Instrument venu dItalie, exotique et évocateur datmosphères méditerranéennes, la mandoline est très à la mode en France jusquà la fin du Siècle des Lumières, comme en témoignent de nombreuses sources iconographiques et musicales. Acclamé par sa « finesse, créativité et esprit » (Olivier Fourés, Diapason) et l « énergie communicative » de ses interprétations (Sébastien Llinares, France Musique), lensemble Pizzicar Galante est aujourdhui reconnu comme une référence dans linterprétation du répertoire galant pour mandoline et basse continue.Pour sa deuxième sortie discographique chez Arcana, Pizzicar Galante veut offrir un florilège des plus belles pages du répertoire joué en France durant le véritable « âge dor » qua connu la mandoline à Paris à partir des années 1760 jusquà la Révolution. Un répertoire rare et inexploré où la virtuosité rayonnante dAnna Schivazappa, spécialiste des mandolines anciennes, dialogue avec la voix envoûtante et charismatique de Marc Mauillon.

Deux artistes brésiliens rendent hommage à villa-lobos et à la forêt amazonienne... Sebastiao salgado est un photographe mondialement reconnu qui oeuvre depuis les années 90 pour la protection et la restauration de la forêt atlantique et des ressources en eau de la vallée du rio doce au brésil. La cheffe dorchestre italo-brésilienne simone menezes se passionne pour le compositeur brésilien heitor villa-lobos et son poème symphonique floresta do amazonas, dont elle a créé une suite pour grand orchestre et soprano. Ensemble ils parcourent le monde pour présenter une exposition des photos de salgado, combinée à des concerts dirigés par simone où les photos sont projetées, le photographe ayant associé chaque phrase musicale à une de ses images... Un projet monumental dont voici la musique, enregistrée avec le philharmonia zurich et la soprano camila provenzale. Dix photos de salgado, toutes plus saisissantes les unes que les autres, sont présentes dans le livret qui accompagne cet enregistrement qui est complété par un autre hommage à la nature amazonienne, celui de philip glass, avec un extrait de son aguas da amazonia.

En 1906, Komitas donne un concert et une conférence à Paris. Debussy monte sur scène à l'issue du concert et s'agenouille devant le compositeur arménien (également prêtre, chanteur et pionnier de l'ethnomusicologie), s'exclamant : ' Je m'incline devant votre génie, Saint Père. ' ' Komitas est la voix de la terre d'Arménie, de ses églises et de ses pierres qui, pendant des siècles, sont restées muettes ' poursuit le violoniste David Haroutunian. Avec la mezzo-soprano Eva Zaïcik, qui s'est prise de passion pour ces mélodies et la pianiste Xénia Maliarevitch, ils rendent hommage à ce grand musicien, ainsi qu'au compositeur franco-arménien Garbis Aprikian, aujourd'hui âgé de 96 ans. Héritier de Komitas, élève d'Olivier Messiaen, il a largement contribué à diffuser, en France et au-delà, la musique arménienne, autant classique que populaire. Son Lamento ouvre l'album, belle évocation et touchante révérence à Komitas.

Ce deuxième volet de Poétiques de l'instant, projet au long cours, met en résonance deux pièces incontournables de la littérature pour quatuor à cordes avec d'autres timbres, des transcriptions inédites et des créations. En regard du célèbre quatuor de Ravel, les Voce ont commandé à Bruno Mantovani un quatuor (son cinquième), qui se développe autour d'une note clé du quatuor de Ravel. Ils se sont également appuyés sur les talents multiples du harpiste Emmanuel Ceysson pour enrichir ce programme avec une transcription de chambre de la célèbre suite Ma mère l'Oye faite par ses soins. Pour cet arrangement et pour le superbe septuor Introduction et Allegro, le quatuor Voce est rejoint par trois artistes d'exception, la flûtiste Juliette Hurel, le clarinettiste Rémi Delangle et le harpiste Emmanuel Ceysson.

Compositeur prolifique, Legrenzi a exercé son art tant dans des oeuvres pour l'église que pour l'opéra, la musique de chambre et des oratorios. Il a exploré tous les genres musicaux de son époque, prenant la relève de Gabrieli et de Monteverdi et jouissant en son temps d'une réputation enviable auprès de ses contemporains. Plus connu pour ses opéras que pour ses oeuvres religieuses de son vivant (1626-1690), Legrenzi était largement admiré et copié dans toute l'Europe.De ses huit oratorios connus, seulement trois nous sont parvenus. Parmi ceux-ci, La morte del cor penitente (La mort du coeur pénitent), un oratorio de chambre qui fut probablement écrit en 1671. Le thème décrit le développement spirituel d'un pêcheur , personnage central de l'oeuvre, qui doit payer sa dette à Dieu afin de restaurer son honneur. Du pèlerinage de la croix jusqu'à la lumière, le pénitent se repent afin d'accéder, ultimement, à la rédemption. Le texte dessert un riche univers des affects (émotions) touchant aux tourments de l'esprit et de l'âme.

