C'est à la Quinzaine des réalisateurs qu'après une solide carrière de courts métrages, couronnée d'un long, tous documentaires, la réalisatrice franco-tunisienne Erige Sehiri a finalement dévoilé sa première oeuvre de fiction. Bien évidemment, ce passage relativement soudain d'une tradition à une autre ne se fait pas sur une politique de la terre brûlée. Que ce soit dans les choix narratifs ou esthétiques, la carrière de l'auteure s'inscrit dans chaque plan et permet ainsi de poser un film qui s'en nourrit.

Le triomphe cannois de "Parasite", suivi par son remarquable accueil public français et international, ont agi comme une sorte de spectaculaire point d'orgue : la progression constante du cinéma coréen, dans le coeur des spectateurs et des critiques, a atteint une apogée, prenant la place d'un cinéma hongkongais ayant perdu depuis longtemps, pour d'évidentes raisons, son aura et sa productivité. Le succès de Bong Joon-ho ne doit néanmoins pas nous faire oublier une histoire coréenne plus large et globale, ses racines, ses origines.

Le surgissement de Céline Sciamma dans le cinéma français n'est désormais plus une nouveauté, et la maturité a toujours été un passage difficile pour les récents prodiges du cinéma français. La réalisatrice ne se facilite de fait pas vraiment la tâche en cédant aux sirènes d'une sorte de cliché obligé de ce passage, le drame en costumes...

Dans quelques années, quand le flot constant se sera calmé, il faudra revenir sur cette accélération étonnante du rythme de production de Martin Scorsese dans les années 2010, à un moment où beaucoup de réalisateurs entrent en pré-retraite. Scorsese, au contraire, accélère, toujours au sommet de la pyramide hollywoodienne et de la cinéphilie là où la plupart de ses célèbres collègues (à commencer par de Palma et Coppola, Spielberg étant l'exception) sont quasiment tous sur la touche ou totalement éloignés des plateaux.

L'histoire s'accélère. C'est ce que l'on pourrait dire en voyant briller sur les murs du métro les affiches de "Triple Frontière". Un vieux projet hollywoodien, qui faillit être réalisé par Kathryn Bigelow, avec Tom Hanks et Johnny Deep dans les rôles principaux... Le film a fini par se faire, avec un autre casting, sans que l'on perde vraiment au change.

Avec un Ours d'or berlinois, un prix lors du dernier Festival de Cannes, et même un remake hollywoodien de l'un de ses films, il est évident que Nadav Lapid est aujourd'hui un membre confirmé du fameux cercle fermé des auteurs internationaux. Il est tout aussi évident qu'il est le plus célèbre, le meilleur représentant (il n'est pas vraiment, et ne le souhaite sans doute pas, un chef de file) de la nouvelle génération des auteurs de son pays.

L'admirable carrière de Pablo Larraín commence à s'inscrire dans un étrange balancement. Depuis sa percée avec le film "No", l'auteur a mis les pieds dans un milieu plus ambitieux, populaire, presque hollywoodien, concrétisé par le succès de son "Jackie" avec Nathalie Portman. Mais, alors que se profile un autre biopic prestigieux, "Diana", ainsi qu'une série HBO d'horreur avec Juliane Moore, Larraín continue de livrer quotidiennement des oeuvres plus ardues telles que "Neruda", gardant ainsi un équilibre entre un visage maintstream, et le cinéaste exigeant, parfois aride, qu'il demeure.

L'une des scènes préférées de Walsh conclut l'une de ses collaborations avec Errol Flynn, "Gentleman Jim", autre biopic d'une célèbre figure américaine, champion de boxe de la fin du XIXe siècle. Après avoir finalement remporté son prix contre le tenant du titre, Jim est visité, lors de sa fête de victoire, par le rival vaincu. S'ensuit un dialogue où les deux combattants, si arrogants, parlent enfin sincèrement, avec une émotion qui contraste vivement avec les attitudes héroïques et dynamiques vues durant le récit.

"Drunk" peut apparaître, en premier lieu, comme le retour d'un duo gagnant. Celui constitué par Thomas Vinterberg et Mads Mikkelsen. On l'oublie un peu, mais cette réussite fit revenir du précipice le cinéaste, dont la gloire post "Festen" s'était bien écornée.

