Depuis la création du groupe en 1992, le parcours d'Aka Moon a été jalonné d'une myriade de rencontres musicales inédites. Après leur voyage initiatique chez les Pygmées Aka, un désir inassouvi a toujours nourri les recherches des trois comparses : l'envie de partager le savoir, l'expérience et les secrets d'autres musiciens venus de tous les horizons. Car si Aka Moon est indéniablement né avec un son unique, le groupe l'a toujours fait évoluer, en absorbant notamment les sucs rythmiques venus d'Orient, d'Afrique ou d'Inde. Les titres des compositions (Nomadism, The visitor, Spiritual exil...) évoquent les thématiques du voyage et de la fascination de l'ailleurs, mais également un engagement artistique et humain toujours placé au premier plan. (Electre) (Electre)

Le batteur belge hors normes et membre depuis les années 90 du trio Aka Moon, s'est entouré pour cette aventure de tous les musiciens avec qui il a toujours eu envie de partager la scène et le studio : le jeune génie arménien du piano, Tigran Hamasyan, le magicien de la flûte Magic Malik, le roi de l'accordéon bulgare Petar Ralchev, le plus doué des bassistes flamenco Carles Benavent et le maître incontesté de la percussion turque, Misirh Ahmet. A l'arrivée, voici un projet unique, aussi éclectique que cohérent.

Après Fluxus, leur premier album sorti en 2013 et très apprécié par la critique (Révélation! de Jazz Magazine), le trio revient accompagné de deux invités de marque rencontrés à New York : le saxophoniste Michaël Attias et le violoncelliste Christopher Hoffman. Cette formation permet aux trois jeunes musiciens d'explorer un répertoire qui ne cesse de s'étoffer et de s'enrichir au contact de nouvelles sonorités. Depuis leurs débuts en 2007, le trio a connu une évolution fulgurante et représente aujourd'hui plus que jamais la nouvelle génération de très grands talents du jazz européen. Ils créent une musique qui se nourrit en permanence d'influences actuelles telles que le hip-hop ou les musiques électroniques sans jamais trahir l'héritage du passé.

"Pour notre album précédent, nous avons exploré le monde de la musique de chambre, avec de nombreuses compositions élaborées et de longues improvisations. Nous savons enfin qui nous sommes devenus, après dix ans de Labtrio ! Au fil des ans, nous avons construit un répertoire varié et acquis un caractère unique, que nous voulons mettre en valeur avec cet album. Le défi est d'élargir et d'approfondir notre identité et notre histoire en tant que trio, mais aussi de lui insuffler une nouvelle vie." ? cette fin, Lander, Anneleen et Bram ont cherché le lyrisme et le drive, les mélodies et les rythmes qui caractérisent Labtrio. Inspirés par différents genres musicaux allant de la musique classique à la pop et à l'électronique, ils ont sélectionné leurs "plaisirs non coupables" préférés. Une fois tous ces ingrédients mis ensemble, ce troisième album nous offre une série de nouvelles oeuvres composées collectivement, mais aussi de plus anciennes compositions inédites, recyclées et rafraîchies par les membres du band.

Le groupe Nasa Na, composé de Pierre Van Dormael, Fabrizio Cassol, Michel Hatzigeorgiou et Stéphane Galland se forme en 1989 au moment de l'ouverture du légendaire club bruxellois, le Kaai. Là-bas, tous les risques sont permis et une série de musiciens y expérimentent ensemble une musique nouvelle. Appelé au départ Nasa Na Group, qui signifie "J'ai un groupe", Nasa Na se développe en créant une grande cohésion entre ses membres. Lorsque il se scinde en 1992, Fabrizio Cassol, Michel Hatzigeorgiou et Stéphane Galland forment Aka Moon. Pierre Van Dormael se joindra à eux occasionnellement pour des concerts et des enregistrements. Malgré les attentes du public à l'époque, ce groupe-laboratoire ne sortira pas d'album, même si ses membres auront tous une grande carrière, notamment discographique. Ce manque est maintenant comblé grâce à la publication de ce disque événement basé sur des enregistrements live de 1991 ! Un must pour tous les fans de la première heure et une découverte extraordinaire pour tous les autres. C'est également un hommage au très grand musicien et compositeur qu'était Pierre Van Dormael et un document sonore unique qui témoigne de son génie.