In nocte consilium, la nuit porte conseil: les poètes y trouvent le temps de l'apaisement, les astronomes le moment tant attendu pour observer les étoiles et les planètes... Quant aux mystiques, ils ont cherché des nuits entières les voies énigmatiques de la présence divine. Ce programme construit comme un parcours du crépuscule à l'aube nous guide à travers les différentes nuits qui nous sont contées par les compositeurs du XVIe siècle: de l'espoir à l'absence, de la douceur du songe amoureux à la froideur de la nuit éternelle, sans oublier la clarté de la lune guidant les amants vers leurs retrouvailles, l'itinéraire s'achève à la lueur des premiers rayons du soleil. Janequin, Lassus, Palestrina, Guerrero et leurs collègues franco-flamands, italiens et espagnols nous invitent à explorer ces nuits tantôt ténébreuses et épouvantables, tantôt étoilées, tranquilles et amoureuses.

C'est en 1725, huit ans après la parution de son Quatrième Livre de Pièces de Viole que Marin Marais publie son ultime recueil. ? cette époque, il ne joue plus à la Chambre du Roi et d'ailleurs a déménagé dans une maison du Faubourg Saint-Marceau où il cultivoit les plantes et les fleurs de son jardin . Il continuait à donner des leçons aux personnes qui voulaient se perfectionner dans la viole . ? l'image de cette vie paisible, ce Cinquième Livre de Pièces de Viole nous apparaît comme le testament de l'art de ce musicien qui ici jette un dernier regard sur ce passé dont il fut et reste le maître incontesté.

'EnTmenschT' de Line Tjornhoj a été créé avant que la pandémie ne nous frappe, et avant l'événement que nous ne pensions pas arriver à notre époque la guerre en Europe. Il capture deux des personnalités artistiques les plus extrêmes et les plus expressives de l'histoire de l'art du début du XXe siècle, peut-être précisément là où notre peur moderne a été fondée la peur de l'inhumanité destructrice. La voix humaine est au centre de la musique de Tjornhoj. Comme dans plusieurs de ses autres oeuvres, des aspects universels et souvent douloureux de notre existence sont explorés à travers des enquêtes virtuoses sur la voix - ses possibilités et ses limites et la connectivité des voix.L'oeuvre a été créée en collaboration avec l'artiste visuelle Signe Klejs et l'ensemble vocal virtuose Theater of Voices. Avec le cri comme leitmotiv , 'enTmenschT' explore la frontière entre humanité et inhumanité. 'enTmenschT' est une oeuvre musicale touchante et bouleversante dont les thèmes et l'expression sont terriblement pertinents.

Après le succès de l'enregistrement consacré à Veress et Bartok, couronné par deux Awards en 2020, Gramophone et BBC Music Magazine, la série du festival de Lockenhaus, dirigée par son directeur artistique Nicolas Altstaedt, poursuit sa route en Europe centrale avec Antonín Dvorak et son fameux trio Dumky, du nom des chansons populaires slaves généralement interprétées par des rhapsodes itinérants aveugles s'accompagnant eux-mêmes à la kobza ou à la bandoura (un luth à douze cordes). Dvorak, dont le père jouait de la cithare, s'imprègne de ces musiques et s'en fait traducteur-créateur. Le trio est créé en 1891 et, devant son accueil dithyrambique, Dvorak décide de le jouer pendant sa grande tournée d'adieu, avant son départ pour les Etats-Unis. Le Duo pour violon et violoncelle de Zoltan Kodály (1914) qui complète ce programme témoigne lui aussi de l'influence des musiques traditionnelles.

