"Cette symphonie témoigne d'une volonté énergique, d'une pensée musicale logique, d'une grandeur de facultés architectoniques et d'une maîtrise technique telles que n'en possède aucun autre compositeur vivant ", relève le critique Eduard Hanslick après la première viennoise. Esquissée dès l'époque du Concerto pour piano n. 1 (1854-1858), la "Symphonie n. 1 en ut mineur" est achevée durant l'été 1876 lors d'un long séjour dans l'île de Rügen, en mer Baltique.

50 ? Et pourquoi pas 100, 500... 1 000 ? Non, notre liste s'arrête à 50. 50 références qui ont fait l'histoire - celle du disque, de l'interprétation - hier, aujourd'hui, et qui continueront sûrement. Le critère est précis, mais nous revendiquons une belle part de subjectivité dans cette liste, où les présents s'imposent mais où tant d'absents souffrent déjà de n'y être pas ! Resserrer une telle proposition autour de 50 références relève du jeu, du pari intenable. Pourtant la sélection est bel et bien là, choisie, défendue par notre équipe de critiques.

Les impromptus posthumes font partie de l'ultime legs du compositeur autrichien. Quel pianiste saura en révéler les clairs-obscurs et faire chanter le romantisme ailé ?

Ainsi le compositeur ariégeois fit-il son entrée dans le répertoire chambriste. Et quelle entrée, puisque ce quatuor avec piano est devenu un emblème du genre ! Un monument aussi débordant de vie que redoutable à interpréter.

Ce dernier quatuor se distingue par sa force d'expression et son instabilité émotionnelle, plongeant les interprètes dans la tourmente. Au bord de l'abîme, qui saura apprivoiser les profondeurs du désespoir, en bon danseur de corde ?

Son compositeur la qualifiait de "musique pure". Pourtant, derrière ce formalisme annoncé, un trouble menace la symphonie. Quel chef saura résoudre le conflit entre rage et humour ?

Ténèbres. Prononcer ce mot en présence de l'amateur de musique baroque fera, dans l'instant, se lever images et sensations. Des cierges éteints l'un après l'autre ; les flammèches des flambeaux peints par Georges de La Tour ; une scène de "Tous les matins du monde" où la solitude d'un maître de la viole voué aux regrets accueille les mélismes de la "Troisième des Leçons" de François Couperin. Elles sont aujourd'hui les plus jouées, les plus enregistrées du vaste corpus légué par les XVIIe et XVIIIe siècles français.

Aimé du public et des musiciens comme nul autre chef de sa génération, Carlo Maria Giulini était l'humilité, l'intégrité incarnées. Un esthète éperdu également, pour qui la musique reposait d'abord sur le chant.

Epris d'absolu, César Franck nourrit sa musique d'un fort sentiment religieux et la soumet à sa volonté de grandeur. Mais il sait aussi inventer des formes originales et céder aux élans romantiques.

En quarante ans d'une carrière exemplaire, loin de tout tapage médiatique, Frank Peter Zimmermann continue d'arpenter un vaste territoire allant de la musique baroque jusqu'aux compositeurs d'aujourd'hui. Sa maturité artistique et la perfection de son jeu d'une absolue pureté stylistique le placent au sommet de l'art violonistique. Un entretien en toute simplicité avec un interprète majeur de notre époque.

Des raisons esthétiques ou idéologiques ont longtemps laissé ce concerto en marge. Désormais reconsidéré, il aligne les plus grands noms. Qui saura associer virtuosité, panache et rêverie dans un même élan ?

"Expansive, pessimiste 'et indubitablement extatique" : ainsi Glenn Gould décrit-il la "Sonate pour piano" d'Alban Berg, en laquelle il disait voir le meilleur Opus 1 de l'histoire de la musique. Le choix d'adjectifs aussi affectifs peut surprendre pour caractériser l'une des pièces les plus abstraites du répertoire de la sonate et qui se veut avant tout "chef-d'oeuvre" au sens artisanal : un exercice de fin d'études, composé vers 1909 sous l'égide du maître Arnold Schonberg, au moment de quitter son enseignement.