et résignation.