En 2018, le festival Styriarte de Graz a lancé, en collaboration avec Zefiro, un projet de redécouverte de la production lyrique de Johann Joseph Fux (1660-1741), maître de chapelle à la cour impériale de Vienne pendant 40 ans. L'objectif est de présenter sur scène six de ses 19 opéras, soit un par an. Avec des interprètes spécialistes du chant baroque, conduits par Monica Piccinini et Arianna Venditelli, ce Dafne in lauro marque le début d'une nouvelle collection Arcana, où paraîtront les enregistrements effectués dans le cadre de ce cycle pluriannuel. Présentée le 1er octobre 1714 pour célébrer l'anniversaire de l'empereur Charles VI, Dafne in lauro se distingue par ses nombreuses références à la chasse dans l'Ouverture et les airs de Diane, et à travers les nombreuses pièces de danse représentatives caractéristiques du style français, comme les menuets, les gigues et les bourrées. Le point culminant de ce programme est l'air poignant de Daphnée accompagnée par une viole de gambe qui, comme le chalumeau et la flûte traversière, enrichit la palette sonore de cette partition.

Après le succès de ses enregistrements en solo, Paolo Zanzu revient à la tête de son nouvel ensemble Le Stagioni avec Officina romana, en collaboration avec le contre-ténor Carlo Vistoli. Au début du XVIIIe siècle, Rome était l'une des grandes capitales de la musique en Europe. En quelques années, Corelli, Haendel, Alessandro et Domenico Scarlatti, Caldara, Cesarini et bien d'autres y ont croisé leur chemin, entourés de peintres, de sculpteurs, de poètes et de philosophes qui comptent parmi les grands noms de l'époque. Fruit d'une longue réflexion et de recherches, l'Officina romana cristallise ce moment unique dans l'histoire de la musique en recréant une soirée musicale idéalisée, une conversazione, sorte de rencontre libérale de notables dans le palais d'un cardinal romain, avec un programme mêlant musique vocale et instrumentale en formation orchestrale et chambriste. Ce programme met en valeur le génie créatif, l' "estro" de l'époque, son inventivité musicale et technique, en combinant des pièces célèbres avec des pièces inédites. Le pianoforte Cristofori y fait également une apparition : le cardinal Ottoboni en possédait un.

? l'instar des troubadours occitans et des trouvères du Nord de la France, les Minnesänger célèbrent l'amour courtois et donnent ses lettres de noblesse à l'allemand médiéval. Ces "chanteurs d'amour" (Minne signifiant "amour" en ancien allemand) perpétuent ainsi une tradition poétique et musicale née près de deux siècles auparavant en Occitanie. S'émancipant progressivement de leurs modèles du Sud et du Nord de la France, les Minnesänger (qui appartiennent pour la plupart à la noblesse et à la chevalerie) développent durant le XIIIe siècle un art qui leur est propre.

Il y a cinquante ans, le Collegium Vocale Gent débuta une aventure musicale merveilleuse, quoique inattendue. Dans ce coffret anniversaire, Philippe Herreweghe a rassemblé les plus beaux enregistrements qu'il a réalisés avec le Collegium sur le label Phi, fondé avec Outhere en 2010. S'y côtoient les chefs d'ouvre de Tomás Luis de Victoria, Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms et Antonín Dvorak. L'excellence artistique dont le Collegium Vocale Gent fait preuve dans tous les répertoires constitue le cour de cette sélection enivrante.

L'Ensemble Perspectives, quintette vocal a cappella fondé et dirigé par Geoffroy Heurard, s'attache à créer des programmes mêlant le grand répertoire classique, des compositeurs moins connus et des chansons traditionnelles et pop... Ces musiques sont transcrites "sur-mesure" pour Perspectives, qui travaille avec des arrangeurs et compositeurs mondialement reconnus, de toutes tendances esthétiques. Leur nouvel album, intitulé "Playlist", permet à l'oreille d'aujourd'hui de saisir les fils intemporels qui relient Purcell à Brahms, un air traditionnel à une chanson américaine fredonnée par des générations entières... Un voyage ludique et inspiré entre les musiques de Purcell (Dido's Lament), Brahms, Ravel ou Fauré, des chants traditionnels comme Joshua fit the battle of Jericho ou Frère Jacques, des chansons de Charlie Chaplin (Smile), Michel Legrand (La Chanson de Maxence), ainsi que de Paul Simon (Mrs. Robinson et 50 Ways to Leave your Lover) et de Tom Waits (Alice).

