Des réflexions sur l'évolution rapide et irréversible des sociétés, profondément modifiées par le numérique. L'auteur se fonde sur la pensée du philosophe B. Stiegler pour développer une posture critique face à la numérisation de la société et ses effets disruptifs. ©Electre 2024

Les contributions rassemblées dans cet ouvrage, agrémentées de l'œuvre d'artistes qui se sont intéressés à Bourdieu, multiplient les perspectives sur son œuvre : étude des conditions de production des enquêtes, des concepts et des modèles, développement des concepts-clés, construction d'un modèle cohérent de l'État, retour sur tel aspect de la domination masculine, explicitation de ce qu'implique une sociologie critique et un engagement politique réflexif, restitution de la vivacité de ses cours et de la cérémonie de remise de la médaille d'or du CNRS, exploration des rapports de Bourdieu avec l'œuvre de Mauss, de Wittgenstein et de Marx, etc. Avec les contributions de Pierre Bourdieu, Lucien Braun, Jacques Budin, Yves Carreau, Patrick Champagne, Gaspard Fontbonne, Joëlle Labiche, Rose-Marie Lagrave, Remi Lenoir, Gérard Mauger, Christian de Montlibert, Louis Pinto, Andrea Rapini, Loïc Wacquant, Tassadit Yacine.

Sur Sacha Guitry Don Juan ou Arnolphe ? Talleyrand ou M. Prudhomme ? Le plus grand cinéaste du monde ? Suivi de Harry Baur/Sacha Guitry ou la croisée des destins Quel jeu mortel a joué Harry Baur ? Harry Baur dénoncé et martyrisé comme juif (ce qu il paraissait être mais n était pas), résistant pour certains, collaborateur pour d autres. Les mystères demeurent depuis 1943. Claude Gauteur a réuni et présenté avec André Bernard Le Cinéma et moi de Sacha Guitry, préface de François Truffaut (éditions Ramsay, 1977 et 1984 ; Ramsay Poche Cinéma 1990). Il a présenté Sacha Guitry Cinéma, tous les scénarios spécialement écrits pour le cinéma par Sacha Guitry, de Bonne chance à Si versailles m était conté& (Omnibus, 2007).

Dans toute son œuvre Fellini élabore un jeu de miroirs complexe à la fois pour comprendre comment se construit la réalité de l'homme et pour réfléchir sur le processus créatif, et il ne cesse de répéter que le cinéma est un art de la mémoire. Une mémoire personnelle, souvent mêlée à un sentiment nostalgique, où s'établit un rapport particulier entre souvenirs réels et souvenirs inventés et où est questionnée la problématique de la représentation de la réalité, réalité qui semble impossible à dire et qui doit être recréée par l'imaginaire. Une mémoire aussi qui raconte l'histoire de l'Italie, de l'être humain, du cinéma et qui critique la société moderne, où l'empreinte nostalgique devient de plus en plus forte et où la prise de conscience qu'il n'y a pas de retour possible se fait plus vive. La nostalgie prend alors une dimension plus universelle, où la question du temps devient primordiale et où le mouvement entre les différents temps passé, présent et futur accompagne et renforce le mouvement entre réalité et imaginaire. Cette étude tente d'analyser ces nostalgies et leurs représentations dans l'univers complexe du réalisateur. Véronique Van Geluwe est née au Maroc et a vécu une vingtaine d'années en Italie où elle a travaillé dans le conseil en entreprise. Passionnée de cinéma, elle a collaboré durant une dizaine d'années au Festival du cinéma africain, d'Asie et d'Amérique latine de Milan et est également traductrice-adaptatrice cinématographique et professeur d'italien. Elle vit actuellement à Aix-en-Provence où elle a effectué un Master recherche en cinéma-audiovisuel.

Inspiré par le cinéma américain de son adolescence tout autant que par le classicisme de Ford ou d'Eastwood, Jeff Nichols, entre productions indépendantes et collaboration avec les studios, mais toujours entouré par la même fidèle équipe de collaborateurs ainsi que par Michael Shannon, son comédien fétiche, s'est imposé en cinq films comme l'un des cinéastes américains les plus importants de sa génération. Immense conteur et cinéaste de l'empathie, Nichols filme l'Homme du Sud en proie aux crises économiques, écologiques ou identitaires et aux peurs diffuses qu'elles engendrent, privilégiant le quotidien, l'infime et l'intime, pour atteindre à l'universel et faire naître et partager avec le plus grand nombre l'émotion et la croyance toujours renouvelée dans les forces du cinéma. Jérôme d'Estais a précédemment publié trois essais aux éditions LettMotif : Jean Eustache ou la traversée des apparences, Andrzej Zulawski, sur le fil et Barbet Schroeder, ombres et clarté. Il a aussi collaboré à l'ouvrage sur Hal Hartley et écrit deux romans, 178 et Thomas Liebmann, les derniers jours du Yul Brynner de la RDA, paru chez LettMotif en septembre. Il est par ailleurs le correspondant en Allemagne de La Septième Obsession et collabore aux revues Mondes du Cinéma et Ciné-Bazar.

Le présent dictionnaire explore l'œuvre du réalisateur-philosophe Terrence Malick à travers la présentation et l'analyse de l'ensemble de ses œuvres, ses thèmes de prédilection, ses collaborateurs (acteurs, directeurs de la photographie, compositeurs, monteurs, producteurs), ainsi que les artistes et auteurs qui constituent pour lui une source majeure d'inspiration. Il vise à éclairer sous toutes ses facettes le questionnement mené par Malick depuis le début de son œuvre sur la place de l'homme dans l'univers, les liens entre nature et culture, ainsi que l'amour sous toutes ses formes. Docteur en études cinématographiques, spécialiste du cinéma américain, Damien Ziegler poursuit une œuvre d'essayiste consacrée plus particulièrement au thème de la représentation du paysage dans l'art. Ce Dictionnaire Terrence Malick est son troisième ouvrage, après La Nuit du chasseur, une esthétique cinématographique, et La Représentation du paysage au cinéma. Il collabore habituellement aux revues Cinémaction et Éclipses.

Un hommage à André Green qui a introduit dans les années 1980, le concept de "mère morte" en psychanalyse.

Dans une première partie, Anne Ubersfeld présente la biographie du dramaturge et établit une chronologie de ses créations. Dans une seconde partie, elle propose une analyse de son écriture au travers des pièces majeures et fait ressortir ainsi ce qui, dans le travail de Koltès, a marqué la dramaturgie des années quatre-vingt par son originalité et sa spécificité.