Il y a bien entendu le rendez-vous avec l'histoire du cinéma. En obtenant l'Oscar de la Meilleure réalisatrice, en plus de celui du Meilleur film, le tout s'ajoutant à un Lion d'or, Chloé Zhao devient (seulement) la deuxième femme à obtenir la statuette. Elle obtient ainsi une entrée dans le cercle des auteurs célèbres et puissants, qui comptent, alors qu'elle s'apprête paradoxalement à travailler pour la plus puissante et formatée des machines à blockbusters, Marvel. Que donnera le film de super héros de Zhao ?

La trilogie d'Hiroshi Inagaki consacrée à Musashi Miyamoto, comme les six films de Tomu Ucbida ou le manga "Vagabond" de Takehiko Inoue sont adaptés du roman d'Eiji Yosbikawa, "La Pierre et le Sabre" et "La Parfaite Lumière". Le Musasbi de Yosbikawa est un mythe littéraire, au même titre que le "D'Artagnan" de Dumas ou le "Cyrano" de Rostand. Ce qui veut dire que sa démesure romanesque et son succès jamais démenti dans l'imaginaire populaire sont le fruit de petits arrangements avec la réalité historique. Sommaire. Musashi Miyamoto, figure historique et mythe littéraire.

La mort de Jean Paul Belmondo a provoqué les effusions, regrets et rétrospectives prévues, en France et dans le reste du monde. Au milieu des dialogues et commémorations, du Français moyen au Président de la République, il fut facile de constater que l'une des raisons de l'unicité du chagrin fut au contraire la multiplicité des visages de l'icône disparue, et la possibilité pour chacun de se l'approprier. L'article se poursuit par l'interview de Claude Lelouch.

Selon la formule consacrée, chaque film est une fenêtre sur le monde. Comme le guide touristique d'un bouleversant voyage au coeur de l'âme humaine (parfois). Mais bien sûr, certains voyages sont plus enrichissants que d'autres, et les guides qui nous invitent à l'aventure ne sont pas également aguichants. A l'aune de la métaphore, c'est évident que le voyage que promet "Autopsie d'un meurtre" est l'un des plus beaux qui soient. Non pas qu'il nous permette de parcourir le monde, puisque l'essentiel du film se déroule au contraire entre les murs d'un tribunal.

John Le Carré, qui nous a récemment quittés, n'a jamais touché une caméra, mais il reste pourant (aussi) un homme de cinéma. Il publie son premier roman (d'espionnage, bien entendu) en 1961, devient une star dans les librairies en 1963, avec "L'Espion qui venait du froid", et connaît son premier succès sur les écrans en 1965, l'adaptation de ce roman s'avérant être une réussite incontestée. L'écrivain est donc (presque) immédiatement accompagné par le 7e Art.

La mort du grand acteur... Le décès de Michel Bouquet a créé une avalanche prévisible d'éloges hagiographiques, mais fut également paré d'une étrange aura. Celle d'un événement d'une infinie tristesse, mais en même temps parfaitement naturel. Certes, l'âge avancé du comédien participe évidemment à ce phénomène, nous sommes loin du décès prématuré de son camarade de conservatoire Gérard Philippe. Mais il y a plus que cela...

L'une des étonnantes nouvelles du cinéma d'auteur international de ces dernières années est la bonne santé artistique du cinéma iranien. Malgré un régime autoritaire, doté d'un goût prononcé pour la censure, malgré les problèmes légaux sévères rencontrés par ses cinéastes, avec en tête l'exemple évident de Jafar Panahi, un certain nombre de très bons films, au propos parfois fort courageux, continue de nous parvenir.

Filmer les oubliés de la réussite américaine, les sans-abris, et plus précisément une jeune mère célibataire et sa petite fille dans un motel servant ,lieu de foyer, à deux pas de la féérie commerciale de Disney, tout en mélangeant habitants du cru avec une star comme Willem Dafoe : le projet atypique d'un jeune cinéaste qui ne l'est pas moins. En seulement deux longs métrages, dont le premier, "Tangerine", tourné avec un iPhone, Sean Baker a réussi à percer dans un cinéma américain de plus en plus verrouillé, surtout pour un jeune réalisateur se voulant à la fois indépendant et engagé.