En 2018, le festival Styriarte de Graz a lancé, en collaboration avec Zefiro, un projet de redécouverte de la production lyrique de Johann Joseph Fux (1660-1741), maître de chapelle à la cour impériale de Vienne pendant 40 ans. L'objectif est de présenter sur scène six de ses 19 opéras, soit un par an. Avec des interprètes spécialistes du chant baroque, conduits par Monica Piccinini et Arianna Venditelli, ce Dafne in lauro marque le début d'une nouvelle collection Arcana, où paraîtront les enregistrements effectués dans le cadre de ce cycle pluriannuel. Présentée le 1er octobre 1714 pour célébrer l'anniversaire de l'empereur Charles VI, Dafne in lauro se distingue par ses nombreuses références à la chasse dans l'Ouverture et les airs de Diane, et à travers les nombreuses pièces de danse représentatives caractéristiques du style français, comme les menuets, les gigues et les bourrées. Le point culminant de ce programme est l'air poignant de Daphnée accompagnée par une viole de gambe qui, comme le chalumeau et la flûte traversière, enrichit la palette sonore de cette partition.

Après le succès de ses enregistrements en solo, Paolo Zanzu revient à la tête de son nouvel ensemble Le Stagioni avec Officina romana, en collaboration avec le contre-ténor Carlo Vistoli. Au début du XVIIIe siècle, Rome était l'une des grandes capitales de la musique en Europe. En quelques années, Corelli, Haendel, Alessandro et Domenico Scarlatti, Caldara, Cesarini et bien d'autres y ont croisé leur chemin, entourés de peintres, de sculpteurs, de poètes et de philosophes qui comptent parmi les grands noms de l'époque. Fruit d'une longue réflexion et de recherches, l'Officina romana cristallise ce moment unique dans l'histoire de la musique en recréant une soirée musicale idéalisée, une conversazione, sorte de rencontre libérale de notables dans le palais d'un cardinal romain, avec un programme mêlant musique vocale et instrumentale en formation orchestrale et chambriste. Ce programme met en valeur le génie créatif, l' "estro" de l'époque, son inventivité musicale et technique, en combinant des pièces célèbres avec des pièces inédites. Le pianoforte Cristofori y fait également une apparition : le cardinal Ottoboni en possédait un.

Après avoir consacré un disque à des sonates de Giuseppe Tartini, pour cette année anniversaire de l'illustre virtuose padouan, Evgeny Sviridov propose l'enregistrement de concertos pour violon. Ce sera sa première collaboration avec le Millenium Orchestra, ensemble fondé par Leonardo García Alarcón au sein du Cavema à Namur. La plupart des concertos choisis font partie de copies manuscrites qui ont été réalisées en Allemagne au XVIIIe siècle où la réputation de Tartini y était très importante. Evgeny Sviridov y a trouvé des cadences et ornementations qui, selon toute vraisemblance, seraient de la main de Johann Georg Pisendel, le grand violoniste virtuose de la cour de Dresde, ami (et interprète) de Johann Sebastian Bach. Selon la pratique de plus en plus courante à cette époque en Allemagne, outre les cordes, l'un des concertos comporte deux parties de cor.

Eminent interprète de Vivaldi, Giuliano Carmignola a toujours eu une affinité particulière et spirituelle avec la musique de Jean Sebastien Bach, comme en témoignent ses enregistrements de référence des Sonates pour violon et clavecin (2002, avec Andrea Marcon), des Concertos pour violon (2014, avec Concerto Kvln - Diapason d'or) et des Sonates et Partitas (2018), selon Gramophone "clairement un choix de premier ordre parmi les enregistrements sur instruments d'époque de ces oeuvres, malgré la concurrence". Avec ce projet, qui a pris forme en 2020 en réaction à l'isolement lié à la pandémie, le grand violoniste vénitien nous offre une lecture nouvelle, parfois même expérimentale, d'un autre célèbre recueil pour instrument solo, les Suites pour violoncelle, qui met en évidence de nouveaux détails et exalte le caractère choréutique et la brillance de nombreux mouvements. Déjà artisan du succès de Sonar in Ottava avec son ami de longue date Mario Brunello, Carmignola inaugure ici une collaboration avec Arcana pour une série de projets solistes.

En cette année 2021, le trio Zadig nous invite à découvrir les deux facettes de Saint-Saëns : l'écriture et la transcription. Des pièces arrangées pour trio - les Pièces de clavecin en concerts 1 et 5 de Rameau et Orphée de Liszt - encadrent l'Opus 92 de Saint-Saëns. Ce programme donne l'impression de voyager dans le temps et dans l'espace, entre le XVIIIe siècle, la Hongrie, la France... L'occasion de découvrir ou redécouvrir le savoir-faire compositionnel, le sens de la forme et du dialogisme, l'inventivité thématique et la richesse harmonique de Saint- Saëns. Fidèle à leur recherche de répertoires peu visités, les Zadig, à l'instar du héros voltairien, poursuivent leur aventure dans le monde de la musique de chambre.