En cette année 2021, le trio Zadig nous invite à découvrir les deux facettes de Saint-Saëns : l'écriture et la transcription. Des pièces arrangées pour trio - les Pièces de clavecin en concerts 1 et 5 de Rameau et Orphée de Liszt - encadrent l'Opus 92 de Saint-Saëns. Ce programme donne l'impression de voyager dans le temps et dans l'espace, entre le XVIIIe siècle, la Hongrie, la France... L'occasion de découvrir ou redécouvrir le savoir-faire compositionnel, le sens de la forme et du dialogisme, l'inventivité thématique et la richesse harmonique de Saint- Saëns. Fidèle à leur recherche de répertoires peu visités, les Zadig, à l'instar du héros voltairien, poursuivent leur aventure dans le monde de la musique de chambre.

La Sonate nÊ32 pour piano op.111 constitue une démonstration de modernité radicale. Elle entame l'éclatement formel de la sonate - pilier formel pour tout compositeur du XVIIIe siècle - et introduit une nouvelle façon de construire la phrase musicale, jusqu'à être considérée par certains comme les prémices du jazz. Les innovations apportées dans le domaine rythmique ont laissé perplexes la plupart des contemporains du compositeur. Voici un espace idéal à investir avec le trio Aka Moon qui fait appel pour l'occasion à trois personnalités musicales fortes : le chanteur Fredy Massamba, "story teller" africain, l'étoile montante de l'accordéon portugais Joo Barradas et le pianiste Fabian Fiorini. C'est dans ce carrefour aux résonances multiples que Fabrizio Cassol approche cette sonate, en synchronisant des espaces émotionnels au-delà des époques, des cultures, des points de vue sociaux ou esthétiques.

Après Fluxus, leur premier album sorti en 2013 et très apprécié par la critique (Révélation! de Jazz Magazine), le trio revient accompagné de deux invités de marque rencontrés à New York : le saxophoniste Michaël Attias et le violoncelliste Christopher Hoffman. Cette formation permet aux trois jeunes musiciens d'explorer un répertoire qui ne cesse de s'étoffer et de s'enrichir au contact de nouvelles sonorités. Depuis leurs débuts en 2007, le trio a connu une évolution fulgurante et représente aujourd'hui plus que jamais la nouvelle génération de très grands talents du jazz européen. Ils créent une musique qui se nourrit en permanence d'influences actuelles telles que le hip-hop ou les musiques électroniques sans jamais trahir l'héritage du passé.

Le batteur belge hors normes et membre depuis les années 90 du trio Aka Moon, s'est entouré pour cette aventure de tous les musiciens avec qui il a toujours eu envie de partager la scène et le studio : le jeune génie arménien du piano, Tigran Hamasyan, le magicien de la flûte Magic Malik, le roi de l'accordéon bulgare Petar Ralchev, le plus doué des bassistes flamenco Carles Benavent et le maître incontesté de la percussion turque, Misirh Ahmet. A l'arrivée, voici un projet unique, aussi éclectique que cohérent.

The dubhlinn gardens : une soirée dans la haute société dublinoise du XVIIIe siècle, où la musique traditionnelle tend à se "civiliser"... Ce programme est né de la passion de la flûtiste Anna Besson pour la musique traditionnelle irlandaise depuis son plus jeune âge. Aussi surprenant que cela puisse paraître, c'est la pratique de la flûte irlandaise qui l'a conduite à celle de la flûte baroque... Reinoud Van Mechelen a lui aussi, depuis quelques années, commencé à se former au chant traditionnel irlandais auprès de Karan Casey et autres chanteurs spécialisés dans le Sean-Nós. C'est cette double pratique de la musique ancienne et des musiques traditionnelles qui a mené l'ensemble A Nocte Temporis à proposer un programme aussi entraînant que touchant. (Electre)

Pour la première fois depuis sa création au XVIII siècle, le Te Deum pour les Victoires de Louis XV d'Henry Madin résonne en 2015 dans la Chapelle Royale de Versailles. Stradivaria, ensemble baroque de Nantes dirigé par Daniel Cuiller, et Les Cris de Paris, choeur de chambre dirigé par Geoffroy Jourdain, reprennent l'oeuvre du compositeur né à Verdun en 1698 et qui fut sousmaître de la Chapelle du Roi à partir de 1738. L'interprétation du Te Deum, le plus long composé sous l'Ancien Régime, est complétée par celle du Diligam te, Domine, l'une des oeuvres principales de Madin qui s'inscrit dans le style du motet à grand choeur. Lors d'un concert unique et immortalisé, les deux oeuvres ont repris vie dans ce lieu historique hautement symbolique et sont présentées aujourd'hui dans la Collection Alpha / Château de Versailles qui compte désormais plus d'une dizaine de titres. (Electre)