En nous consacrant à cette oeuvre controversée, ce n'est pas seulement son jeune metteur en scène que nous voulions évoquer, dont la carrière va très bientôt connaître un deuxième chapitre. Ce sont plutôt toutes les questions, historiques, esthétiques, morales bien entendu, que soulève la représentation de l'horreur, celle de la Shoah en l'occurrence ; ces questions abordées à la fois frontalement et subtilement par Le Fils de Saul. Sommaire. Entretien avec Laszlo Nemes, réalisateur. Histoire d'un projet éthique et cinématographique. Entretien avec Clara Royer, coscénariste du film.

Véritable phénomène de la scène française d'aujourd'hui, Alexis Michalik passe du théâtre au cinéma en portant à l'écran l'un de ses pièces emblématiques qu'il avait d'ailleurs écrit à l'origine sous la forme d'un scénario. Il y évoque sur le ton de la comédie la genèse trépidante de "Cyrano de Bergerac" et la véritable course contre la montre menée par Edmond Rostand (échaudé par le four de sa tragédie "La Princesse lointaine") pour livrer son texte monumental dans un délai que n'importe quel autre dramaturge eût jugé déraisonnable.

"Cendres et Diamant" fait partie d'une catégorie rare, car c'est un film imposant aux yeux du monde un cinéaste, mais également son pays. Un exploit comparables à celui de "Rashomon" d'Akira Kurosawa, "Rome ville ouverte" de Roberto Rosselliin, ou plus tard "4 mois, 3 semaines, 2 jours" de Cristian Mungiu. Cette explosion internationale d' Andrzej Wajda est, avec ce dossier, expliquée clans ce qu'elle a de complexe mais, également, d'improbable, de par les inévitables problèmes avec la censure.

En revisitant en 2023, l'un des événements judiciaires majeurs du XXe siècle, l'affaire Pierre Goldman, Cédric Kahn affronte à la fois un personnage, une époque, mythifiés et donc, forcément, opaques : celle de l'après 68 où le procès, pour le meurtre de deux pharmaciennes, d'un homme à la fois militant gauchiste et petit gangster, devint une cause médiatique et politique incontournable, à gauche et à droite.

En passant au grand écran par une adaptation signée par Yuzuru Tachikawa, le film "Blue Giant" se retrouve dans une tradition longue et complexe, qui fait du croisement entre le jazz et le cinéma un genre en soi, récemment illustré, bien entendu, par les longs métrages de Damien Chazelle. Comment filmer la musique, comment rendre compte de l'essence même d'un genre où la pulsion et l'improvisation prennent tant de place ? Des questions visuelles et narratives essentielles auxquelles "Blue Giant" apporte ses réponses, adaptés à la propre famille, l'animation japonaise.

Ceux qui suivent "L'Avant-scène cinéma" le savent : Cédric Kahn en fut un invité régulier. Revenir vers lui nous semblait précisément une bonne idée, afin de pouvoir continuer à suivre l'évolution d'un artiste apprécié, qui a su s'imposer sur bien des genres et registres, dans le cinéma français. Mais également, évidemment, pour le film en lui-même, "Le Procès Goldman".

D'abord, hurlons un peu : là où bien des pays d 'Europe, de l'Irlande à la Belgique, permettent de découvrir le nouveau long métrage de Michael Mann sur grand écran, la France demeure ce pays d'irréductibles Gaulois où l'on doit se contenter d'une diffusion directe sur les plateformes. Frustrant pour les films d'un pur cinéaste, qui a toujours pensé sa mise en scène comme moteur absolu et unique de l'oeuvre, même si la légendaire proximité créative de Mann avec le petit écran (de "Miami Vice" jusqu'à... "Tokyo Vice") confère à tout cela une forme de logique.

La mort de William Friedkin a donné lieu, dans les publications hollywoodiennes, à des nécros inattendues et prévisibles, réduisant la vie et l'oeuvre du cinéaste à deux films, "French Connection" et "L'Exorciste" et à une période, le Nouvel Hollywood.