L'Ensemble Perspectives, quintette vocal a cappella fondé et dirigé par Geoffroy Heurard, s'attache à créer des programmes mêlant le grand répertoire classique, des compositeurs moins connus et des chansons traditionnelles et pop... Ces musiques sont transcrites "sur-mesure" pour Perspectives, qui travaille avec des arrangeurs et compositeurs mondialement reconnus, de toutes tendances esthétiques. Leur nouvel album, intitulé "Playlist", permet à l'oreille d'aujourd'hui de saisir les fils intemporels qui relient Purcell à Brahms, un air traditionnel à une chanson américaine fredonnée par des générations entières... Un voyage ludique et inspiré entre les musiques de Purcell (Dido's Lament), Brahms, Ravel ou Fauré, des chants traditionnels comme Joshua fit the battle of Jericho ou Frère Jacques, des chansons de Charlie Chaplin (Smile), Michel Legrand (La Chanson de Maxence), ainsi que de Paul Simon (Mrs. Robinson et 50 Ways to Leave your Lover) et de Tom Waits (Alice).

? l'instar des troubadours occitans et des trouvères du Nord de la France, les Minnesänger célèbrent l'amour courtois et donnent ses lettres de noblesse à l'allemand médiéval. Ces "chanteurs d'amour" (Minne signifiant "amour" en ancien allemand) perpétuent ainsi une tradition poétique et musicale née près de deux siècles auparavant en Occitanie. S'émancipant progressivement de leurs modèles du Sud et du Nord de la France, les Minnesänger (qui appartiennent pour la plupart à la noblesse et à la chevalerie) développent durant le XIIIe siècle un art qui leur est propre.

Au XVIIIe siècle, le modèle de la sonate imposé par l'oeuvre d'Arcangelo Corelli a conquis toute l'Europe musicale. Tout au long du siècle, des transcriptions de l'oeuvre de Corelli sont apparues pour chaque instrument, et la viole de gambe n'a pas fait exception. La collection la plus intéressante est celle conservée à la Bibliothèque Nationale de Paris ; elle présente les 12 sonates de l'Opus V de Corelli en transcription pour viole de gambe. Bien qu'elles soient conservées à Paris, certains éléments stylistiques suggèrent que cette transcription est originaire de la région allemande, avec une référence particulière à des compositeurs tels que Johannes Schenck, Konrad Hvffler ou Gottfried Finger, qui ont été profondément influencés par le style de Corelli dans leurs oeuvres. C'est à ce répertoire que Teodoro Bau, lauréat du concours du Ma Festival de Bruges 2021 consacre cet enregistrement.

Les sept compositions communément appelées oeuvres pour luth de Johann Sebastian Bach, malgré plus d'un siècle de recherches, ne semblent pas vouloir dévoiler complètement le mystère de leur naissance, de leur véritable destination instrumentale et de la conception de Bach, décidément abstraite, de l'instrument, le luth, qui dans sa dernière évolution continuait après près de trois siècles de gloire à recueillir l'attention de la plus haute lignée musicale. Le mystère n'a pas éloigné les interprètes de ces compositions, que Bach n'a pas rassemblées en un cycle unique, comme il l'avait fait pour les oeuvres pour violon seul et pour violoncelle, et les a même rendues peut-être plus stimulantes, surtout si l'on considère qu'en soixante-dix ans, le luth était destiné à disparaître de la scène musicale. Il y a des moments où, pour découvrir ou définir qui nous sommes, il faut se confronter à l'inconnu. Evangelina Mascardi l'a fait avec cette extraordinaire gravure, qui en plus d'être la première au féminin, écrit une nouvelle importante page interprétative, fruit de maturité artistique, réflexion critique et d'une originale recherche instrumentale.

Il y a cinquante ans, le Collegium Vocale Gent débuta une aventure musicale merveilleuse, quoique inattendue. Dans ce coffret anniversaire, Philippe Herreweghe a rassemblé les plus beaux enregistrements qu'il a réalisés avec le Collegium sur le label Phi, fondé avec Outhere en 2010. S'y côtoient les chefs d'ouvre de Tomás Luis de Victoria, Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms et Antonín Dvorak. L'excellence artistique dont le Collegium Vocale Gent fait preuve dans tous les répertoires constitue le cour de cette sélection enivrante.

Ce deuxième volet de Poétiques de l'instant, projet au long cours, met en résonance deux pièces incontournables de la littérature pour quatuor à cordes avec d'autres timbres, des transcriptions inédites et des créations. En regard du célèbre quatuor de Ravel, les Voce ont commandé à Bruno Mantovani un quatuor (son cinquième), qui se développe autour d'une note clé du quatuor de Ravel. Ils se sont également appuyés sur les talents multiples du harpiste Emmanuel Ceysson pour enrichir ce programme avec une transcription de chambre de la célèbre suite Ma mère l'Oye faite par ses soins. Pour cet arrangement et pour le superbe septuor Introduction et Allegro, le quatuor Voce est rejoint par trois artistes d'exception, la flûtiste Juliette Hurel, le clarinettiste Rémi Delangle et le harpiste Emmanuel Ceysson.

Compositeur prolifique, Legrenzi a exercé son art tant dans des oeuvres pour l'église que pour l'opéra, la musique de chambre et des oratorios. Il a exploré tous les genres musicaux de son époque, prenant la relève de Gabrieli et de Monteverdi et jouissant en son temps d'une réputation enviable auprès de ses contemporains. Plus connu pour ses opéras que pour ses oeuvres religieuses de son vivant (1626-1690), Legrenzi était largement admiré et copié dans toute l'Europe.De ses huit oratorios connus, seulement trois nous sont parvenus. Parmi ceux-ci, La morte del cor penitente (La mort du coeur pénitent), un oratorio de chambre qui fut probablement écrit en 1671. Le thème décrit le développement spirituel d'un pêcheur , personnage central de l'oeuvre, qui doit payer sa dette à Dieu afin de restaurer son honneur. Du pèlerinage de la croix jusqu'à la lumière, le pénitent se repent afin d'accéder, ultimement, à la rédemption. Le texte dessert un riche univers des affects (émotions) touchant aux tourments de l'esprit et de l'âme.

In nocte consilium, la nuit porte conseil: les poètes y trouvent le temps de l'apaisement, les astronomes le moment tant attendu pour observer les étoiles et les planètes... Quant aux mystiques, ils ont cherché des nuits entières les voies énigmatiques de la présence divine. Ce programme construit comme un parcours du crépuscule à l'aube nous guide à travers les différentes nuits qui nous sont contées par les compositeurs du XVIe siècle: de l'espoir à l'absence, de la douceur du songe amoureux à la froideur de la nuit éternelle, sans oublier la clarté de la lune guidant les amants vers leurs retrouvailles, l'itinéraire s'achève à la lueur des premiers rayons du soleil. Janequin, Lassus, Palestrina, Guerrero et leurs collègues franco-flamands, italiens et espagnols nous invitent à explorer ces nuits tantôt ténébreuses et épouvantables, tantôt étoilées, tranquilles et amoureuses.

Dans le domaine de la musique de chambre de César Franck on a retenu essentiellement les trois chefs-d'ouvre de la maturité que sont la Sonate, le Quintette et le Quatuor. Mais, dès ses débuts à Paris, Franck, en tant que jeune virtuose du piano se fait entendre dans diverses compositions, essentiellement des trios à claviers qui sont édités sous le nºd'opus 1 et qui bénéficient de l'avis favorable de Franz Liszt ! C'est à cette première intégrale de ce répertoire que nous invitent les professeurs de la Chapelle Musicale Reine Elisabeth.

C'est en 1725, huit ans après la parution de son Quatrième Livre de Pièces de Viole que Marin Marais publie son ultime recueil. ? cette époque, il ne joue plus à la Chambre du Roi et d'ailleurs a déménagé dans une maison du Faubourg Saint-Marceau où il cultivoit les plantes et les fleurs de son jardin . Il continuait à donner des leçons aux personnes qui voulaient se perfectionner dans la viole . ? l'image de cette vie paisible, ce Cinquième Livre de Pièces de Viole nous apparaît comme le testament de l'art de ce musicien qui ici jette un dernier regard sur ce passé dont il fut et reste le maître incontesté.

'EnTmenschT' de Line Tjornhoj a été créé avant que la pandémie ne nous frappe, et avant l'événement que nous ne pensions pas arriver à notre époque la guerre en Europe. Il capture deux des personnalités artistiques les plus extrêmes et les plus expressives de l'histoire de l'art du début du XXe siècle, peut-être précisément là où notre peur moderne a été fondée la peur de l'inhumanité destructrice. La voix humaine est au centre de la musique de Tjornhoj. Comme dans plusieurs de ses autres oeuvres, des aspects universels et souvent douloureux de notre existence sont explorés à travers des enquêtes virtuoses sur la voix - ses possibilités et ses limites et la connectivité des voix.L'oeuvre a été créée en collaboration avec l'artiste visuelle Signe Klejs et l'ensemble vocal virtuose Theater of Voices. Avec le cri comme leitmotiv , 'enTmenschT' explore la frontière entre humanité et inhumanité. 'enTmenschT' est une oeuvre musicale touchante et bouleversante dont les thèmes et l'expression sont terriblement pertinents.